“En casi dos mil años de inapelable existencia, el Santo Padre, sus purpúreos cardenales y sus diligentes monseñores han divulgado encíclicas, incinerado sabios, coronado vírgenes y canonizado mártires, con el fin único de reducir la sexualidad humana a un invento de Satanás para pervertir las almas; sobre todo, si esas almas nacen con cuerpo de mujer”.

A Silvia Galvis hay que leerla siempre. Eso lo saben de sobra en la Universidad Autónoma de Bucaramanga y en la Universidad Industrial de Santander. Las dos instituciones se unieron en una alianza editorial cuyo primer fruto textual es este libro: Irónica, satírica y rebelde: Silvia Galvis Ramírez.

Lea aquí: Memoria, envejecimiento y dolor: los temas que atraviesan Ulibro 2026

Ocho investigadores releyeron ficciones y no ficciones de la obra de Galvis Ramírez. El resultado es un recorrido creativo y académico que cumple las veces de guía escrita para dialogar con una mujer ejemplar. El texto se lanzó en la agenda de Ulibro 2026 y del prólogo, escrito por Yaneth Lizarazo, extrajimos estas palabras: “los investigadores Érika Zulay Moreno Bueno y Ronald Salazar Carreño decidieron adentrarse en la novelística de Silvia Galvis y, desde sus aportaciones, se consolidó el primer capítulo: ‘Feminismos, memorias y narrativas híbridas’. En estas páginas, los personajes femeninos, sus formaciones y deformaciones se entrelazan con ese quehacer contemporáneo de la escritura literaria que, aunque mantiene el relato central como hilo conductor, también toma recursos y formas de otros géneros discursivos para fortalecer una poética que termina consolidando un género híbrido en relación directa con el pensamiento feminista y sus luchas por las libertades.

En cuanto al segundo capítulo, ‘Teatro con pasión y humor’, los profesores Claudia Patricia Mantilla Durán, Julián Mauricio Pérez Gutiérrez y Nicolás Gómez Rey decidieron enfocarse en la obra de teatro De la caída de un ángel puro por culpa de un beso apasionado. En estas tres perspectivas críticas y teóricas, el teatro de Silvia Galvis es comentado desde sus formalidades, relaciones con la historia contemporánea, intertextualidades con las tradiciones literarias universales, la risa, la ironía y una crítica social que busca, desde el humor, generar una catarsis que facilite la consolidación de una sociedad que garantice las libertades femeninas.

Le recomendamos: Jineth Bedoya recibió el Premio Nacional de Periodismo Silvia Galvis 2026 a la Trayectoria

Finalmente, en el capítulo tercero, Santiago Gómez Mejía, Juan Pablo Ferro y Farouk Caballero se centran en el compromiso que Silvia Galvis asumió desde su labor periodística. En estos párrafos, el análisis abarca la forma en la que las columnas de opinión desde los años ochenta fueron empleadas para construir y comunicar la memoria histórica, pero también se analiza el cruce entre periodismo literario y literatura periodística de Silvia Galvis y sus posturas ácidas, frenteras y críticas con la Colombia de finales de milenio”.

Ahora, van tres ñapas pensando en las y los lectores de Silvia Galvis Ramírez: los epígrafes, la contracarátula y un adelanto. El arranque tiene dos epígrafes que sirven de entraditas para degustar el plato fuerte que son sus letras. El primero es de su puño y letra, lo escribió en 1998 para Cambio 16 y tiene una vigencia innegable: “Hace 200 años, don José Celestino Mutis, sabio de las ciencias naturales y observador de la especie humana, escribía desde la Nueva Granada a un amigo en Madrid: la gente aquí, decía, es ‘rematadamente fatua, porfiadamente crédula, de una credulidad bobalicona, tenaz y dañina. Dé usted gracias al cielo de no hallarse aquí donde la racionalidad es tan escasa que corre el peligro de desaparecer’. Y como que al final desapareció, que si para algo han servido estas campañas, estos candidatos presidenciales, estos discursos fatigantes, estos debates televisados, ha sido para demostrar cómo, dos siglos después, pasada la Colonia, conseguida la Independencia, desvencijada la República, los habitantes de la Patria Boba, perdidamente irracionales, continuamos respondiendo, con exasperante exactitud, a las predicciones del sabio”.

El segundo es de su compañero de vida, Alberto Donadío: “Silvia habitaba las palabras y las palabras eran su día y su noche… Y no se trataba de adjetivos recónditos, ni de vocablos exóticos. Eran las palabras llanas y lozanas convertidas por ella en conversación encantadora, en habla magnética, en el embeleso de su plática”.

Por su parte, la contracarátula invita a lectura con estas frases: “Sus letras son historia, política, teatro, ficción y periodismo. No le temen a nada, porque se confeccionaron desde la investigación, la escritura comprometida y el humor. Silvia es dueña de una sátira que, por mordaz, no deja de ser estéticamente bella. Ella les mama gallo a todos los poderosos. Nos hace reír de nuestra estupidez como nación. Sus textos son exquisitos. Sus palabras remueven cimientos medievales. Sus frases irónicas se burlan de todos, desde el papa de turno, el presidente o el narco más nefasto, pero sus chistes necesitan que la risa genere conciencia. La burla y la crítica no son eficaces si los lectores no cumplimos con nuestra parte activa de receptores de un mensaje escrito de forma sencilla y comprensible sobre los temas más complejos de Colombia en particular y la humanidad en general. Leer a Silvia Galvis es una terapia introspectiva que hace que quien entre en sus páginas, sin duda, salga mejor persona. Por todo esto, ella con filigrana irónica se autoproclamó como: ‘comunista desaforada, pronazi sin entrañas y antiamericana filocastrista’”.

Y siguiendo el respeto, admiración y cariño que Silvia cultivó con El Espectador, compartimos un fragmento que analiza apartados de su obra periodística. Estamos seguros de que a ella le hubiese gustado este regalo para suscriptores y lectores al gratín.

Sexo, libertades, patria narca y otras infidelidades del periodismo

“Para decirlo en breve, bastaría remarcar que el trabajo de Silvia Galvis es en sí mismo una escuela de periodismo que tiene las realidades colombianas como trasfondo. Eso sí, el diálogo que ella mantuvo como característica particular a lo largo de sus textos se construyó basado en el uso de su enciclopedia universal como base para un estilo propio con fina ironía, lenguaje incluyente —‘sumercé’— vocación de iconoclasta por naturaleza informativa y democráticamente comprometida con las demandas de los ‘nadies’, los de abajo, nuestros campesinos, indígenas, trabajadores, mujeres y demás grupos históricamente golpeados y dominados. Para eso, empuñó la palabra periodística que germina de la ética y la investigación como progenitores innegociables.

Empecemos por Santa Teresa. La religiosa nació bajo el nombre de Agnes Gonxha Bojaxhiu, pero su fama internacional la rebautizó como Madre Teresa de Calcuta. Esa misma fama fue la que le otorgó el Premio Nobel de Paz en 1979, pero el exceso de reflectores y las versiones críticas despertaron en Silvia muchas dudas sobre las acciones en olor a santidad que le achacaban a este símbolo de una de las instituciones más tradicionales de la historia humana: la Iglesia católica. En el veredicto del Comité del Premio Nobel de 1979, se escribió lo siguiente: ‘Al otorgar el premio, el Comité Nobel en Noruega ha expresado su reconocimiento a la labor de la madre Teresa en favor de la humanidad doliente. Este año, el mundo ha centrado su atención en la difícil situación de los niños y los refugiados, y son precisamente estas las categorías por las que la madre Teresa trabajó durante tantos años con tanta generosidad’.

Desde la fecha de la obtención del Nobel, la duda quedó. Silvia investigó y décadas después pudo publicar una opinión contraria a la del Comité del Nobel. Teresa de Calcuta murió el 5 de septiembre de 1997. Las versiones oficiales, gratuitas y laudatorias, esas que sentencian que toda muerta religiosa es casi santa, inundaron el mundo de los medios de comunicación. Homenajes…, los que quieran, pero Silvia por esa época estaba culminando su lectura del libro The missionary position (1995), escrito por el periodista inglés Christopher Hitchens. Esa otra versión laica, crítica y seguramente merecedora de excomunión le encantó a Silvia; primero, porque era anticlerical y, segundo, porque hablaba de otras versiones que cuestionaban, con argumentos y pruebas, el fresco celestial creado por Teresa de Calcuta y su séquito. Una vez terminada la lectura, Silvia escribió en las páginas de Cambio 16 el 30 de marzo de 1998: ‘la finada madre Teresa de Calcuta significó más sufrimiento y agonía que alivio y alegría para los pobres del mundo’. En este caso, la imagen creada y vívida de Teresa de Calcuta no la hizo desistir de sus señalamientos. Eso sí, Silvia no escribía nada sin pruebas, con lo cual respetaba a sus lectores mientras se aferraba al innegociable abecé del periodismo, el mismo que remarca que no se puede publicar nada sin verificar. Con este proceso como caja de herramientas, Silvia subrayó: ‘¿Cuántas muertas de parto cargó en la conciencia esta anciana fanática que prohibía los anticonceptivos como inventos del demonio? En Irlanda, como una virgen necia, afirmó que ella no veía ninguna relación entre el exceso de hijos y la miseria… esta es la historia despiadada de una Premio Nobel de Paz, que, si no está ardiendo en las pailas del infierno, es porque la justicia divina no existe’.

Le puede interesar: Pablo Montoya: “El erotismo es una de las grandes fuerzas transgresoras de una sociedad”

Los fragmentos anteriores empiezan a marcar dos huellas del periodismo que profesó Silvia Galvis. La primera es la de mantener una mente inquieta que lee, con pasión, por toneladas. La segunda es la de estar más del lado de los desfavorecidos, porque, aunque la imagen que se vendió de la religiosa de Calcuta estaba anclada en la misión, la solidaridad, la ayuda y el espíritu humanista sin ánimo de lucro, la verdad era otra. Esa imagen escondía una posición cero solidaria, menos empática y sí muy inquisidora en contra de las madres gestantes, muchas de ellas viviendo en pobreza extrema, víctimas de violaciones, cargadoras del peso de embarazos no deseados, y, en general, de los pobres de Calcuta. Por ellas, Silvia habló, porque las donaciones multimillonarias que Teresa recibía en nombre de los pobres del mundo no eran para curar los dolores y enfermedades de esos pobres, pues, según el discurso fundamentalista de Teresa, los pobres debían aceptar su sufrimiento y, antes de morir, pedir por llegar al cielo. Y hablar así, de frente, aún hoy es censurado por los poderosos radicados en el Vaticano. Son muy pocos los casos de críticas directas al catolicismo que emergen desde un país ultracatólico como Colombia. Silvia lo sabía, por eso reseñó el 13 de octubre de 1996 que Colombia era un país de ‘rodilleras y escapularios’.

Buscando las libertades femeninas, Silvia no decidió señalar poderes pequeños de la Iglesia en alguna región alejada, ella tomó el toro por los cachos y fue directo a la cabeza del cuerpo que amordaza las libertades: el Vaticano. Frente a esta situación fue directa y señaló que el Vaticano adoctrinaba a las mujeres desde los púlpitos para que no se liberaran y se mantuvieran pariendo y amamantando en casa. Ese mismo 13 de octubre de 1996 escribió para El Espectador sobre la fervorosa piedad femenina y el trato que la Santa Sede les da a las mujeres: ‘hace cerca de 2.000 años los herederos de San Pablo las discriminan y oprimen; el propio Juan Pablo II, el mismo que ayudó a liberar la sufrida Polonia de la dictadura comunista, ese mismo digo, mantiene una tiranía igualmente oprobiosa sobre la sexualidad femenina. Una tiranía que prohíbe la práctica del control natal, que condena el aborto aun el terapéutico, y las sentencia, bajo amenazas de fuego eterno, a parir hasta que la muerte se las lleve o la pobreza las consuma’.

Silvia opinaba, con ovarios bien puestos, sobre la libertad sexual femenina. Era la década de los noventa y la iglesia católica aún mantenía sus visiones retrógradas y promovía un discurso medieval. Ahí el sexo se volvió un tema central, particularmente, el derecho al placer femenino que el Vaticano cercenaba desde la ‘sagrada’ palabra y la interpretación ‘indiscutible’ de esa palabra. Silvia se enfocó en el sexo y en las nuevas sexualidades femeninas, tan actuales en el siglo XXI, para continuar su lucha por las libertades. Siguió con su batalla contra la Iglesia católica y resaltó en julio de 1992 en su columna “Eva y el recurso de la tutela”: ‘Y nadie puede negar —sin mentir— que la misión de la Iglesia sobre la tierra, más que salvar almas para gozar en el cielo, ha sido condenarlas al fuego eterno del infierno por el pecado vergonzoso de la carne, que es la forma eufemística de no llamar sexo al sexo’.

Ella no soportaba los eufemismos porque pronto descubrió que esa es una forma retórica muy tradicional de engañar y condenar al pueblo. Y en eso, como veremos, la Iglesia y los partidos políticos colombianos están en santa comunión. Por lo tanto, remarcó una de sus máximas el 16 de junio de 1996: ‘cuando usted escuche decir ‘por fin triunfó la verdad’, lo que debe entender es que sobornos y prebendas, finalmente, acallaron conciencias’.

Su batallar por las libertades sexuales femeninas continuó desde sus columnas de opinión. Silvia quería equiparar las libertades sexuales femeninas con las masculinas que, dicho sea de paso, sí están auspiciadas en la ‘sagrada’ palabra. Hoy los tiempos le dieron razón absoluta e incontrovertible. Hija de ese proceso que tiene nombres propios, como Virginia Woolf o Frida Kahlo, Silvia fue una adelantada de su tiempo y opinó, espero no cometer aquí un anacronismo insalvable, por el placer sexual de todes. En su columna “La pesadilla del Papa” de 1995 redactó: ‘Y esto del sexo sí es un mal que no hay Papa que aguante ni Vaticano que lo resista. La prueba está en que no hay una institución en el planeta y en la historia que haya vivido tan obsesionada con el sexo como la Iglesia de Roma. En casi dos mil años de inapelable existencia, el Santo Padre, sus purpúreos cardenales y sus diligentes monseñores han divulgado encíclicas, incinerado sabios, difundido doctrinas, redactado pastorales, enseñado catecismos, ejecutado mandamientos, predicado sermones, coronado vírgenes y canonizado mártires, con el fin único de reducir la sexualidad humana a un invento de Satanás para pervertir las almas; sobre todo, si esas almas nacen con cuerpo de mujer. Tanto ha sido así, que ya ni los propios católicos entienden por qué la Santa Madre Iglesia se preocupa tanto por la pelvis y tan poco por la justicia’.

Lea también: Murió Gloria Steinem, ícono del feminismo y periodista, a los 92 años

De las libertades sexuales femeninas pasamos al valor humano que, de forma inhumana, se le negaba (niega) a los homosexuales. Todavía, aunque gracias a todos los dioses cada vez un poco menos, declararse homosexual —salir del clóset— tiene una sentencia clerical y social despiadada. Silvia ya lo sabía y dio esa lucha, porque ser homosexual en los noventa en Colombia era ser maldecido por Dios, ser un enfermo depravado y, cómo no, portar el virus del VIH que acabaría con la humanidad por intermedio de un sentimiento que afloró gracias a ese regalo de ‘la culpa’ que nos trajeron los españoles y que nos obliga a merecer la muerte por no seguir los mandamientos de Moisés y compañía. Silvia, como lo hizo con los pobres y las madres gestantes abandonadas a su suerte por Teresa de Calcuta, como lo hizo con las mujeres del mundo, lo hizo también con los homosexuales.

Una vez más, Silvia se fijó en el papado y hacia allá dirigió sus dardos verbales y libertarios. Ante el trato rastrero que el papa y sus seguidores les daban (dan) a los homosexuales, Silvia reclamó el 13 de octubre de 1996: ‘Y, ¿a cuenta de qué habrían de rezar por el Papa los homosexuales? ¿Acaso son oligofrénicos para ponerse en el oficio inoficioso de rogar por la salud de quien, sin derecho ni razón los acusa de pervertidos, los persigue y los condena?’

El tema del clero vs. los homosexuales es un tema de interés nacional e internacional, Silvia lo sabe y usa su espacio de opinión para remarcar el anticristianismo que tiene el cristianismo católico con distintas comunidades de nuestra sociedad”.

Si quiere seguir leyendo, le toca comprar el libro. Mientras tanto: se las dejo ahí.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Ángela María Soto, nueva gerente de Inravisión, se refirió a la suspensión temporal del funcionamiento de las emisoras de paz —el único punto del Acuerdo de Paz de 2016 que se había cumplido totalmente— de los municipios de Buenaventura, Agustín Codazzi, Riosucio y Tierralta.

Lea aquí: Gobierno de De la Espriella nombra a Ángela María Mora como gerente de Inravisión

Según argumentó Soto, “esas emisoras fueron puestas al aire antes de completar el procedimiento que legalmente las habilitaba para transmitir”. En un comunicado, Inravisión informó que, como parte de la revisión administrativa, jurídica y técnica adelantada, identificaron que estas cuatro emisoras comenzaron a operar antes de que hubiera culminado el trámite para la obtención de las concesiones necesarias para operar legalmente.

El Ministerio TIC confirmó, según señalaron, que “los actos administrativos correspondientes a estas cuatro concesiones aún se encuentran en proceso de revisión”. El comunicado no hace referencia, sin embargo, a las otras 16 emisoras suspendidas (en total son 20).

Hace dos semanas, la Fundación para la Libertad de Prensa (FLIP) alertó sobre su suspensión y rechazó la medida tomada por el gobierno de Abelardo de la Espriella.

La fundación señaló entonces que frenar “de manera generalizada su programación informativa y territorial no resulta idóneo, necesario ni proporcional para revisar sus contenidos. Una reorganización puede hacerse con alternativas menos restrictivas y no puede desconocer su función de interés público”.

Le recomendamos: Fragmento de “Irónica, satírica y rebelde: Silvia Galvis Ramírez”

La orden del Gobierno de frenar la operación de estos espacios ha sido interpretada como un golpe al Acuerdo de Paz, del que el presidente De la Espriella ha sido un crítico. Ante los cuestionamientos, Inravisión señaló que la medida es institucional y jurídica y no responde a ninguna posición política ni a censura. “Se trata de una decisión institucional orientada a garantizar que el uso del espectro radioeléctrico, que es un bien público de la Nación, se realice con todas las autorizaciones y garantías jurídicas exigidas”.

En la Ley 1341 de 2009 se estableció que el hecho de prestar el servicio de radiodifusión sonora de interés público sin la respectiva concesión constituye una operación no autorizada y puede ser considerada como una operación clandestina. Esto puede derivar en que se apliquen sanciones administrativas o penales y en el decomiso de los equipos.

Soto también fue enfática en que no se trata del cierre de las emisoras, sino de su suspensión. “Las emisoras de paz no se están acabando, al contrario, las estamos protegiendo y mejorando. Reconocemos profundamente el valor que tienen en territorios que durante décadas padecieron la violencia y el abandono”, expresó.

En el comunicado, Inravisión señaló además que continuará trabajando para resolver la situación jurídica que, según la institución, llevó a la suspensión y para garantizar que las voces de los territorios continúen llegando a los colombianos dentro del marco legal.

“No estamos apagando las voces de los territorios. Estamos garantizando que esas voces puedan seguir llegando a los colombianos con legitimidad, seguridad jurídica y dentro de la ley”, concluyó Mora.

Las emisoras de paz quedaron ubicadas en zonas históricamente golpeadas por el conflicto armado. Antes de la medida tomada por el gobierno De la Espriella, emitían contenidos las 24 horas del día con equipos periodísticos encargados de informar sobre sus regiones.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La Fundación Nacional Batuta cumple este 2026 sus 35 años.

Nació en 1991 por iniciativa de la entonces primera dama Ana Milena Muñoz de Gaviria y fue inspirada en el modelo venezolano “El Sistema” de José Antonio Abreu, así que se consolidó como una red nacional de orquestas-escuela que combinaba formación musical con acompañamiento psicosocial, sostenida por un modelo mixto de financiación entre el Estado, la empresa privada y la cooperación internacional.

Ese modelo, que durante décadas le dio estabilidad, se puso a prueba a finales de 2024, cuando un recorte presupuestal de más del 50 %, según la entonces directora Lucía González en entrevista con EL TIEMPO en julio del año pasado, llevó al cierre anunciado de su programa insignia, Sonidos de Esperanza, que beneficiaba a cerca de 20.000 niños en 136 centros musicales. En medio de esa crisis, Batuta tuvo que reinventarse.

Al frente de ese proceso estuvo Beatriz Mejía, quien llegó como gerente de desarrollo y asumió la presidencia tras la salida de Lucía González en 2025. Quince meses después, Mejía decidió dejar el cargo.

Le puede interesar: Ulibro 2026: programación completa del 3 al 6 de septiembre en Bucaramanga

Esta conversación ocurrió, además, en la antesala del concierto “Batuta: 35 años latiendo al ritmo de Colombia”, que reunirá por primera vez al Coro y Orquesta Batuta Bogotá con músicos de la Orquesta Sinfónica y Coro de RTVE el próximo domingo 6 de septiembre en el Teatro Mayor Julio Mario Santodomingo.

Mirando el camino de Batuta en retrospectiva, ¿qué ha hecho posible que la fundación llegue hasta acá?

Batuta ha llegado lejos porque ha sido resiliente. Ha estado en la época del narcotráfico, en épocas de guerrillas y también sobrevivió a la pandemia. Es decir, ¿cómo no lograr que una organización sea resiliente después de esta historia? Los obstáculos que a mí me tocaron fueron muy difíciles, pero retos siempre habrá. Todos decimos: ¿y qué más puede pasar? Y pasan cosas que sigues resolviendo. Mi gestión fue, sobre todo, resiliente, honrando un legado que también lo ha sido.

Afortunadamente el modelo es fácil de adaptar: nosotros trabajamos incluso con instrumentos con materiales reutilizables, logramos que los niños escriban sus canciones, que hagan escritura creativa, que produzcan el sonido con su propia voz. Hay muchas herramientas pedagógicas que ya hemos desarrollado y que se pueden adaptar precisamente a cada momento.

¿Qué tan pesada ha sido esa gestión en lo personal?

Ha sido un año y medio difícil: son casi 200 centros musicales, la responsabilidad de los niños y las niñas. Ojalá Batuta tuviera una financiación permanente, sin tener estos altibajos, pero la financiación no puede ser única, no está pensada así. Pero eso sí, aprendí mucho a adaptarme a los cambios.

Uno de los puntos más difíciles fue el recorte presupuestal. ¿Qué hay detrás del modelo de financiación de Batuta que explica ese golpe?

Primero, Batuta no recibe aportes permanentes y obligatorios. Fue muy difícil, porque la política cultural del gobierno anterior se orientó a fortalecer a otras organizaciones y no solamente a Batuta. Obviamente eso nos abrió una crisis, un hueco presupuestal.

Nosotros somos privados como fundación, pero con patrimonio constitucionalista, donde el Estado pone una parte. Desde ahí, ese consejo de fundadores y aportantes desarrollan proyectos. A raíz de la cooperación que se ha ido (la del Ministerio de Culturas), hemos trabajado mucho en filantropía, en responsabilidad, en inversión social privada, pero no es fácil, porque las empresas tienen nichos, tienen territorios precisos; no es fácil llegar a todo el país. Con la política pública sí. Esa es la inversión más importante.

A pesar de esas dificultades, usted habla de Batuta casi como algo que trasciende lo financiero. ¿De dónde viene esa convicción?

El primer evento que me tocó a mí fue en la Cancillería, cuando unas niñas de Tumaco se presentaban y se despedían porque iban en diplomacia cultural a África. Ahí vi un brillo especial y me dije: “Esto vale la pena”. Y al principio pensaba que no volvería a encontrar ese brillo, pero era mentira. A donde he ido el brillo me ha acompañado. Yo veo a las personas en las agrupaciones y pregunto: “¿Por qué sigues acá?” y me responden “Porque me encanta estar en Batuta”.

También activé muchísimo el trabajo con el sistema de orquestas juveniles e infantiles en muchísimos países como Chile, Panamá, El Salvador, Venezuela, el Perú... Ahí nos empezamos a unir y dijimos: la educación no formal se tiene que empezar a visibilizar, porque esto genera transformación.

Una vez, nosotros llegamos a Viña del Mar con la Orquesta de vientos de Puente Aranda. Ellos hicieron ensamble, el tutti de las orquestas. En ese concierto yo invité a una de mis mejores amigas, que es como mi hermana, que vive en Chile. Ella lloró. Me decía: “Nunca imaginé que hacías tú”. Cuando tomó la palabra una de las niñas nos dijo cosas hermosas. Les dije: “Yo trabajo para ustedes, esto es mi placer. Lo único que les pido es que sigan sus vidas como van: estudien, fortalezcan sus talentos, alejen las drogas, fórmense como seres humanos íntegros, valoren la vida, valoren al otro, entiendan lo que es esta oportunidad”.

Uno de los mayores retos de adaptación fue lo que pasó con Sonidos de Esperanza. ¿Cómo lo resolvieron?

Batuta siempre había estado en horario extracurricular, porque son espacios seguros, son los espacios de tiempo libre. Yo llegué a Batuta cuando tenía Sonidos de Esperanza con una inversión regular, permanente. En un momento el ministerio decide que quiere hacer Sonidos para la Construcción de Paz, y eso tiene una apuesta distinta: eso se va a colegios en formación escolar, en horario escolar.

Lea también: FICCI 66 abre convocatoria: conozca las fechas, categorías y cómo participar

Batuta se adaptó. Dijo: “Okay, podemos estar en ambos lugares”. Creo que es la única organización que está en horario escolar, en colegios y establecimientos públicos, y en centros musicales donde estamos en jornada extracurricular, en casas de la cultura o casas lúdicas. Estuvimos en 85 u 86 establecimientos educativos, 27 centros musicales, más de 11 centros musicales para discapacidad, y los procesos orquestales que se venían apoyando desde antes.

Retrocedamos un poco: ¿cómo llegó usted a la presidencia de Batuta?

Yo entré como gerente de desarrollo. Estaba en su momento María Claudia Parias. Ahí empecé a conocer de cerca las alianzas. Yo soy economista, pero mi formación estuvo por el camino de la cooperación internacional; manejé portafolios del BID, del Banco Mundial, de la Unión Europea. Ahí me fui por esa ruta, conocí muchísimos proyectos; mi experiencia ha sido la búsqueda de cooperación internacional, la formulación de proyectos de desarrollo de largo aliento.

Cuando llegué a tomar el liderazgo de la fundación, iba a ser algo temporal, yo acepto un par de meses y digo: “Bueno, está bien”. Pero yo ya venía con una convicción, no venía de cero, venía conociendo a la fundación; entonces fue una gran oportunidad porque no fue alguien que llegaba para empezar, sino realmente para darle continuidad y fuerza.

Y ahora que se va, después de casi tres años, ¿cómo siente que cierra ese ciclo?

Yo le dije a la ministra: “Ministra, yo le devuelvo este regalo”. Yo nunca me imaginé ser la presidenta de la fundación, y al principio sentí un miedo enorme, porque yo ya sabía la dimensión. Pero después me llené de esa inspiración. Todo lo hice a fondo, a fondo, a fondo.

Por fortuna, Batuta sigue a flote, eso es lo importante. Fue muy intenso, muy bello, se aprendió mucho, mucho, mucho. Estoy agradecida.

Hablando de retos recientes, ¿cómo los golpeó el terremoto?

Los niños y las niñas han escrito por Facebook: “Por favor, no cierren mi centro musical”. Pues no lo vamos a cerrar, que ellos no se preocupen. Están Istmina, Quibdó y Buenaventura. Muchos centros se afectaron por pintura y ese tipo de cosas, pero eso ya lo estamos arreglando.

La mayor afectación fue el estado anímico de los niños: perdieron familias, nuestros profes perdieron sus casas, sus viviendas, perdieron familiares. Ha sido realmente una tragedia. Y estamos acompañando todo ese proceso de reconstrucción.

¿Hacia dónde va Batuta de aquí en adelante?

Nosotros nos hemos dado cuenta, y ya hemos hecho proyectos piloto, de que los padres cuando van al centro musical se quedan esperando, o cuando estamos trabajando con niños con discapacidad, sus padres se quedan ahí. Y decimos: “¿Y por qué no hacemos un trabajo con ellos?”. Hacemos coros entre niños, con discapacidad, sin discapacidad, mujeres, de todo. Eso tiene un reto, porque lo que sí garantizamos y tenemos siempre que velar es que sea de calidad. Eso requiere cambiar los estatutos y ampliarnos en el sentido de explorar la interdisciplinariedad, pero siempre con música, porque eso es lo que somos.

Le recomendamos: Jineth Bedoya recibió el Premio Nacional de Periodismo Silvia Galvis 2026 a la Trayectoria

Ese es el futuro. Es una población que nosotros ya conocemos muy bien porque trabajamos no solo con los niños, sino con los papás. Yo creo que hacia allá va Batuta: seguir en los territorios, seguir expandiéndose, estar donde nadie está o no puede estar, siempre con calidad, siempre con una inspiración.

¿Qué asegura, más allá del dinero, que Batuta siga existiendo dentro de otros 35 años?

Yo creo que es imposible acabarla. Es decir, ya no es un problema de dinero —que también creo que es ahí donde se concentrará Batuta, en un problema de recursos— sino que hay otras fuerzas y otros aportes que tienen más relevancia que el recurso mismo. Mira a las comunidades... hay una cosa que nos sostiene. Yo he insistido mucho en que el recurso es público, así no lo administre un privado: es sagrado.

Deberíamos gestionar que Batuta sea un patrimonio, no solamente que lo digamos, sino que sea una realidad, porque es intangible. Batuta va para otros 35 años, incluso cuando ya ni yo exista. Todo esto por la vida de un niño y una niña. Ese es el mantra con el que empecé, y con el que me voy.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La Feria del Libro de Bucaramanga continúa avanzando con una programación que reúne a más de 500 invitados en más de 460 actividades que se extenderán hasta el domingo 6 de septiembre. El evento ha abordado temáticas como historia, arte y memoria histórica.

La Universidad Autónoma de Bucaramanga, organizadora del evento, ha recibido a diferentes personajes que han presentado sus obras y libros en el marco de la feria.

A continuación, conozca algunos de los eventos destacados de la edición 24 de Ulibro.

Jueves 3 de septiembre

5:00 p. m.: Encuentro con autor “Hasta que empiece a brillar” por Andrés Neuman (Argentina), modera Paola Umaña. Lugar: Sala Editorial.

5:00 p. m.: Presentación del libro “Siete, rojo, impar y pasa” por Juan David Campos Gómez, modera Juan Diego Villamil. Lugar: Tarima Independiente.

5:00 p. m.: Encuentro con autora “Mi cocina sabe a Colombia” por Maleja Bestial, modera Santiago Rodríguez. Lugar: Entre Letras y Sabores.

6:30 p. m.: Presentación del libro “El Vigía del Parque” por Alejandro Murillo Salguero, modera Jairo Mantilla. Lugar: Tarima Familiar.

6:30 p. m.: Presentación del libro “La ceja del tigre” por Miguel Iriarte, modera Efer Arocha y Patricia Sanmiguel. Lugar: Tarima Independiente.

7:00 p. m.: Show “Villa Arruga en la Ciudad Bonita”. Lugar: Gran Salón.

Viernes 4 de septiembre

9:30 a. m.: Conversatorio “Caminar la palabra hacia la búsqueda”. Invitados: Édgar Osma, Ella Cardona Cadena, David Guevara y Roque Julio. Modera: Ana María Valencia. Lugar: Tarima Independiente.

11:00 a. m.: Encuentro con autora “Tico, el pescador y otras aventuras” por Vanessa Oviedo Castro, modera Sandra Páez Clavijo. Lugar: Tarima familiar.

11:00 a. m.: Presentación del libro “Historias de lo político en Colombia, volumen 3: Las Tramas de la Nación, 1903-1953″ por Germán Mejía, Margarita Serje y Franz Hensel, modera Brenda Navarro. Lugar: Auditorio.

2:00 p. m.: Alfombra verde: El Magazín Cultural en vivo. Lugar: Auditorio.

2:00 p. m.: Presentación del libro “Manual para no obedecer” por Jennifer Pedraza, modera Sandra Oróstegui. Lugar: Entre Letras y Sabores.

3:30 p. m.: Taller “Viñetas sonoras: pongámosle voz al cómic”. Tallerista: Laura Duarte. Público: mayores de 5 años. Lugar: Sala Talleres.

3:30 p. m.: Presentación del libro “Días de rock de garaje” por Carlos Díaz Consuegra. Modera: Luz Pérez. Lugar: Tarima Familiar.

5:00 p. m.: Presentación del libro “Mapa de luz y sombra. Obra reunida 1992-2017″ por Patricia Iriarte Diazgranados. Modera: Beatriz Vanegas Athías. Lugar: Tarima Independiente.

5:00 p. m.: Encuentro gastronómico “Cocinar el Guaviare: hojas, frutos y saberes de la selva”. Invitada: Lilia Esther Meneses. Modera: Indira Quiroga. Lugar: Entre Letras y Sabores.

6:30 p. m.: Encuentro con autor “El jardín del mundo” por Pablo Montoya. Modera: Juan Diego Serrano. Lugar: Sala Editorial.

Sábado 5 de septiembre

9:30 a. m.: Obra de teatro y títeres “La liebre y la tortuga”. Lugar: Tarima Familiar.

9:30 a. m.: Conversatorio “Literatura en Santander desde la ilustración y la historia”. Invitados: Carlos Lizcano y Amparo Herrera Modera: Natalia Londoño. Lugar: Tarima Independiente.

11:00 a. m.: Presentación del libro “Dejarte morir al sol” por Carolina Gómez Meneses. Modera: Adrián Nova. Lugar: Tarima Independiente.

11:00 a. m.: Taller Creación de cómic e historietas. Tallerista: José Ramón Díaz. Lugar: Sala Talleres.

2:00 p. m.: Conversatorio “El baile de los que sobran: Música, historia y política” por Claudio Narea. Modera: John Jairo Jaimes. Lugar: Auditorio.

2:00 p. m.: Encuentro con autora “Transecología” por Brigitte Baptiste. Modera: Pablo Correa. Lugar: Sala Editorial.

3:30 p. m.: Encuentro con autor “La rapsodia de Queen” por Manolo Bellon. Modera: John Jairo Jaimes. Lugar: Entre Letras y Sabores.

3:30 p. m.: Conversatorio “Contra el silencio: mujeres en la poesía”. Invitadas: Natalia Londoño, Angélica María Becerra, Liliana Beltrán y Tania Meneses. Modera: Paola Esteban. Lugar: Tarima Independiente.

5:00 p. m.: Jardín de poesía por María Angélica Pumarejo y María Matilde Rodríguez. Modera: Claudia Mantilla e Idania Ortiz. Lugar: Tarima Independiente.

5:00 p. m.: Encuentro con autor “Entre la página y el fuego” por Daniel Ángel. Modera: Karol Zambrano. Lugar: Sala Editorial.

6:30 p. m.: Encuentro con autor “Seis nocturnos” por Juan Carlos Garay. Modera: John Jairo Jaimes. Lugar: Entre Letras y Sabores.

Domingo 6 de septiembre

9:00 a. m.: Fiesta de lectura compartida y taller de escritura terapéutica. Lugar: Entre Letras y Sabores.

11:00 a. m.: Presentación del libro “Tigrillo Una Aventura en Miniatura” por Johann García. Lugar: Tarima Familiar.

11:00 a. m.: Conversatorio y taller “Los viajes de Guilliver”. Invitado: Sergio Ocampo Madrid. Lugar: Sala Talleres

2:00 p. m.: Conversatorio “Territorios en ruinas: literatura latinoamericana y crisis ecológica”. Invitada: Gisela Heffes (Argentina). Modera: Ronald Salazar. Lugar: Sala Editorial.

2:00 p. m.: Encuentro con autor “Grandes pervertidos de la historia” por Ezequiel López. Modera: Diego Gallardo. Lugar: Auditorio.

3:30 p. m.: Taller “Fábrica de escritores”. Tallerista: Aluna News. Lugar: Sala Talleres.

3:30 p. m.: Presentación del libro “Solo nos queda tratarnos bien y otras canciones matachinadas” por Manuel García Plata. Modera: Andrés Villamizar. Lugar: Tarima Familiar.

5:00 p. m.: Conversatorio “Nostradamus: advertencias sobre el futuro”. Invitados: Esteban Cruz. Modera: Diego Gallardo. Lugar: Sala Editorial

5:00 p. m.: Encuentro con autor “Sabores de resistencia” por Rey Guerrero. Modera: Indira Quiroga. Lugar: Entre Sabores y Letras.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El FICCI 66 abrió la convocatoria para la próxima edición del festival que se realizará del 6 al 11 de abril. La convocatoria dirigida a cineastas, productores, agentes de ventas y distribuidores de Colombia, Iberoamérica y el mundo estará abierta hasta el 29 de noviembre a través de la plataforma Festhome.

El festival contará con 10 secciones oficiales y Work in Progress (WIP), además de espacios para el cine colombiano, iberoamericano e internacional y obras de distintos formatos, géneros, técnicas y modos de producción.

“Abrir esta convocatoria significa comenzar a sentir y proyectar la fuerza del FICCI 66. Queremos descubrir las películas y las miradas que están surgiendo en Colombia, Iberoamérica y distintos lugares del mundo, pero también seguir abriendo oportunidades para cinematografías, territorios y comunidades que necesitan espacios para encontrarse con sus públicos y contar sus historias. Durante más de seis décadas, el FICCI ha sido una ventana para el cine y queremos que esta nueva edición continúe ampliando esa conversación desde Cartagena”, aseguró Margarita Díaz, directora general del FICCI.

Le sugerimos: Gissella Rueda, abogada y excolaboradora de Cabal, llega al Ministerio de las Culturas

Las categorías oficiales se dividirán en: Competencia Colombia, Competencia Iberoamérica y Competencia Cine en los Barrios; Internacional, (S)paces of Time, Cortometrajes Universitarios, De Indias, Tierra Adentro, Cines Afros y Cines Indígenas. Por su parte, Work in Progress estará destinado a proyectos colombianos e iberoamericanos que se encuentren en una etapa avanzada de edición.

“En su nueva convocatoria, el FICCI busca películas que expresen la diversidad del cine contemporáneo y se atrevan a explorar nuevas posibilidades narrativas, estéticas y materiales. Podrán participar largometrajes y cortometrajes de ficción, documental, ensayo, animación y propuestas experimentales, con libertad en cuanto a temática, contenido, punto de vista, técnica, duración y forma”, se lee en un comunicado del festival.

Podría interesarle: Jineth Bedoya recibió el Premio Nacional de Periodismo Silvia Galvis 2026 a la Trayectoria

Cada postulación será vista y evaluada por un comité curatorial integrado por profesionales y cineastas nacionales e internacionales, bajo la supervisión de la Dirección Artística. En 2027, el festival entregara hasta USD 100.000 distribuidos entre las diferentes secciones.

“Una convocatoria abierta es el punto de partida de una programación que todavía desconocemos. Durante los próximos meses vamos a encontrarnos con películas que probablemente nos obliguen a revisar nuestras propias certezas sobre el cine y sobre el mundo que habitamos. Ese descubrimiento es esencial para el FICCI: construir una programación que no parta de respuestas predeterminadas, sino de lo que las propias películas sean capaces de proponernos”, afirmó Ansgar Vogt, director artístico del FICCI.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La abogada corporativa Gissella Rueda Flórez fue nombrada secretaria general del Ministerio de las Culturas. El pasado 2 de septiembre asumió el cargo en la cartera liderada por Paola Holguín.

“Hoy ratifico una de las vocaciones más profundas de mi vida: servir a Colombia desde lo público. No son convicciones de ocasión; son principios que han acompañado mi historia”, escribió Rueda en una publicación en Instagram. “Asumo con inmenso orgullo este nuevo reto desde la Secretaría General del Ministerio de Cultura, en el Gobierno de la Patria Milagro, con la responsabilidad de trabajar por un país en el que la cultura nos pertenezca a todos, llegue a cada territorio y sea también una herramienta de oportunidades, identidad y libertad”.

Le sugerimos: Jineth Bedoya recibió el Premio Nacional de Periodismo Silvia Galvis 2026 a la Trayectoria

Rueda cuenta con experiencia en el sector público y en gestión administrativa, jurídica e institucional. Se graduó de la Universidad Sergio Arboleda y cuenta con una especialización en Derecho Administrativo de la misma institución.

Trabajó en diferentes empresas privadas y ha sido cercana a la exsenadora María Fernanda Cabal e hizo parte de su Unidad de Trabajo Legislativo.

Le recomendamos: Pablo Montoya: “El erotismo es una de las grandes fuerzas transgresoras de una sociedad”

Su labor en la cartera cultural incluirá la coordinación de procesos administrativos, financieros y de gestión interna del ministerio, además de apoyar la ejecución de programas y proyectos dirigidos al fortalecimiento de la cultura, las artes y el patrimonio cultural colombiano.

El nombramiento de Rueda fue uno de los punto álgidos de una reciente confrontación en redes sociales entre Cabal y el también exsenador Miguel Polo Polo.

Rueda es hija del exconcejal de Santa Marta Guillermo Rueda Vesga, quien en 2013 fue condenado a siete años de prisión por los cargos de concierto para delinquir agravado, en la modalidad de promoción y financiación de grupos ilegales.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

En el auditorio del Centro de Convenciones Neomundo, durante la vigésima cuarta edición de la Feria del Libro de Bucaramanga, Ulibro, se realizó la entrega del Premio Nacional de PEriodismo Silvia Galvis, que en 2026 exaltó la trayectoria profesional de Jineth Bedoya, editora de género del diario El Tiempo.

Entre 78 postulados de Bolívar, Atlántico, Antioquia, Cundinamarca, Magdalena, Caldas, Norte de Santander, Valle del Cauca, La Guajira y Santander, se eligieron a los ganadores de este certamen. Los trabajos puestos a consideración participaron en tres categorías: Periodismo joven, Periodismo regional y Periodismo de opinión. El jurado fue integrado por Nelson Fredy Padilla, editor de El Espectador y ganador del Premio Nacional a la Trayectoria 2025 (lea su discurso en memoria de Silvia Galvis); Ana María Ferrer Arroyo, coordinadora de la Comisión para el Esclarecimiento de la Verdad en el Caribe, y Dora Montero, presidenta de Consejo de Redacción.

“Silvia Galvis escribió para incomodar al poder y para poner en palabras lo que otros prefieren callar. Recordarla cada año tiene un propósito concreto y sostener el periodismo que ella hizo, el que investiga, contrasta, desconfía del boletín oficial y deficiente el interés público aunque salga caro”, dijo Juan Camilo Montoya Bozzi, rector de la UNAB.

Los ganadores del Premio Silvia Galvis 2026 fueron:

• Trayectoria: la ganadora fue la periodista Jineth Bedoya Lima.
• Periodismo Joven: Maestro Laguna: Memorias vivas de Santander, por Karen Dayann Mejía Mancilla, Luna Fernanda Zárate Calderón y Paula Nathalia Salas Rodríguez, de la Universidad de Investigación y Desarrollo (UDI).
• Periodismo regional: Cuidar el bosque para no matar por la piel, por José Ignacio Estupiñán Martínez, publicado en Baudó Agencia Pública.
• Periodismo de Opinión: La paradoja del petróleo: ¿progreso o espejismo?, escrito por Daniel Jesús Barba Llanes.

Por decisión unánime de la terna del jurado, se eligió como ganadora de la categoría de Periodismo de Trayectoria a la periodista Jineth Bedoya Lima, periodista, escritora y activista colombiana contra la violencia de género, que, además, se ha dedicado, mediante la campaña “No es hora de callar”, a movilizar a las supervivientes para que denuncien los delitos. Ella fue periodista del diario El Espectador y actualmente es subdirectora del diario El Tiempo.

“Para mí es un honor estar acá y recibir este reconocimiento con el nombre de una mujer que admiro profundamente y que a muchas de nosotras nos ha inspirado. Se cumplirán 17 años de su fallecimiento. El país y la historia tienen una deuda con ella porque su trabajo fue una constante reivindicación de las mujeres que han encontrado en la investigación una forma genuina de transformar realidades a través del periodismo”, dijo en su discurso Jineth Bedoya Lima

La categoría Trayectoria no es abierta; los integrantes del jurado mediante deliberación previa y basados en su experiencia, designarán a la persona que será exaltada. Otros de los periodistas distinguidos en esta categoría de vida y obra han sido Antonio Caballero, Gerardo Reyes, Ana María Cano, Juanita León y María Teresa Ronderos.

El Premio Nacional de Periodismo Silvia Galvis fue creado por el programa de Comunicación Social de la Universidad UNAB con el fin de perpetuar el ahínco y disciplina de la periodista santandereana, politóloga y escritora, columnista de El Espectador, cuyas líneas siempre fueron decisivas en la representación de una realidad que narraba con templanza, actitud crítica y honestidad.

La periodista estadounidense y figura emblemática del feminismo, Gloria Steinem, murió a los 92 años, informó su fundación en un comunicado difundido el jueves.

“Gloria Steinem falleció en paz en su casa de Nueva York, rodeada de algunas de las muchas personas que la querían”, señaló Gloria’s Foundation en un comunicado publicado en Instagram, sin precisar la causa de la muerte.

Le sugerimos: Vicepresidenta de Bank of America, apuñalada en Times Square, acababa de convertirse en mamá

Steinem comenzó su carrera en el periodismo a principios de los años 60, cuando muchas mujeres necesitaban aún una autorización de sus esposos para tener una cuenta bancaria.

En aquella época, escribió un reportaje de investigación sobre el sexismo generalizado que enfrentaban las camareras “conejitas” en el club Playboy de Nueva York.

Su despertar feminista ocurrió durante una reunión en 1969 en la que las mujeres hablaron abiertamente sobre la experiencia de abortar, según relató.

También le puede interesar: Colombianos con proceso de asilo pendiente, detenidos por ICE: “También nos puede pasar”

“Eso dio un sentido a mi propia experiencia. Yo había abortado y no se lo había dicho a nadie”, escribió luego en el New York Magazine.

Poco a poco, pasó de la escritura a los discursos y el debate público. Durante años viajó por Estados Unidos y el mundo para participar en conferencias y protestas.

En la década de los 70, Steinem fundó la revista Ms. y el National Women’s Political Caucus, y organizó la primera Conferencia Nacional de Mujeres en Houston.

Le sugerimos: Las deportaciones masivas son un canto de sirenas: hay tiempo para evitar un error histórico

“Los casi 100 años de Gloria fueron años bien vividos, y siguió trabajando por la igualdad hasta el final”, declaró su fundación.

“El mayor don de Gloria era su capacidad para escuchar a los demás, para hacer que se sintieran vistos y escuchados. Gloria vivió fiel a su espíritu independiente, siempre con curiosidad y un gran sentido del humor”, apuntó.

👀🌎📄 ¿Ya se enteró de las últimas noticias en el mundo? Invitamos a verlas en El Espectador.

El Espectador, comprometido con ofrecer la mejor experiencia a sus lectores, ha forjado una alianza estratégica con The New York Times con el 30 % de descuento.

Este plan ofrece una experiencia informativa completa, combinando el mejor periodismo colombiano con la cobertura internacional de The New York Times. No pierda la oportunidad de acceder a todos estos beneficios y más. ¡Suscríbase aquí a El Espectador hoy y viva el periodismo desde una perspectiva global!

📧 📬 🌍 Si le interesa recibir un resumen semanal de las noticias y análisis de la sección Internacional de El Espectador, puede ingresar a nuestro portafolio de newsletters, buscar “No es el fin del mundo” e inscribirse a nuestro boletín. Si desea contactar al equipo, puede hacerlo escribiendo a mmedina@elespectador.com

Pablo Montoya ha explorado diversas manifestaciones del arte en sus novelas: la música, la fotografía y la pintura, entre otras. “El jardín del mundo”, su nuevo libro, nace de su admiración y fijación por El jardín de las Delicias, el tríptico del pintor neerlandés Jheronimus Bosch, conocido como El Bosco, y que se encuentra en el Museo de El Prado en Madrid, España. En su nueva obra, el autor barranqueño divide su historia de ficción en dos: en una se aborda la vida del artista europeo y en otra se cuenta la historia de José Diego Vargas, un pintor nacido en el Nuevo Reino de Granada que descubre en la obra de El Bosco su destino.

“Dios estaba involucrado en el quehacer de los hombres”. Constantemente en el libro se habla de la religión, de la idea y la figura de Dios. Hablemos entonces de la importancia que tiene esta creencia en la novela y en la historia del tríptico.

Estos dos pintores, tanto el Bosco como el pintor mío, Vargas, son pintores que trabajan para los conventos, para los monasterios, para el clero; sin duda alguna estaban involucrados tremendamente en ese ambiente.

Yo soy un poco más bien ateo, o no ateo, pero sí fui educado en el catolicismo; entonces, al abordar estos dos pintores, me interesó sobre todo impregnarlos de una especie de sentimiento de crítica al establecimiento católico. Son cristianos, pero no son cristianos que simpatizan completamente con el poder. Entonces, por ejemplo, el pintor mío es erasmista, y ser erasmista, o sea seguidor de las ideas de Erasmo de Róterdam, en la Nueva Granada era verdaderamente un acto casi que revolucionario. Entonces ya hay una crítica fuerte, muy fuerte, porque es una época —recordémosla, y ahí vamos entrando en el tema de la novela— que controló completamente la imaginación de los artistas y controló sobre todo los cuerpos, el deseo, el amor, los controló completamente. Por eso la novela mía es más o menos una especie de canto al amor libertario, es decir, a la libertad del amor en tiempos de gran represión religiosa.

En su libro “La sed del ojo” usted también aborda, pero desde la fotografía, el hedonismo, el cuerpo y el amor relacionados con la estética y el arte. ¿Por qué estos temas siguen siendo de su interés en la literatura?

El cuerpo es pecado. El gozo de los sentidos es una vía para ir al infierno, todas esas son cosas en las que yo fui criado. Y claro, como era un niño tan devoto, pues le hice caso a mi mamá con ese tema. Entonces la infancia mía fue muy reprimida en el sentido del gozo de mi cuerpo. Mi cuerpo lo veía como un instrumento del pecado. Por fortuna, vinieron las grandes sublevaciones de mi adolescencia en la que desmonté todo eso, pero para hacerlo tuve que irme de la casa, irme de Medellín, alejarme lo más posible de ese entorno represivo, reconciliarme finalmente con mi mamá. A mi mamá, por ejemplo, no le regalé “La sed del ojo” porque ya se había muerto, pero me habría impresionado si lo hubiera leído.

Pueden leer: Empiece a leer el “El jardín del mundo”, la nueva novela del escritor Pablo Montoya

Es que somos sociedades completamente reprimidas, controladas. Y cualquier registro de desobediencia es castigado con rigor. Entonces, mis pintores, tanto el Bosco como José Diego, se cuidan, evidentemente, en medio de estas atmósferas tan difíciles en las que viven. Y la manera en que se cuidan es que trabajan para el establecimiento eclesiástico.

Me llama la atención la presencia de dos personajes: Ana Micaela, en el caso de José Diego, y de Aleid, en el caso de Bosco. Hablemos de las mujeres en la novela y del amor que también resulta central en este libro.

Sí, porque son las mujeres, en este caso la esposa del Bosco y la amante de José Diego en Madrid, fundamentales para ese proceso de liberación, digamos así, que tienen estos dos pintores.

Son mujeres sensibles, son mujeres inteligentes, son mujeres críticas, son mujeres que de alguna manera también enfrentan ese momento histórico de gran vigilancia.

Entonces, yo me imaginé la relación entre el Bosco y su mujer, de la cual no se sabe absolutamente nada, se sabe que el Bosco tuvo una mujer, pero más allá no se sabe cómo hacían el amor, por ejemplo.

Están bendecidos por la iglesia y pueden procrear, etc. El bosco por su mujer y del de ella por él, también este enamoramiento no solamente es admiración por la obra pictórica del Bosco, sino que también hay una gran atracción física, por supuesto.

Y ya en lo que tiene que ver con Ana Micaela, Ana Micaela que es otro personaje inventado, yo traté de recuperar como la figura de la mujer en cierta medida libertaria en la España del siglo XVII, que fueron también mujeres.

Completamente vigiladas, las que se rebelaban las metían en el convento, fueron mujeres muy reprimidas. Pero si uno indaga bien la historia cultural de la España del siglo XVII y particularmente de Madrid, pese a la gran represión que había por parte de la Contrarreforma, sí había voces femeninas importantes para la historia del arte, para la literatura, mujeres inteligentes, educadas, que leían en varias lenguas, que tocaban varios instrumentos. Y que tenían una especial sensibilidad por la pintura. Entonces, Ana Micaela es una de esas mujeres, y creo que es uno de los personajes, en realidad es el personaje libertario de la novela.

El libro hace constante referencia a Erasmo de Rotterdam. Incluso se refleja una especie de amistad con El Bosco. ¿Por qué?

De Rotterdam vivió un periodo en S’Hertogenbosch, que es la ciudad del Bosco, y coincidió con El Bosco. Entonces, en alguna biografía que yo leí sobre Erasmo, leí que él habías sido alumno de El Bosco, entonces lo pongo como su discípulo. Pero como Erasmo es un intelectual, digámoslo así, es un hombre que ve e interpreta lo que ve, queda fascinado con algunos cuadros que hace El Bosco y se establece una amistad.

Les puede interesar: La colombiana Piedad Bonnett gana el Premio Internacional de las Letras ExLibris 2026

Hay momentos sobre la Europa, sobre el despelote de Europa. Y está el famoso libro de Erasmo que se llama El Elogio de la locura o La alabanza de la estupidez. En realidad, literalmente, se debería traducir La Alabanza de la Estupidez, que es un libro que registra la Europa de ese momento y, en un tono muy burlesco, en un tono muy irónico, pues, digamos, enfrenta a ese mundo patas arriba que era la Europa de aquel entonces. Y ahí no se salva nadie, ahí no se salvan ni el Papa, ni los clérigos, ni los filósofos, ni los pobres, ni los artistas. Todo el mundo sale completamente ridiculizado.

Y quien habla, o quien narra en La alabanza de la estupidez es la estupidez y es una mujer, una muy inteligente que se está burlando justamente de las ambiciones del ser humano, de su deseo de riqueza, de su inclinación al pecado, a la lujuria, etcétera.

Hablar sobre Europa y, como en ese momento, el gran acontecimiento que había, digamos, estremecido o que estremeció la, digamos, el imaginario europeo es el descubrimiento de América.

La manera en que se aborda América en el jardín del mundo es una manera muy utópica, e incluso yo planteo la posibilidad de que el jardín de las delicias, la parte central, sea América, sea un jardín americano, porque es un poco la utopía del buen salvaje.

¿Qué es lo que le llega a El Bosco y qué es lo que le llega a Erasmo de América? Pues la visión de Américo Vespucio, la visión de que aquí todo el mundo vive feliz, que hay una compenetración. Perfecta entre hombre y naturaleza, que no hay frío, que no hay calor, que todo el mundo vive en plena armonía, no solamente con el derredor, sino también con los otros. Entonces, eso es más o menos lo que yo propongo en el jardín del mundo, que ese jardín que él pinta, hay muchos elementos de esa proyección utópica que hace el europeo en América.

Ana Micaela dice en una parte que prefería la parte central en la que el jardín se manifestaba, pues ahí está expresada, decía ella, como en ninguna otra obra, la felicidad de los hombres. Hablemos de ese concepto y, si se quiere, de esa parte central del tríptico.

Bueno, en realidad, Ana Micaela piensa que esa parte central es una inmensa ensoñación del amor. Y Ana Micaela queda profundamente fascinada por este cuadro. Y claro, cuando se conoce con José Diego, José Diego no tenía ni idea de quién era El Bosco. Pero la manera en que le muestra El Bosco es también a partir de la gran atracción física y el amor que ellos entablan.

Les sugerimos: Los límites para intervenir una obra de Rogelio Salmona protegida como patrimonio

El papá de Ana Micaela es un español de estos, soberbios, altivos, que tiene un montón de prejuicios frente a los indianos. Y bueno, se va a entrometer y va a impedir que esa relación entre los dos fructifique del mejor modo, pero Ana Micaela sí tiene una percepción muy especial de esa parte del Jardín de las Delicias y su percepción es eminentemente amorosa, y el amor que ve es justamente un traspasar las fronteras, es un ir hasta más allá de los límites. Es como si ella sintiera que el amor es una posibilidad de no tocar a Dios, pero sí de fundirse con una dicha como cósmica, digamos así.

Hay una interpretación del Jardín de las Delicias, de esa parte central, quiero decir, y que tiene relación con una secta, que son los hijos de Adán, los adamitas, que proliferó en la Europa del medioevo y el renacimiento y que parece que venía desde una antigüedad más o menos remota.

¿Esa secta en qué consiste? En que ellos se consideran hijos de Adán, pero no se consideran hijos del Adán expulsado del jardín, sino del que nunca fue expulsado del jardín. Son, según ellos, hijos de Adán, pero también hijos de Eva. Esa secta que fue reprimida salvajemente por la Inquisición, casi todos fueron quemados, porque eran unos depravados.

Ellos concebían la cópula como el camino más expedito para comunicarse con Dios. No había culpa, no había pecado, no había ninguna de estas cosas con las que la Iglesia Católica se constituyó.

O sea, el cuerpo hay que usarlo, es para sufrir, para padecer y para procrear. Si se atraviesa ahí el sexo, entonces es para procrear. Y los adamitas no tienen en cuenta eso. Los adamitas sienten la necesidad de convivir armoniosamente porque es una comunidad autosostenible, viven en plenitud, son vegetarianos, no quieren el poder, no creen en la iglesia.

Entonces, lo que yo hago es retomar un poco la presencia de estas sectas y pongo a El Bosco no como un sectario, pero sí como un hombre que se interesa en esos ritos.

Los sueños, las pesadillas también juegan un papel importante en esa parte creativa de los pintores. ¿Por qué es importante este elemento onírico aquí en el libro?

Bueno, en realidad, sobre El Bosco no se ha escrito, pues no se sabe mucho sobre su vida, se ha escrito mucho sobre su obra. El Bosco, digamos, fue un hombre que participó activamente de la vida religiosa de S’Hertogenbosch. Pintó muchas iglesias, mucha de la pintura del Bosco se perdió por las guerras de religión, ¿cierto?

Porque hubo un bando de la guerra que quería destruir las imágenes porque les parecían pecaminosas y porque representaban justamente el poder eclesiástico que estaban combatiendo. Pero se sabe, por ejemplo, que hubo un incendio tremendo en S’Hertogenbosch que acabó con el 90% de la población. Y ese incendio ocurrió cuando El Bosco tenía 13 años.

En la obra del Bosco, que está llena de incendios, hay pinturas que tienen que ver con el infierno, y eso es debido a un trauma que dejó el gran incendio en El Bosco. Entonces yo me apropio un poco de eso y le atribuyo no solamente la experiencia del incendio, sino también la experiencia del trauma de este. En realidad yo le atribuyo a El Bosco varios traumas en su infancia y en su adolescencia. También hay unos míos que yo le paso a él, porque yo necesitaba darle más consistencia a ese personaje. Yo quería que yo fuera más él y él fuera más yo. De algún modo.

La parte onírica es muy importante en lo que tiene que ver conmigo. Pero también, claro, cuando uno mira la pintura de El Bosco uno sabe que está llena de sueños, de pesadillas. Es decir, vean el infierno del Juicio final, de La carroza de heno, vean el infierno del Jardín de las delicias. Pues ahí hay mucha cosa del sueño. E imagínense que son justamente los surrealistas en el siglo XX que son los grandes defensores de la experiencia onírica como experiencia poética.

Sus libros suelen plantear similitudes que, aunque haya siglos de distancia, no dejan de presentarse en las distintas sociedades del mundo. ¿Qué paralelos encontró en esta ocasión?

El Bosco se conoce como a la locura del mundo, ¿no? Y yo creo que estamos en un mundo muy loco actualmente. Un desvarío, un extravío, una falta de referentes. Sí, porque lo que piden estos grandes humanistas del Renacimiento, o lo que les asombra, es la barbarie de la guerra, la presencia, la manipulación que tiene la iglesia con la guerra, porque es la iglesia la que va a patrocinar o apoyar las grandes guerras.

Desde ese entonces la corrupción en todos los estamentos es una cosa que a estos dos personajes les indigna profundamente. Pero claro, ellos sienten o saben que a la otra orilla del océano, hay un jardín donde posiblemente los hombres puedan ser felices.

Pero también está el otro asunto, que me parece que es el de la vigilancia de los cuerpos, la vigilancia del deseo, es el de que nos quieren volver a domesticar, que nos quieren volver a constreñir la imaginación, y sobre todo la imaginación amorosa. Yo soy de los que pienso que el erotismo es una de las grandes fuerzas transgresoras de las sociedades.

Pensamos que en cierta medida la habíamos superado, pero miren lo que estamos viviendo ahora en Colombia: un gobierno que quiere establecer otra vez a Dios en las aulas de la educación pública y que quiere expulsar todo lo que no esté de acuerdo con esa idea de Dios que ellos tienen.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La cineasta estadounidense Maggie Gyllenhaal, presidenta este año del jurado del Festival de Venecia, reconoció en una rueda de prensa que existe “un problema sistémico” en el mundo del cine que perjudica a las directoras. La cineasta y actriz cuestionó que durante esta edición del festival el jurado evaluara solamente dos películas creadas por mujeres.

“Diría que existe un problema sistémico. Evidentemente, creo que es mucho más difícil para las mujeres conseguir financiación para sus películas”, reflexionó la directora al ser preguntada por este tema en la rueda de prensa de apertura de la Mostra veneciana.

El festival, que abrió su edición 83, ha recibido algunas críticas este año por la poca presencia de mujeres directoras en su competición por el León de Oro. De las 21 películas a concurso, solo dos llevan la firma de mujeres: ‘Woman unknown’, de la danesa May el-Toukhy, y ‘Naza’, de la israelí Rachel Szor y su compatriota Yuval Abraham.

Le sugerimos: Gustavo Vélez, el escultor colombiano que recibe la ciudadanía honoraria de Pietrasanta

Gyllenhall planteó la posibilidad de que “los temas sobre los que las mujeres quieren hacer películas, al haber tenido una experiencia diferente en el mundo, no siempre son vistos como ‘alta cultura’”.

“¿Quién decide qué es bueno? ¿Quién decide qué es valioso?”, inquirió, reivindicando a las “muchas” mujeres que sí participarán en distintos jurados y secciones de la Mostra.

La cineasta también sopesó el hecho de que “ha pasado muy poco tiempo desde que las mujeres han tenido la oportunidad de hacer películas” y, por ello, “todavía queda camino por recorrer”.

Le recomendamos: Rusia destruyó 1,3 millones de libros escolares ucranianos a días del año lectivo

“Llevará algún tiempo acostumbrarse al hecho de que, creo, muchas mujeres hacen películas de una manera bastante diferente a como las hacen los hombres”, zanjó.

Por otro lado, durante la rueda de prensa también salió a colación la gran cabida que el festival ha dado este año al cine político y a películas sobre guerras, crisis o tensiones sociales.

Gyllenhaal agregó que las películas en competencia este año son “inevitablemente políticas”, por su capacidad de hacer que las audiencias se enfrenten a perspectivas y experiencias ajenas a las propias.

Su director, Alberto Barbera, aseguró que no existen “temas que se rechacen” a la hora de seleccionar las películas a concurso o los estrenos, ni tampoco vetos a directores o países. “El único requisito es la calidad, la complejidad de una obra”, agregó.

Podría interesarle: El Museo Nacional Latino de EE.UU. logra sede permanente en la Explanada Nacional

“Ahora tenemos muchas películas que hablan de actualidad, quizá porque la mayoría de directores tiene una sensibilidad especial y no quieren refugiarse en mundos de fantasía, prefiriendo afrontar cuestiones dramáticas en un momento particularmente difíciles”, sostuvo.

Gyllenhaal prometió hablar sobre esta cuestión durante la gala de apertura de esta noche pero lanzó una pregunta retórica a la prensa: “¿cómo es posible que estemos aquí hablando de cine ahora mismo, cuando el mundo se encuentra en estado de emergencia?”.

Para ella, la respuesta “tiene que ver con la empatía” porque, alegó, “el cine ofrece una oportunidad para encontrarla”, al asistir a historias rodadas y contadas por otras personas. Además, este año la presión por sucesos mundiales aumentó, ya que luego de que el presidente del jurado de la Mostra 2025 se negara a responder preguntas sobre Palestina, este año más de 100 artistas, entre ellos Roger Waters, enviaron una carta a los organizadores del festival exigiendo que tomen acción en apoyo a Palestina.

“No creo que haya ningún tema ni ningún cineasta que no deba ser escuchado. Creo que podemos desafiarnos a nosotros mismos para escuchar historias sobre las personas más corruptas, más perversas, porque eso nos brinda la oportunidad de encontrar empatía hacia esas personas e incluso de observar las formas en las que nosotros mismos podemos llevar dentro un pequeño lado malo”, defendió.

Le sugerimos leer: La colombiana Piedad Bonnett gana el Premio Internacional de las Letras ExLibris 2026

Junto a Gyllenhaal, en el jurado de la competición oficial de Venecia están las directoras y guionistas Kaouther Ben Hania (Túnez) y Shahrbanoo Sadat (Afganistán); el compositor británico Daniel Blumberg; los realizadores Xavier Giannoli (Francia) y Johnnie To (Hong Kong) y el profesor italiano de cine Francesco Casetti.

La 83 edición del Festival de Venecia arrancó este miércoles y transcurrirá a lo largo de los próximos once días, hasta que el 12 de septiembre anuncie la película ganadora de su León de Oro.

Con “Le dimensioni dell’equilibrio” el artista colombiano Gustavo Vélez celebra 30 años de carrera artística. Esta muestra, que se realizará en la ciudad italiana de Pietrasanta hasta el 20 de septiembre, reunirá más de 40 esculturas creadas por Vélez.

La exposición, curada por Francesca Sborgi con la contribución de Eike Schmidt, se tomará algunos de los lugares más emblemáticos de la ciudad italiana para mostrar el vínculo del artista con esta población que lo acogió desde 1996 y donde, además, se enfocó en la tradición local de la talla del mármol y la fundición del bronce.

“Celebrar treinta años de vida artística en Pietrasanta con esta muestra, significa reafirmar mi compromiso hacia el acto creativo y expresar mi gratitud con esta tierra, que continúa siendo el espacio donde el rigor de la geometría se transforma en una constante búsqueda de libertad y poesía visual”, expresó el escultor colombiano.

Le sugerimos: Rusia destruyó 1,3 millones de libros escolares ucranianos a días del año lectivo

Las esculturas presentadas pueden medir hasta cuatro metros y pesar más de seis toneladas. Estas obras estarán dispuestas entre el Duomo di San Martino, el Complejo de Sant’Agostino y finaliza en el Museo del Boceto. En estos tres lugares la obra contemporánea de Vélez, entre sus “líneas sinuosas y geometría natural”, dialogan con el paisaje de Pietrasanta con edificaciones que datan del siglo XIII, como el Duomo, y con el silencio del complejo que incluye una iglesia del siglo XIV y un claustro del siglo XVI. “En este escenario, más de 20 esculturas dialogarán con el silencio y la memoria histórica del lugar, sumergiéndose en una dimensión más recogida y contemplativa”, mencionó el artista.

Por otro lado, en el Museo del Boceto reposa el modelo original de “Hipercúbicos”, la primera obra abstracta que creó el artista en Pietrasanta. Este modelo forma parte de la colección que también alberga bocetos de artistas como Fernando Botero, Igor Mitoraj y Kan Yasuda, entre otros referentes internacionales.

Otras esculturas que harán parte de esta exhibición se podrán apreciar en la Piazza Carducci, la Piazza dello Statuto, la Piazza Matteotti y la Marina di Pietrasanta. Aunque la mayoría de las esculturas fueron creadas en las fundiciones de Pietrasanta, las estructuras y piezas de acero fueron hechas en el taller del artista en Colombia.

Le recomendamos: El Museo Nacional Latino de EE.UU. logra sede permanente en la Explanada Nacional

Con estas piezas, Vélez pretendía que, a través de los ángulos y las simetrías, cada una de sus esculturas estableciera un diálogo propio con el entorno en el que se encuentra y con el espectador que la aprecie.

El artista, además, donó una escultura a la ciudad, la cual será instalada en los próximos meses en la entrada principal desde la autopista como parte del Parque Internacional de Escultura al Aire Libre.

Vélez nació en Medellín en 1975 y, actualmente, vive y trabaja entre su ciudad natal y la población italiana que lo acogió. Desde niño mostró un interés por la escultura y a los 19 años se mudó a Florencia para formarse en dibujo e historia del arte. En 1996 legó a Pietrasanta donde profundizó las técnicas de elaboración del mármol.

El escultor ha presentado su obra en países como Estados Unidos, México, Perú, Panamá, Venezuela, Ecuador, República Dominicana, China, Japón, Corea, Emiratos Árabes Unidos, Reino Unido, España, Colombia, Singapur y Francia.

En 2024, ganó el Premio Fratelli Rosselli, con el cual Pietrasanta destaca al artista que mejor los representa. En Colombia, su trayectoria ha sido distinguida por el Congreso de la República que le otorgó la Orden del Gran Caballero y la Orden de la Democracia Simón Bolívar por su proyección artística internacional.

Podría interesarle: La colombiana Piedad Bonnett gana el Premio Internacional de las Letras ExLibris 2026

Ciudadanía honoraria

Más allá de su obra, Gustavo Vélez recibirá la ciudadanía honoraria de Pietrasanta, un reconocimiento que solo otros dos latinoamericanos han alcanzado. El artista colombiano se unirá a al maestro Fernando Botero, quien la recibió en el años 2000, y al director de cine mexicano Alfonso Cuarón, a quien le fue otorgada en 2014, en esta lista.

En el marco de la ceremonia de apertura de la muestra, el alcalde de Pietrasanta, Alberto Stefano Giovannetti, anunció que concederán la Cittadinanza Onoraria.

“Al maestro Gustavo va el agradecimiento de toda la comunidad por habernos hecho parte de su vida artística y personal, encontrando en nuestros talleres y fundiciones la maestría para dar forma a su visión, y por continuar llevando al mundo el espíritu de Pietrasanta”, destacó el mandatario local.

Esta consideración ha sido otorgada históricamente a personajes que hayan trabajado en la ciudad y hayan dejado un un legado cultural profundo en esta población. Este reconocimiento destaca los méritos artísticos de sus receptores y los convierte en embajadores de la ciudad.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Rusia atacó Kiev y otras ciudades de la región por quinto día consecutivo el pasado lunes. Entre las estructuras que más sufrieron por impactos de misiles se encuentran bodegas e imprentas de libros desde las que se estaba preparando la distribución de libros escolares.

En las afueras de Kiev la planta que estaba imprimiendo el 10% de los libros que recibirían los estudiantes, a días del comienzo de un nuevo año lectivo, fue destruida.

Le sugerimos: El Museo Nacional Latino de EE.UU. logra sede permanente en la Explanada Nacional

Estos ataques se suman a otros que han afectado librerías y editoriales. Se estima que, en total, 12 millones de libros han sido destruidos con estas ofensivas. Además, Rusia ha atacado infraestructura cultural e histórica ucraniana.

Adicionalmente, las autoridades estiman que este año un tercio de los libros impresos en Ucrania han sido destruidos. Según reportó la BBC, aunque algunos libros y páginas sobrevivieron a las llamas, no lograron ser salvados debido al agua utilizada para apagar los incendios.

“Creo que es una acción deliberada por parte de la Federación Rusa. En los últimos dos meses, algunas de las editoriales más grandes han perdido sus almacenes logísticos, donde guardaban grandes cantidades de libros. Los rusos también están destruyendo imprentas en un intento por borrar a Ucrania como nación. Pero, francamente, no lo conseguirán”, afirmó Haidai, director comercial de la editorial Konvi.

Le recomendamos: La colombiana Piedad Bonnett gana el Premio Internacional de las Letras ExLibris 2026

El medio inglés registró que 35 imprentas y editoriales se han visto afectadas en las últimas semanas. Además de estas estructuras, el mercado de libros de segunda mano Pochaina, en Kiev, también fue una de las víctimas del ataque.

Más allá de los libros, museos, iglesias, galerías de arte y sitios de patrimonio cultural reconocidos por la Unesco también han sido impactados por la guerra.

“Esta es una guerra existencial, por eso Rusia quiere destruirnos como nación, borrarnos como nación, como si los ucranianos no existiéramos ni hubiéramos existido jamás. Por eso Rusia ataca nuestro patrimonio cultural, los símbolos de nuestra larga presencia aquí. Entienden que es muy importante para nosotros porque protegemos nuestra identidad, protegemos nuestra cultura, y Rusia quiere destruir todo aquello que no pueda apropiarse”, aseguró la ministra de Cultura ucraniana, Tetyana Berezhna a la BBC.

Por su parte, la embajada rusa en el Reino Unido dijo a la BBC que “culpan al propio gobierno de Ucrania por los daños a su patrimonio cultural, afirmando que se habían desmantelado monumentos y se habían cambiado los nombres de las calles. También alegó que se habían utilizado sitios culturales para ocultar instalaciones militares”, según reportó el medio inglés.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El director del Museo Nacional del Latino Estadounidense (NMAL en inglés), Jorge Zamanillo, celebró este martes que la institución tendrá su sede permanente en el edificio de las Artes y las Industrias del complejo Smithsonian ubicado en la Explanada Nacional de Washington D. C.

“Hoy supone un gran hito para un sueño y un esfuerzo que llevan forjándose décadas”, dijo Zamanillo en la cuenta del NMAL en Instagram, donde destacó que el hogar oficial del museo “sitúa la historia de los latinos en EE.UU. en el centro de la Explanada Nacional y de la historia estadounidense”.

“No podemos estar más emocionados de seguir construyendo el rico legado de este edificio histórico y transformarlo en un museo de última generación que celebra la historia, la cultura y las contribuciones de los latinos en EE.UU”, agregó.

El proyecto del NMAL, dedicado a resaltar y preservar la huella que la comunidad de origen hispano ha dejado en el país, ha estado paralizado durante meses por la escasez de fondos al verse atrapado en la cruzada del republicano Donald Trump contra universidades e instituciones culturales.

Trump recortó en 2025 la financiación de los programas del Instituto Smithsonian, el mayor entramado museístico y educativo del mundo, bajo acusaciones de que promovía “el adoctrinamiento ideológico” y los “relatos divisivos” de la historia estadounidense, y despidió a los líderes de varias de sus entidades.

El Consejo de Regentes del Smithsonian eligió el lunes por la noche el edificio del siglo XIX que acogerá el NMAL, concluyendo un proceso de selección en el que barajaban espacios controlados por el Servicio de Parques Nacionales, que hubieran exigido la aprobación del Congreso, de mayoría republicana.

La escritora y poeta colombiana Piedad Bonnett fue seleccionada como la ganadora del Premio Internacional de las Letras ExLibris Murcia 2026. El galardón reconoce su trayectoria y aporte a la literatura en español.

El premio será entregado durante la Semana Internacional de las Letras de la Región de Murcia, en España, que se realizará entre el 21 y el 27 de septiembre.

La decisión fue anunciada durante la presentación del evento en la que la consejera de Turismo, Cultura y Deportes, Carmen Conesa, dio a conocer los galardones que se entregarán en esta edición que reunirá a más de 160 autores, poetas y artistas en Murcia.

Le sugerimos: “El FIMSAC da apoyo emocional y espiritual a través de las músicas sagradas”

Este premio se suma a otros que la escritora ha recibido, como el Premio Reina Sofía de Poesía, el cual recibió en 2024 por la profundidad de su obra y su capacidad de convertir el “dolor en arte”.

“La literatura ayuda a que nos conozcamos mejor a nosotros mismos y al mundo”, afirmó la escritora a Caracol Radio.

Bonnett, nacida en Amalfi, Antioquia, en 1951, estudió filosofía y letras en la Universidad de Los Andes y se ha destacado por libros como sus poemarios ‘De círculo y ceniza’ (1989), ‘El hilo de los días’ (1995), ‘Ese animal triste’ (1996), ‘Tretas del débil’ (2004) y ‘Explicaciones no pedidas’ (2011).

Podría interesarle: El gran Gatsby: una necrología de los años veinte
(La novela y el mundo: dinero)

Además, ha publicado novelas como ‘Después de todo’ (2001), ‘Para otros se lo cielo’ (2004), ‘Siempre fue invierno’ (2007) o ‘El prestigio de la belleza’ (2010). Una de sus obras más conocidas es “Lo que no tiene nombre”, publicada en 2013. Y en los últimos años publico “Qué hacer con estos pedazos” y “La mujer incierta”, entre otros.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

Ya han pasado 15 años desde la primera edición, ¿cómo ve esta trayectoria en retrospectiva?

No sé en qué momento pasaron 15 ediciones y, en el proceso, cuatro gobiernos y una pandemia. En medio de todo esto, hemos aprendido a autosostenernos, un logro que ha sido muy significativo. Hace 15 años, la música sacra era tan poco escuchada en la escena cultural de Bogotá y crear este espacio que nos permitiera encontrarnos en torno a lo sagrado, a lo espiritual a través de la música, ha sido maravilloso y creo que la respuesta del público ha sido muy positiva.

Nuestra programación abarca diferentes géneros, diferentes estilos y épocas, y también los escenarios están listos para recibir este tipo de repertorio, no solo enfocado hacia lo clásico, sino también hacia lo barroco, hacia lo medieval, pero también hacia lo contemporáneo del mundo. Ese creo que ha sido nuestro sello en América Latina.

¿Cómo se ha transformado la percepción de la música sacra en el público general?

Ha cambiado en que se ha visto que la música sacra no es para personas estrictamente religiosas o que hacen parte de algún culto en específico. Hay una riqueza muy importante y un abanico de posibilidades en torno a lo sagrado que a través del festival le hemos podido dar a conocer.

Hay personas que me han dicho que les gusta la música clásica, pero no la música sacra. Dar a conocer este tipo de música como algo que trasciende los géneros, los estilos y las épocas y que es tan incluyente porque en todas las culturas la podemos encontrar en diversas expresiones, creo que ha sido el mayor logro.

¿Cuáles son algunos de sus mejores recuerdos en estos 15 años?

Cuando comencé hace 15 años, no había un antecedente, y empezar así es difícil. Hay que ganarse la confianza y la credibilidad, y sobre todo en un género tan específico como este. Fue un reto que a mí me pareció muy atractivo. Tuve que hablar con la junta directiva e invitarlos a participar, luego empezar a contactar a los artistas, que algunos nunca habían venido a Colombia, y, además, empezar a hablar sobre Bogotá y sobre nuestro país como un destino para promover las industrias culturales. Bogotá, hace 15 años, era un lugar bastante desconocido para varios artistas internacionales.

Creo que es un gran logro ser parte de un circuito internacional en donde grandes exponentes de música sacra participan. Empezar a reunir expresiones musicales tan diversas y muchas veces extrañas para nuestra propia cultura, como por ejemplo la música gospel de Sudáfrica, o los cantos guturales de Mongolia. Esto ha sido muy satisfactorio, dar a conocer esas posibilidades artísticas que tenemos y acercar el mundo a Bogotá.

El tema de este año es La Concordia. ¿Qué significa este concepto para ustedes?

Todos los años escogemos un tema central y, sobre ese tema, que, a diferencia de otros festivales, no es una temática musical ni un compositor, coordinamos y nos articulamos con los artistas para que lo tengan en cuenta dentro de sus repertorios y que sea una reflexión que hacen los artistas desde la música.

Este año hemos escogido como tema central La Concordia, que tiene que ver con los acuerdos o, si lo queremos ver desde un punto de vista musical, tiene que ver también con el acorde musical que genera la armonía.

Todos los artistas durante este mes de festival van a tener la posibilidad de transmitir la concordia a través de la música, vista desde las diferentes expresiones y tradiciones culturales del mundo.

¿Cuál es la importancia de abordar la concordia y los acuerdos en un momento como el que estamos viviendo a nivel global?

El tema central se escoge con un año de anticipación y se anuncia en la clausura de la edición anterior. Cuando escogimos la temática de la concordia, no habíamos contemplado que este año iba a haber un cambio de gobierno, por ejemplo, ni mucho menos que iba a haber un terremoto.

Creo que es un tema que en este momento nos llega como una reflexión muy importante que tenemos que hacer, en donde es tan importante llegar a acuerdos, unir esfuerzos y, sobre todo, poder unirnos a pesar de esas diferencias que podamos tener.

Eso es lo que a través del festival vamos a estar presentando, en medio de esa diversidad musical y cultural, ¿cómo podemos reunirnos y llegar a acuerdos para lograr una armonía? En un momento pensé: ¿cómo vamos a celebrar los 15 años del festival en medio de esta crisis nacional? Pero luego vi que este evento llega a cumplir una misión muy especial y es poder dar apoyo emocional y espiritual a través de las músicas sagradas. Es como un regalo para el alma en estos momentos. Así que poder escuchar sobre la concordia y, sobre todo, poder disfrutar de esas armonías que nos traen nuestros artistas es una oportunidad única.

¿Qué papel juega la música en una sociedad que está constantemente atada a lo digital y cuya atención está volcada a las pantallas?

Es muy importante recordar que somos seres espirituales y cultivar esa dimensión espiritual es muy importante para sobrellevar el peso de estos tiempos contemporáneos, de la inmediatez, del materialismo, de lo fugaz. Las artes, la música y, en general, la cultura son un medio ideal para poder conectarnos con lo trascendente y con la belleza.

¿Con qué cree que el público se sorprenderá en esta nueva edición?

Vamos a tener varios estrenos mundiales. Por ejemplo, Marcel Pérès presentará la Misa de la Natividad de la Virgen, la cual fue compuesta especialmente para esta edición, también la Misa Pro Vita e Concordia de Julien Faure. Por otro lado, tendremos el Gloria de Diego Vega, que fue una comisión que hicimos el año pasado a cargo del Ensemble Barroco de Bogotá, y Carlos Mena, que es un gran contratenor, que va a venir al festival.

También estará presente la música sacra latinoamericana y, en 15 años de festival, queríamos también recordar los momentos icónicos como el “Concierto para orquesta y órgano de retablo medieval” del compositor mexicano Miguel Bernal Jiménez. También tendremos cantos bizantinos y música de Mongolia.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

“Siendo yo joven y vulnerable, mi padre me dio un consejo que me ronda aún en la cabeza: —Cuando te apetezca criticar a alguien —me dijo—, recuerda que no todo el mundo ha tenido las mismas oportunidades que tú”.

Le puede interesar: “Leer solamente texto también puede ser una dieta de lectura limitada”

Francis Scott Fitzgerald (1896-1940) fue uno de los escritores más representativos de la literatura estadounidense del siglo XX junto con John Steinbeck (1902-1968), William Faulkner (1897-1962), John DosPasos (1896-1970) o Theodor Dreiser (1871-1945). Estos autores, entre otros, retrataron la sociedad norteamericana de la primera parte del siglo XX. Por ejemplo, Steinbeck dio cuenta de las catastróficas consecuencias de la crisis de los años veinte y treinta en el Oeste, y las migraciones masivas a California de las personas de las grandes planicies que quedaron en la ruina (“Las uvas de la ira” en 1939). Faulkner presentó el sur, sus creencias, leyendas, racismos y los problemas sociales de una clase marginada a través de una prosa compleja y honesta (“Mientras Agonizo” en 1930). F.S. Fitzgerald, por su parte, se ocupó en “El gran Gatsby”, publicada en 1925, de las excentricidades del Este y las novedades del consumismo. Representó una especie de retrato de los años veinte, de las fiestas, del dinero y de la imagen de progreso de los Estados Unidos. Mario Vargas Llosa se refirió a esta novela así: “El gran Gatsby comienza como una ligera crónica de los extravagantes años veinte —sus millonarios, sus frívolos, sus gángsters, sus sirenas y la desbordante prosperidad que respiraban— y, luego, se convierte insensiblemente en una tierna historia de amor. Pero, poco después, experimenta una nueva muda y torna a ser un melodrama sangriento, de absurdas coincidencias y malentendidos grotescos, al extremo de que, al cerrar la última página, el lector de nuestros días se pregunta si el libro que ha leído no es, más bien, una novela existencialista sobre el sinsentido de la vida o un alarde poético, un juego de la imaginación sin mayores ataduras con la experiencia vivida” (“La verdad de las mentiras”, Penguin Ramdom House, 2015. P, 91).


Lea también: La nicaragüense Gioconda Belli gana premio de la Feria del Libro de Guadalajara 2026

Nick Carraway narra en primera persona lo que le ocurrió cuando se mudó en 1922 a West Egg, en Long Island, la llamada “isla de los nuevos ricos”, a su regreso de la Primera Guerra Mundial. Inicia con una cena con su prima Daisy Buchanan, su esposo Tom y la amiga de ambos, Jordan Baker, una golfista profesional. Tom y Daisy creen que Nick puede salir con Jordan. De otra parte, Nick conoce a su vecino, Jay Gatsby, un hombre millonario que hace fiestas monumentales. Se rumorea sobre el origen de su dinero. En algún momento de la narración Nick se da cuenta de que Jay y Daisy están sentimentalmente involucrados y lo estuvieron incluso desde antes de que su prima se casara con Tom. No se pudieron casar por las diferencias sociales y económicas. Tom, por su parte tiene una amante, que resulta ser la mujer de un mecánico. La novela va y viene dentro de estos intríngulis amorosos, pero presenta temas universales como la guerra: “—Entonces vino la guerra, socio. Fue un gran alivio para mí e intenté por todos los medios buscar la muerte, pero parecía que mi vida estaba encantada. Acepté el nombramiento de primer teniente cuando comenzó. En el bosque de Argonne conduje a dos batallones de ametralladoras tan adelante que quedó un corredor de media milla en cada flanco por donde la infantería no podía avanzar”. Asimismo, se refiere a la mirada del europeo con relación a la inmigración: “Los amigos nos miraron con los ojos trágicos y los labios superiores cortos del sudeste de Europa, y me alegré de que el espectáculo del espléndido auto de Gatsby de su sombrío día de asueto”. La movilidad social está presente a lo largo de la novela, al igual que le ocurrió a Fitzgerald, ya que él mismo provenía del Medio Oeste (St Paul). Logró llegar a la Universidad de Princeton y fue testigo directo de las extravagancias de los ricos neoyorquinos, las profundas diferencias sociales y la primacía del dinero.


Le recomendamos: La eterna contienda entre el bien y el mal en los bestiarios medievales

Fitzgerald es pues el cronista por excelencia de la llamada “Era del Jazz”. La novela no solo es el símbolo del dinero, el derroche y el hedonismo, los rituales sociales, las jerarquías provenientes del dinero, el placer o la imprudencia. Es también una expresión del mundo moderno que hereda las fisuras que le dejó la Guerra de Secesión del siglo precedente, junto con una inmigración europea dolida y traumatizada por una guerra sin precedentes. Fue y seguirá siendo un documento clave, y tal vez, la mejor carta de presentación del atractivo que se erige como una encarnación casi perfecta de lo que conocemos como el sueño americano: la posibilidad de construir una vida propia, de convertirse en un “yo” creado por uno mismo: una proeza de voluntad y libertad que está en el centro de la ideología democrática estadounidense. Cierro con una de las frases más recordadas: “Solo existen los perseguidos, los que persiguen, los que persisten y los que se rinden”.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

La compañía de streaming anunció que donará COP 600 millones a Academia Colombiana de Cine y la Asociación Colombiana de Productores Independientes de Cine y Audiovisual, ASOCINDE, que serán destinados a apoyar a los miembros del sector audiovisual que se vieron afectados por el terremoto.

La asignación de recursos se hará luego de un censo con el que se identificarán las necesidades y afectaciones a profesionales de la industria. Posteriormente la donación será administrada por las dos organizaciones.

“Estamos sumamente conmovidos por lo que está sucediendo en Colombia. Frente a una tragedia de esta magnitud, quisimos actuar rápidamente y de la mano de quienes mejor conocen las necesidades del sector audiovisual: la Academia Colombiana de Cine y ASOCINDE. Con esta donación buscamos apoyar a trabajadores de la industria que se han visto directamente afectados,” dijo Ana María Londoño, Directora de Contenido de Netflix Colombia.

La Academia Colombiana de Cine, junto con las academias reunidas en la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas (FIACINE), además, puso en marcha el Fondo Internacional de Solidaridad Audiovisual.

“Ante una emergencia de esta magnitud, nuestro compromiso como Academia es acompañar a los profesionales del sector que hoy enfrentan momentos difíciles y contribuir, desde nuestras posibilidades, a su recuperación. Al mismo tiempo, queremos reconocer la labor de quienes, desde el sector audiovisual, han puesto sus equipos, conocimientos y capacidades al servicio de las labores de búsqueda y rescate. Su respuesta demuestra la solidaridad, el compromiso y la capacidad de nuestra comunidad para movilizarse y ayudar cuando más se necesita”, afirmó Elkin Zair, director ejecutivo de la Academia Colombiana de Cine.

Por su parte, la ministra de las Culturas, Paola Holguín, expresó su agradecimiento a la compañía de streaming. “Este gesto de solidaridad reafirma el papel fundamental que desempeña el sector privado en los momentos que más lo requiere el país y demuestra cómo la articulación de esfuerzos contribuye a la recuperación, al fortalecimiento del sector audiovisual y al desarrollo de Colombia”, aseguró.

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖

El Tesoro de Villena, uno de los conjuntos más valiosos de la Edad del Bronce en Europa y que alberga el museo de esta localidad alicantina (este de España), fue robado en días recientes.

Por su parte, el Museo de Artes Aplicadas (MAK) en Viena, ese mismo día, fue víctima de un atraco en el que los ladrones entraron a plena luz del día y se llevaron un collar de diamantes que perteneció a la reina Nazli de Egipto, confeccionado en 1939 en estilo art déco por la joyería parisina Van Cleef & Arpels.

Le sugerimos: La fotografía cumple 200 años y enfrenta el desafío de la inteligencia artificial

Según informaron las autoridades españolas, los autores del robo se llevaron gran parte de las piezas que formaban parte de esta colección en cuestión de minutos, lo que provocó que saltaran las alarmas del complejo. En el caso del tesoro medieval, los ladrones dejaron solo tres vasijas de plata, un brazalete y gran parte de los adornos del bastón, así como tan solo una de las cuatro coronas, que “se les ha caído” a los ladrones, y la arracada (pendientes). Por el momento, se cree que el hurto fue perpetrado por “varias personas con vehículos”.

Por otro lado, en Viena, los atracadores entraron al museo pretendiendo ser visitantes corrientes. El robo se realizó a plena luz del día. Dos hombres no enmascarados, grabados por las cámaras del museo y que habían comprado entradas, “rompieron una vitrina de cristal” con un martillo, antes de “huir con la joya”, precisó la policía austriaca en un comunicado emitido en la madrugada del viernes. Uno de ellos iba armado. El equipo del museo recalcó que la exhibición permanecería cerrada hasta nuevo aviso.

Días antes de ambos robos, que se registraron el 27 de agosto, la Europol había advertido de una nueva generación de hurtos a museos. Estos nuevos crímenes se caracterizan por ser cada vez más violentos. En un nuevo informe, afirmaron que los ladrones están más interesados en apuntar a colecciones de patrimonio cultural, joyería y oro, debido a la “percepción de que las medidas de seguridad de los museos son menos rigurosas que las de las joyerías”.

Podría interesarle: Blu Radio confirma que Mañanas Blu 10 a.m., de Camila Zuluaga sale del aire

“Además, algunos ladrones detenidos en casos recientes parecen coordinar sus acciones de forma improvisada, a menudo reclutados localmente a través de redes sociales y canales de comunicación instantánea, sin vínculos previos entre sí. Esto difiere de la estructura habitual de las redes criminales involucradas en el tráfico de bienes culturales, que normalmente operan en un grupo central organizado en torno a un líder”, añadió el reporte.

En los últimos años se han registrado robos en distintas instituciones. La más notoria sucedió en octubre de 2025, cuando a plena luz del día se robaron varias joyas de la corona que habitaban en el Museo del Louvre. Por otro lado, en enero de 2025 en Países Bajos, una explosión se registró en el Museo de Drents, del que un grupo de ladrones hurtó múltiples artefactos rumanos que estaban en préstamo para una exhibición.

Hace dos siglos sacar una fotografía suponía horas de exposición y trabajo; hoy basta con una décima de segundo y una simple presión sobre una pantalla. Entre ambos gestos ha tenido lugar una de las mayores revoluciones de la historia de la imagen, que Francia celebra, como cuna de la fotografía, en plena convulsión por la inteligencia artificial (IA).

Esta conmemoración nos remite a un viaje humano y tecnológico que incluye “conocimientos, técnicas, oficios y una industria específica”, como explica el historiador Michel Poivert, profesor de Historia de la Fotografía en la Sorbona.

‘Vista desde la ventana de Le Gras’, la más antigua

Todo comenzó en 1826 en Saint-Loup-de-Varennes, un pequeño pueblo francés, cuando el inventor e ingeniero Nicéphore Niépce consiguió fijar sobre una placa de estaño el paisaje que veía desde su ventana.

Para lograrlo, cubrió la placa con betún de Judea y la expuso a la luz durante siete horas. Después eliminó las partes de betún que no se habían endurecido y así consiguió obtener ‘Vista desde la ventana de Le Gras’, una imagen rudimentaria de varias casas que se considera la fotografía más antigua de la historia.

Niépce llamó a su procedimiento ‘heliografía’, escritura mediante el sol.

El daguerrotipo o la democratización del retrato familiar

La fotografía tardó poco en dejar de ser un experimento para convertirse en una revolución social. El 19 de agosto de 1839, el astrónomo François Arago presentó públicamente el daguerrotipo de Louis Daguerre y el nuevo procedimiento comenzó a extenderse.

Por primera vez, un rostro podía quedar fijado para siempre sin necesidad de que un pintor lo reprodujera sobre un lienzo. Eso permitió a las clases medias y populares hacerse retratos familiares y dejar una huella de su propia existencia.

La nueva tecnología provocó fascinación pero también rechazo, en particular, entre los que no concebían que una imagen producida mediante química y una máquina pudiera ser considerada arte.

“Los pintores y los grabadores tuvieron que adaptarse, al igual que hoy en día los fotógrafos deben adaptarse a la llegada de la IA”, explicó Poivert.

La revolución Kodak y el nacimiento del fotoperiodismo

Rápidamente, las cámaras empezaron a salir de los estudios para documentar el mundo.

“Las ciencias, las exploraciones, la ilustración, todos esos ámbitos fueron transformados gracias a los medios de registrar lo real”, dijo Poivert. “El mundo se agrandó”, mantuvo.

En 1888, se produjo otra revolución cuando Kodak simplificó radicalmente la toma de fotografías.

“Kodak comprendió que ahí había un mercado gigantesco: al ofrecer pequeñas cámaras fáciles de usar, todo el mundo podía convertirse en fotógrafo”, contó el historiador.

La fotografía también conquistó periódicos y revistas ilustradas para convertirse en testigo de la actualidad. El fotoperiodismo hizo de la imagen una nueva forma de contar guerras, revoluciones y transformaciones sociales.

En 1947, la creación de Magnum Photos por Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymour y George Rodger consolidó además la figura del fotógrafo como autor y testigo de la historia.

Ese mismo año, el nacimiento de Polaroid llevó un paso más allá la obsesión por la instantaneidad. Después llegaron la fotografía digital, los teléfonos móviles y las redes sociales.

Inteligencia artificial, el gran desafío

El bicentenario coincide con un momento de ruptura provocado por la inteligencia artificial y su capacidad para crear imágenes de personas, escenas o acontecimientos que nunca existieron. No obstante, Poivert rebate esa confrontación entre la realidad de la fotografía y la irrealidad de la IA.

“La objetividad de la fotografía es un mito”, dijo y recordó que el fotomontaje y otras formas de manipulación existen prácticamente desde los orígenes de la técnica. “Seguimos creyendo en las fotografías porque mantienen un vínculo físico con lo real, mientras en la IA, la imagen es generada a partir de datos”.

Francia rememorará ese bicentenario a partir de este mes de septiembre y durante un año con decenas de exposiciones, festivales, publicaciones, encuentros y talleres por todo el país. Entre los principales escenarios estarán el Grand Palais, la Biblioteca Nacional de Francia o el Museo de Orsay.

El 31 de agosto se conoció la decisión de terminar el programa de Blu Radio, “Mañanas Blu 10 a. m.”, dirigido por la periodista Camila Zuluaga y Ana Cristina Restrepo. La franja que se emitía entre las 10:30 a. m. y la 1:00 p. m. tuvo su última emisión el pasado lunes.

Según conoció este diario, la razón detrás de esta decisión responde a cuestiones financieras de la emisora. El equipo de trabajo fue informado durante la jornada. En el espacio también participaban periodistas como Sebastián Nohra, Hugo Mario Palomar, David Ferro y Óscar Montes, entre otros.

Le sugerimos: Perú halla estatuillas rituales preincaicas en Kuélap, la fortaleza de los chachapoyas

Se conoció también que el programa, que era liderado por Zuluaga y Restrepo, no será reemplazado por uno nuevo y que la franja horaria que ocupaba (de 10:30 a.m. a 1:00 p.m.) será repartida entre otros espacios ya existentes: “Mañanas Blu”, con Néstor Morales, ya no irá hasta las 10:30 a.m., sino que se extenderá hasta las 12:00 del día. A esa hora empezará “Meridiano Blu”, con Ricardo Ospina, que a partir de la fecha se adelantará una hora respecto a su horario original.

El programa liderado por Zuluaga había comenzado en 2018 e hizo énfasis en temas de las regiones del país. Hasta el momento, los periodistas de la mesa de trabajo no se han pronunciado frente a la decisión.

Podría interesarle: Los límites para intervenir una obra de Rogelio Salmona protegida como patrimonio

En redes sociales, diferentes personajes han reaccionado al anuncio de la salida del aire del programa, que obtuvo dos premios de periodismo Simón Bolívar por su trabajo periodístico.

Este caso se une a los cambios que se han realizado en el ecosistema radial en los últimos años por temas de presupuesto, como las fusiones entre RCN Radio y La FM, y más recientemente, la de Caracol Radio y La W.

*El Espectador hace parte del mismo grupo de medios de Caracol TV y BluRadio

Si le interesa seguir leyendo sobre El Magazín Cultural, puede ingresar aquí 🎭🎨🎻📚📖