La tenista japonesa Naomi Osaka debutó el lunes en el Abierto de Estados Unidos en el Arthur Ashe, de Nueva York, con un diseño creado por la marca Who Decides War en homenaje a Allen Iverson, exjugador de la NBA y miembro del Salón de la Fama del Baloncesto.

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Se trató de una falda en tul y felpa francesa blanca, con un chaleco encapuchado deportivo en tonos grises, adornado con recortes de periódicos de los momentos más destacados de la carrera de la tenista. El estilismo estuvo a cargo de Law Roach, quien también está al frente de los “looks” de Zendaya.

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Osaka, ganadora del Grand Slam de Nueva York en 2018 y 2020, completó el estilismo con el pelo trenzado con una cinta deportiva en la cabeza, mangas en negro y rojo, elementos que le hacen guiño a la estética al exjugador de la NBA.

“Para mí Iverson es un pionero. También es alguien a quien admiro mucho, porque, en cierto modo, ha aportado mucho al mundo de la moda, ya sea a propósito o no, pero ha cambiado la forma de vestir de los jugadores de la NBA”, aseguró la tenista.

“El atuendo hace referencia a Allen Iverson, más concretamente a sus conjuntos deportivos grises y a la actitud inconformista con la que se movía por el mundo como atleta. Naomi y su estilista nos enviaron dos imágenes de Iverson usando una cinta en la cabeza —en las que solo se veía su rostro— y, a partir de ahí, tuvimos unas 30 horas para resolver el resto”, le dijeron Téla D’Amore y Ev Bravado, los diseñadores de la marca a Vogue.

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Este jueves, la tenista que avanzó a tercera ronda, lució un diseño blanco personalizado y creado por la firma Thom Browne.

La tenista no solo se destaca por su talento en el deporte, también por su estilo. “Me gusta usar la moda como medio para contar historias”, dijo Osaka en una entrevista para la edición británica de Vogue.

Cada una de sus apariciones, según le contó Osaka al mismo medio, “es una oportunidad para introducir al público en mi mundo creativo. El hecho de que a la gente le interese y esté emocionada por ver qué viene después también es genial”.

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Catorce marcas bogotanas de prendas de vestir y tres de calzado y marroquinería desfilarán en Nueva York, París y Dubái.

La participación de las 17 marcas se dio gracias al proyecto Puente Internacional, la iniciativa de la Cámara de Comercio de Bogotá (CCB) que conecta a empresarios de la moda emergente con mercados internacionales.

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Esta edición, de acuerdo con sus organizadores, marca un hito para el programa: es la primera vez que la CCB tiene presencia institucional en Paris Fashion Week —dentro del programa Welcome to Paris de la Federación de la Alta Costura y de la Moda (FHCM)— y en la Dubai Fashion Week, organizada por el Arab Fashion Council junto con Dubai Design District.

“Queremos que empresarios de sectores populares, diseñadores emergentes y jóvenes creativos lleguen a mercados internacionales y le muestren al mundo una moda innovadora, sostenible y llena de identidad de la ciudad”, dijo Ovidio Claros Polanco, presidente de la Cámara de Comercio de Bogotá.

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El proceso para llegar a París y Dubái

Desde 2023 el proyecto ha acompañado a 41 marcas y las ha llevado a siete escenarios internacionales, como Bogotá Fashion Week, Nueva York y Madrid.

De acuerdo con la entidad, muchas de las marcas de esta edición provienen del tejido empresarial local y del ecosistema creativo emergente: “nacieron en talleres liderados por mujeres cabeza de familia o en empresas familiares con varias generaciones dedicadas a la confección”.

Vale la pena mencionar que en Bogotá y la región hay 34.000 empresas registradas del sector, especialmente micro y pequeñas. Además, la industria es intensiva en mano de obra femenina.

“Nuestro trabajo desde la Cámara no es llevar diseñadores a una pasarela, es prepararlos para vender. Por eso Puente Internacional no empieza en el aeropuerto: empieza mucho antes, con curaduría, con mentoría, con estructuración de costos de exportación, con lookbook, con agenda de compradores. La pasarela es el resultado, no el objetivo”, dijo Oviedo.

Las 17 marcas que representarán a la ciudad y al país fueron seleccionadas mediante un proceso de curaduría especializada y recibieron mentorías con Albania Rosario, fundadora y presidenta de FDLA (Fashion Designers of Latin America); José Forteza, editor de moda y lifestyle con trayectoria en Vogue México y Latinoamérica; Luis Sánchez, cofundador de Ideas Publishing Group; y Jorge Duque, diseñador colombiano ganador del primer Project Runway Latin America.

Las mentorías fortalecieron la construcción de las propuestas comerciales de las marcas, el desarrollo de colecciones y el fortalecimiento de su modelo de negocio.

¿Cuáles serán las marcas participantes?

La participación en los tres circuitos incluirá una oferta de marcas que van desde el diseño de autor, la moda sostenible, hasta los accesorios y calzado.

FDLA / New York Fashion Week (11 al 15 de septiembre)

El circuito norteamericano, de la mano de FDLA (Fashion Designers of Latin America), contará con la participación de ocho marcas locales:

Franchi e Punto (tejido de punto).

Day Moda Sostenible (prendas sostenibles a partir de textiles recuperados).

OVAT (sastrería contemporánea femenina).

Ciento Cinco Lunares (diseño artesanal y sostenible).

Clarissa Rosania (prendas femeninas de lujo latino).

Tan Basicx (moda circular en cáñamo).

Kernel Leather y Liza Herrera (calzado y marroquinería en cuero natural).

Paris Fashion Week — Welcome to Paris / FHCM (1 al 5 de octubre)

La primera vez del proyecto Puente en la capital francesa, cada marca seleccionada presentará 15 looks en el showroom del Jardin des Tuileries.

En el desfile colectivo del Palais de Tokyo, acompañadas por la propuesta de calzado de Lisantiny y Kernel Leather, representarán el diseño colombiano.

Divina Collection (denim).

Wanaawaa by UANA (ready-to-wear).

El Maletero (cuero a la medida).

Cannabis (streetwear sostenible).

Dubai Fashion Week (20 al 24 de octubre)

En el mercado de Medio Oriente las marcas enfocadas en moda de ocasión, propuestas atemporales y para el segmento del lujo, estas tendrán oportunidades:

Adriana Capasso.

ODA Store.

Laura Aparicio.

Mónica Schuster by Sermetex.

Liza Herrera.

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El cantante J Balvin asistió al estreno mundial de Ink, la nueva película de Danny Boyle, en la 83.ª edición del Festival Internacional de Cine de Venecia.

Para la ocasión, José Álvaro Osorio Balvín, nombre de pila del artista, lució un sofisticado conjunto de la marca italiana Emporio Armani en tonos gris y beige.

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El traje se compone por una chaqueta oversize y pantalones fluidos decorados con un estampado geométrico de rombos.

En el festilval competirán 21 películas por el máximo galardón, que el jurado, presidido por la actriz Maggie Gyllenhaal, entregará el 12 de septiembre.

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La presencia de Balvin en el evento marca otro momento importante en su proyección global. El artista se ha destacado por representar la música y la cultura latina en diversos eventos internacionales a nivel mundial.

El mayor exponente del reguetón también es un ícono de la moda. El artista ha realizado importantes colaboraciones con marcas colombianas como Gef y, la más reciente, con Vélez. También ha desfilado y es usual su presencia en semanas de la moda del mundo.

Incluso ‘Artisan Gang in The City’, la colección que debutó en Colombiamoda 2026 en la que el artista participa en la conceptualización y el desarrollo estético de las cápsulas con la marca de cuero, llegará a Soho del 10 al 13 de septiembre, en el marco de la Semana de la Moda de Nueva York.

Sobre la moda, el cantante recientemente dijo en entrevista con El Espectador, “la moda me ha permitido ver el mundo con otra estética. Me ha enseñado a valorar el arte de diferentes personas, el trabajo a mano, artesanal, el amor y la pasión. Todo lo que sea diseño me encanta”.

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La actriz Nicole Kidman convirtió el estreno de “Prácticamente magia 2″ en la revelación de lo que será la nueva era de Versace. Para la alfombra roja en Los Ángeles lució el primer diseño de Pieter Mulier para la casa italiana.

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Kidman llevó un vestido negro, alineado con la estética de la película, que anticipa la visión del diseñador belga al frente de la marca. El diseño, elaborado en encaje hecho a mano, tiene una falda asimétrica y un pronunciado escote. La actriz lo complementó con una gargantilla y unos stilettos de Manolo Blahnik del mismo material.

El diseñador belga Pieter Mulier fue nombrado como director artístico de Versace en febrero, pocos días después de anunciar su salida de Alaïa tras cinco años.

El anunció lo hizo Prada, el nuevo propietario de la marca italiana. El creador tendrá la difícil misión de relanzar Versace tras la salida prematura, en diciembre, del que era su director artístico Dario Vitale.

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¿Quién es Pieter Mulier?

Mulier nació en Ostende, Bélgica. Se formó en arquitectura y fue descubierto a principios de los años 2000 por su compatriota Raf Simons, quien lo incorporó a su equipo para la línea masculina.

El estilista se convirtió rápidamente en la mano derecha de Simons y lo siguió a Jil Sander, luego a Dior en 2012, y finalmente a Calvin Klein en 2016.

En 2021 lo nombraron al frente de Alaïa, convirtiéndose en el primer director artístico de la firma desde el fallecimiento de su fundador, Azzedine Alaïa, en 2017.

En cinco años, el belga -galardonado en noviembre con el premio internacional a diseñador del año en los CFDA Awards en Nueva York- logró proyectar la marca a nivel internacional, cosechando buena crítica y éxito comercial.

Vale la pena mencionar que Versace no tenía director artístico desde que Dario Vitale se fue en diciembre, menos de nueve meses después de su nombramiento.

Versace, casa fundada en 1978 por el diseñador Gianni Versace y su hermano Santo, sigue siendo un ícono de la moda italiana, con colecciones lujosas y sensuales.

Pero la marca se debilitó tras siete años dentro del grupo estadounidense Capri Holdings (marcas Michael Kors y Jimmy Choo), y Prada concluyó su adquisición en 2025 por 1.250 millones de euros, formando así un nuevo gigante italiano de la moda.

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Zendaya Maree Stoermer Coleman, conocida como Zendaya, nació en Oklahoma el 1 de septiembre de 1996. Ha pasado de ser un icono adolescente del Disney Channel a convertirse en una actriz dramática ganadora de un Emmy y en una celebridad mundial de la moda. / EFE/EPA/Vickie Flores

Foto: EFE - VICKIE FLORES

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LOS ANGELES (United States), 01/09/2026.- (FILE) - US actor Zendaya arrives for the world premiere of Spider-Man: Brand New Day at the Dolby Theatre in Los Angeles, California, USA, 27 July 2026 (reissued on 01 September 2026). Zendaya Maree Stoermer Coleman known as Zendaya, was born in Oklahoma on 01 September 1996. She has evolved from Disney Channel teen icon into an Emmy-winning dramatic actress and global fashion celebrity. (Moda) EFE/EPA/CHRIS TORRES

Foto: EFE - CHRIS TORRES

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Zendaya lució un diseño blanco con alas de plumas de Matières Fécales, una casa de moda fundada en 2014 en Montreal por Hannah Rose Dalton y Steven Raj Bhaskaran, para el lanzamiento de “La Odisea” y completó el estilismo con joyas Chopard, un maquillaje sutil y una melena larga. / Angela Weiss / AFP

Foto: AFP - ANGELA WEISS

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La actriz y cantante estadounidense Zendaya posa durante una sesión fotográfica previa al estreno de la película "Drama". El vestido se unió a una serie de "looks" que cumplen con la era de novia de Zendaya y la popular tradición de que la futura esposa use el día de la boda “algo viejo, algo nuevo, algo prestado y algo azul”. / Blanca Cruz / AFP

Foto: AFP - BLANCA CRUZ

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Para Spider-Man la actriz hizo alusión al universo del superhéreo con varios estilismos. Como el que lució el pasado 23 de junio, en Roma. Se trataba de una prenda de Giorgio Armani y otra de Gianni Versace. La actriz, acompañada de su esposo, Tom Holland, lució una creación inspirada en la telaraña, una pieza del archivo de Giorgio Armani de la colección Primavera-Verano de 1990.EFE/EPA/David Swanson

Foto: EFE - DAVID SWANSON

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Zendaya postando con un diseño de John Galliano en la alfombra roja de la Gala del Met de 2024, el evento benéfico anual del Instituto del Traje del Museo Metropolitano de Arte, en Nueva York. / EFE/ EPA/ Justin Lane

Foto: EFE - JUSTIN LANE

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En la Gala del Met Gala de 2025 la actriz lució un diseño blanco de Louis Vuitton y un sombrero del mismo color con ala ancha completó el estilo dandy. / EFE/EPA/Justin Lane

Foto: EFE - JUSTIN LANE

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Junto a su estilista, Law Roach, han demostrando que son uno de los mejores dúos fashionistas del momento. EFE/EPA/Tolga Akmen

Foto: EFE - TOLGA AKMEN

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La actriz, que hoy cumple 30 años se ha convertido en un ícono de la moda gracias a sus looks, que varían desde trajes tradicionales hasta vestidos de lo más glamurosos en los que experimentan constantemente. EFE/EPA/Etienne Laurent

Foto: EFE - ETIENNE LAURENT

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En mayo de 2027, John Galliano se habría convertido en el tercer diseñador de moda vivo en tener una exposición en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (MET) dedicada a su trayectoria. La exhibición, que se llamaría “John Galliano: Horizons”, pretendía analizar su producción creativa, pero también la conducta que afectó su carrera.

Pero el homenaje no llegará a las salas del museo. Fue el propio diseñador quien decidió retirarse del proyecto después de que su anuncio provocara críticas de líderes judíos y algunos de los principales donantes del MET, por cuenta de comentarios antisemitas y racistas que el diseñador hizo entre 2010 y 2011 .

“Tras reflexionar detenidamente y hablar con todas las personas implicadas, he decidido, con gran tristeza, que lo mejor es que la exposición no se celebre en este momento”, dijo el diseñador en un comunicado conjunto con el MET.

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El caso Galliano encierra una paradoja: mientras muchos críticos lo califican como un “genio” de la moda por su trabajo en su marca homónima, Dior y Maison Margiela, y lo consideran uno de los diseñadores más destacados de su generación, también ha sido protagonista de uno de los episodios más polémicos de la historia reciente de la industria.

El anuncio también vuelve a poner sobre la mesa varias preguntas: ¿se puede separar la obra del artista? ¿Quién decide cuándo una persona merece una segunda oportunidad? ¿Cuándo termina una sanción social? ¿Cuál es el papel de las instituciones? Y, en un museo cuyo Instituto del Vestuario depende en gran medida de las donaciones, ¿hasta qué punto ese poder económico influye en esas decisiones?

¿La obra más allá del autor?

En el caso Galliano es válido admirar su trayectoria, pero también cuestionar sus actos, la manera en que ha asumido sus consecuencias y el significado del homenaje que recibiría en una institución como el MET, que incluso iba a plantear cómo debe entenderse el logro artístico en relación con la responsabilidad ética.

“La MET es una institución muy canónica en la manera en la que decide las exhibiciones de cada año, con una mirada muy tradicional a la historia de la moda y el diseño de autores, aunque a veces se la juega con temas más arriesgados y transversalmente culturales. En este caso, John Galliano es una apuesta que estaba en el borde de las dos; porque era una apuesta fija, segura en el sentido de que es un autor consagrado, con un suficiente mérito para ser reconocido en relación a su obra; pero también es una apuesta arriesgada porque el museo sabía las opiniones, comentarios y acciones racistas y de apología a la violencia que Galliano ha hecho a lo largo de su vida, que no necesariamente demeritan su obra, pero sí contextualizan el punto de vista del creador”, dijo Edward Salazar, investigador de moda y experto en archivos de moda en museos.

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En esa línea, el trabajo que hace el Costume Institute no solo es exhibir y preservar piezas de vestuario con valor histórico y cultural, “sino precisamente ayudarnos a entender los significados de esas prendas en su contexto y hacer que más personas reconozcan que la moda está interconectada con temas más profundos como los valores, la cultura, la ética y la política”, dijo Diana Gómez, consultora de marcas de moda.

Precisamente por la responsabilidad cultural que tiene el museo, la exhibición “John Galliano: Horizons” fue tan cuestionada. Aunque la cancelación se produjo en medio de las críticas, el debate va más allá de la polémica alrededor del diseñador y también plantea interrogantes sobre la influencia que pueden tener los grandes donantes en las decisiones de las instituciones culturales.

Así las cosas, la conversación no solo gira en decidir si la obra de Galliano merecía ese reconocimiento, sino también en cómo analizar su legado sin que una exposición sea interpretada en la opinión pública como una forma de absolución.

En este aspecto, William Cruz Bermeo, investigador de la moda y el vestir, menciona que “la lógica de la cancelación termina por anteponer las faltas del artista al valor histórico de su obra”.

Otras exposiciones, colecciones y homenajes polémicos

El MET ya ha llevado a cabo exposiciones cuestionables, como la que le rindió homenaje a Karl Lagerfeld en 2023. Aunque fue una persona que durante toda su vida “hizo comentarios ofensivos no solo por el cuerpo de las personas, sino enfocados hacia migrantes y refugiados. Es válido preguntar si hay alguna evolución en la forma en que el museo y las personas que se interesan por él piensan en estos detalles de fondo”, comentó Gómez.

Casos como las controversias por comentarios racistas de Dolce & Gabbana o las críticas que recibió la exposición “China: Through the Looking Glass” en 2015 por la falta de representación de diseñadores de origen chino, aunque no son comparables, permiten cuestionar los criterios con los que las instituciones culturales y las figuras relevantes de la industria enfrentan las controversias y deciden a quién celebrar, homenajear o reconocer.

María Juliana Marín, experta en derecho de la moda, aseguró que, “si somos realmente coherentes, estas medidas también debieron aplicarse entonces a diseñadores como Coco Chanel o Karl Lagerfeld por su conexión con el movimiento Nazi o a Balenciaga por su campaña polémica y cuestionada por las imágenes que utilizaron. Si se va a moralizar la moda, se debería aplicar igual para todos”, afirmó.

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Lo que diferenciaría el caso Galliano es que la presión provino de personas con una influencia económica considerable sobre el museo.

La doble moral y la presión del poder

Para varios de los expertos consultados, el caso Galliano también evidencia una posible “doble moral”: mientras algunos comportamientos marcan la trayectoria de sus protagonistas y cómo son tratados en la esfera pública, en otros casos el valor histórico o creativo de sus obras pone en un segundo plano sus cuestionamientos éticos.

Vale la pena mencionar que cada año la exposición del museo se inaugura tras la tradicional gala del MET, un evento que se celebra anualmente el primer lunes de mayo. Los ingresos proporcionan al Instituto del Vestuario su principal fuente de financiación anual para exposiciones, publicaciones, adquisiciones y operaciones. Los fondos recaudados también apoyan otras actividades del museo, lo que le da otra dimensión al debate sobre el peso que pueden tener los grandes donantes en las decisiones institucionales.

“Me pareció una decisión acertada. Sin embargo, queda también una sensación de que lo importante es quién pone la queja y no la queja en sí. Aquí lo que pasó fue que mucha gente muy importante, que además dona muchísima plata al MET dijo ‘Nosotros nos bajamos de este proyecto porque no nos parece que va con nuestras creencias’. Y fue un golpe de poder duro que le dieron a Anna Wintour porque seguramente creyó que su autoridad iba a ser suficiente para sacar la exhibición adelante”, dice Jeniffer Varela, investigadora de moda.

“¿Por qué estamos doblegando o flexibilizando la ética cuando nos conviene? Eso es lo que a mí me impacta. Hicieron que Galliano se retirara, algo que nunca había pasado en una exposición del MET", cuestiona Nargumedo, crítico de moda.

La sanción social

“También reconozco que una exposición en homenaje a mi obra podría resultar dolorosa para algunas personas”, afirmó el diseñador británico en el comunicado.

Aunque Galliano ha asumido públicamente la responsabilidad por el daño causado por sus palabras y ha pedido perdón a las comunidades judía y asiática, surge otra pregunta: ¿hasta cuándo debe durar una sanción social y quién decide si una persona ha demostrado un cambio?

En el comunicado el diseñador afirmó que una reparación significativa no se consigue mediante una exposición, el reconocimiento institucional o un único gesto público, sino que implica una responsabilidad continua demostrada a través “de la escucha, el aprendizaje y la propia conducta a lo largo del tiempo.”.

La cancelación de la exposición dedicada a John Galliano es “un ejemplo inquietante de lo que ocurre cuando la cultura de la cancelación deja de tener relevancia en las redes sociales e influye directamente en quienes poseen el poder económico e institucional para decidir quién merece una exposición, quién debe ser excluido y a quién puede concedérsele la posibilidad de redención después de haber cometido un error”, dijo Cruz Bermeo.

De acuerdo con Sarita Echeverry, psicóloga y estudiante de maestría en Fashion Studies, “la sanción social es necesaria, pero no debe ser perpetua. La cultura de la cancelación no permite una verdadera reflexión. No nos permite la resocialización del cambio que como seres humanos necesitamos para poder evolucionar dentro del sistema en el que estamos”.

Echeverry aclara que para que se dé esa resocialización sí se deben realizar ciertos pasos: aceptación, reconocimiento, pedir perdón, reparación y no repetición. Galliano fue condenado por las autoridades por sus actos y lo sacaron de Dior, “hubo un castigo económico y social, se retiró del ojo público, y ha trabajado en entender por qué estuvo mal lo que hizo”.

Pese a que Galliano ha expresado públicamente su arrepentimiento y ha hablado sobre el proceso que ha seguido desde entonces, su caso plantea una pregunta difícil: ¿cuándo se considera que una persona ha asumido las consecuencias de sus actos y ha demostrado un cambio?

“Si él ya hizo los pasos, ¿cuánto tiempo debe durar esa sanción social?" La experta menciona que, si bien no solo se puede mencionar la grandeza y admiración que tiene la obra del artista, también se debe analizar sus polémicas, pero desde una mirada en la que no solo sea “blanco o negro, sino la escala de grises, que es lo que nos hace humanos”.

Para Cruz Bermeo, “la pregunta no es si los actos de Galliano deben olvidarse o justificarse —no deben serlo—, sino si una condena, por grave que sea, debe convertirse en una forma de muerte civil perpetua que impida reconocer su contribución a la cultura de la moda. Cuando el juicio moral sustituye al análisis histórico y estético, no solo se sanciona a una persona: se empobrecen la memoria cultural y la posibilidad de comprender críticamente su legado”.

El investigador agrega que estamos ante la corrección política llevada a un “extremo peligroso: el intento de reescribir la historia mediante una curaduría moral selectiva. El castigo parece concentrarse en Galliano, convertido así en una suerte de chivo expiatorio. Una cultura incapaz de distinguir entre reconocer una obra y absolver a su autor no es necesariamente más ética: es, sencillamente, menos capaz de afrontar las contradicciones de su propia historia”.

El caso Galliano demuestra que la conversación ya no gira solo en torno a si una figura pública debe ser cancelada o perdonada. También cuestiona quién tiene el poder para determinar cuándo alguien ha cambiado, qué significa reparar el daño causado y por qué algunas faltas permanecen en la memoria colectiva mientras otras se desvanecen con el tiempo.

“Si yo como sociedad no voy a permitir que las personas aprendan de sus errores, no habrá lógica en resarcir sus errores. Uno puede en la sociedad buscar progreso, no perfección”, puntualiza Nargumedo.

Lo que queda del caso Galliano no es una respuesta, sino un precedente: la prueba de que, en la moda como en otras industrias culturales, la pregunta sobre quién merece el perdón rara vez la responde la ética. La responde quien tiene el poder de financiar —o de retirar el apoyo a— la próxima exposición.

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El diseñador británico John Galliano renunció este lunes a participar en la exposición que el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (Met) le iba a dedicar con motivo de la Met Gala de 2027, tras la oposición de líderes judíos y donantes del museo a homenajearlo por comentarios antisemitas y racistas de 2011.

“Tras mucha reflexión y conversaciones con el Met y con todos los involucrados, he decidido, con gran tristeza, que lo mejor es que la exposición no se realice en este momento”, señaló Galliano en un comunicado publicado en Instagram.

El diseñador reconoció el daño causado por sus palabras en el pasado y dijo que no quería que el debate sobre su figura colocara al Met en una “situación difícil” ni distrajera del trabajo del Instituto del Traje, responsable de la exposición.

“Reconozco y respeto que una exposición que honre mi trabajo es dolorosa para algunos”, dijo en el texto.

El museo confirmó la cancelación y señaló que los detalles de una nueva exposición para la próxima Met Gala se anunciarán más adelante.

La decisión llega después de las críticas contra Galliano por parte de la comunidad judía de Nueva York, como el galerista Arne Glimcher, quien amenazó con retirar al museo de su testamento, y Elisha Wiesel, presidente de la Fundación Elie Wiesel.

También se sumaron políticos como la presidenta del Concejo Municipal de Nueva York, Julie Menin, que calificó la exposición de “golpe en el estómago” para la comunidad judía de la ciudad.

Menin, hija de un superviviente del Holocausto y primera presidenta judía del Concejo, dijo en X que museos como el Met deben mantener “un alto estándar de inclusión y tolerancia”.

Galliano fue condenado en Francia en 2011 por un delito relacionado con expresiones antisemitas después de que un tribunal determinara que había proferido insultos contra judíos y asiáticos en dos incidentes ocurridos en un bar de París, en un momento en que parecía bajo la influencia de alguna sustancia.

Esos comentarios fueron grabados en vídeo y divulgados en público, y la polémica provocó su despido como director creativo de Dior, cargo que había ocupado durante 15 años.

Tras el escándalo, Galliano pasó por un proceso de rehabilitación por sus problemas de adicciones. En 2014 regresó a la alta moda como director creativo de Maison Margiela, puesto que ocupó durante una década.

A nueve diseñadores colombianos se les planteó un reto: elegir una canción del género vallenato para que cada uno creara una colección cápsula y presentara el resultado durante una pasarela en la plaza Alfonso López, en Valledupar.

“Entre la moda y las artes, no existe una relación más estrecha que aquella que la moda ha sostenido con la música. Durante el siglo XX hubo momentos en los que esta relación se hizo mucho más directa, especialmente cuando ciertas escenas musicales comenzaron a producir estilos de vestir que transformaron el panorama global de la moda”, comenta William Cruz Bermeo, investigador de la moda y el vestir.

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Los movimientos hippie y punk son ejemplos muy claros de esa relación, pues generaron códigos estéticos, representación y maneras de intervenir el cuerpo a través de la ropa.

La relación también funciona en sentido inverso, es decir, cuando es la música la que inspira una colección o el trabajo de un diseñador. Un antecedente interesante es la colección que Elsa Schiaparelli presentó en 1939. “No estaba inspirada en una composición, un intérprete o un género particular, sino en la música entendida como un universo visual y sonoro. La diseñadora incorporó botones con forma de tambores, bordados de instrumentos y notas musicales, así como cinturones y sombreros provistos de pequeñas cajas de música. Schiaparelli no tradujo una obra musical concreta: convirtió la idea misma de la música en formas, objetos, imágenes y sonidos incorporados al vestido”, dice Cruz Bermeo.

Así las cosas, el reto consistía en que los nueve diseñadores trasladaran el sonido de las letras en imágenes y luego en prendas de vestir.

Hernán Zajar eligió “La casa en el aire” de Rafael Escalona; Beatriz Camacho en colaboración con la diseñadora Daniela García, “Amor Sensible”, de Freddy Molina; Lina Cantillo, “Mi hermano y yo”, de Emiliano Zuleta; Judy Hazbún, “Sin medir distancias”, de Gustavo Gutiérrez; Darío Valencia, “Vallenato nobel”, de Rafael Escalona; Naiduth Geles, “Los caminos de la vida”, de Omar Geles; José Cuello, “La cañaguatera” de Isaac Carrillo; y Jorge Duque, “La creciente”, de Hernando Marín Lacouture.

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La música y la moda también comparten una emoción: el sentimiento. Las dos tienen la capacidad de evocar recuerdos, pasiones e identidad. “La relación entre el vestir y el lenguaje musical exige rigor conceptual y metodológico. Desde la dirección académica de Ixel Moda buscamos que los creadores no tomen la cultura como un adorno ornamental, sino que investiguen la lírica, el territorio y la historia para traducirlos en estructuras textiles con sentido”, dijo Danilo Cañizales, director académico de Ixel Moda, los organizadores del evento.

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“La creciente” de Jorge Duque

Jorge Duque, diseñador de moda y fisioterapeuta, fue uno de ellos y eligió “La creciente” como una remembranza de la influencia que tuvo esa canción en la cultura popular de Medellín, lugar en el que creció.

“La elegí desde lo personal, porque a mí me gusta bordar temas que me impliquen pensar, analizar, conectarme con un proceso creativo. Me divierte, me parece lúdico”, dice.

Duque también analizó el momento social que se vivía en nuestra sociedad cuando se lanzó la canción, lo que significa la letra para la gente y, desde ahí, comenzó a crear las primeras imágenes de la cápsula.

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“Tenía claro que quería el acordeón como un referente metafórico importante para hablar del vallenato, los instrumentos, como la guacharaca, la caja, y la pasión femenina, elementos desde los cuales puedo pensar en una colección”.


Look 1:

Ya llega la mujer que yo más quiero

Por la que me desespero

Y hasta pierdo la cabeza.

El “look” se compone de un corsé con perforaciones de aire y teclas de viento al costado, elaborado en caucho y piel vacuna con ensamble de ojalete y cordón, junto a una falda de georgette.

Look 2:

La canción se lanzó en 1976. Rafael Orozco, voz principal de la agrupación musical El Binomio de Oro, fue quien interpretó la composición de Hernando Marín. Ese mismo año, en la moda el “power dressing” consolidó la manera en la que se percibiría la feminidad y el poder.

“Los grupos de vallenato no eran ajenos a eso. Tomaban las tendencias para hacer sus uniformes y ornamentos, y esas estéticas se convirtieron en un referente visual de lo que viste y representa a un cantante vallenato, que hoy en día todavía usan, como blusas, camisas doradas y estampadas, con flores, con hombreras, joyas en el pecho y otros elementos”.

Dichos referentes los representó Duque en una blusa de georgette con hombreras, canesú y cuello alto con falda mini de paillette con fuelles de acordeón elaborados en tafetán acentuados con plumas naturales.

La moda y la música son para Duque, una relación indisoluble. “La moda es performática en sí misma y la música también. Es por eso que son hermanas y compañeras de camino”, puntualiza. Duque hizo tangible algo que solo podía escucharse, pero que ahora se siente y se ve.

Look 3:

En el proceso de investigación, creación y producción, Duque y su equipo de 12 personas tardaron cuatro meses. En ese lapso de tiempo realizó viajes de campo a Valledupar, en donde compartió con los artesanos kankuamos de Atánquez.

“Hablé con ellos sobre su vínculo con la tierra, con la fertilidad, con la feminidad y todos esos imaginarios místicos que tienen alrededor del río, de la selva y del valle. Eso me llevó a preguntarles lo que representan las crecientes y me contaron historias como la de la sirena de escamas doradas del Guatapurí”.

También le explicaron la importancia de que el río crezca para que limpie, así como “una cantidad de historias que me permitieron hacer esos paralelos que los diseñadores necesitamos para entender de qué se trata metafóricamente crear algo”, explicó Duque.

Esas metáforas las tradujo en un vestido de paillette dorado elaborado en cordón de lúrex y un tejido de espiral, “como el curso de la corriente que llena de fertilidad el valle”. En total, fueron 1850 perlitas doradas de metal y 200 horas de trabajo en la creación de la pieza.

Look 4:

Y así como crecen los arroyuelos,

se crece también la sangre en mis venas.

“El río baja borrascoso formando torbellinos que llenan de fertilidad el valle y los peces y sembrados absorben la bendición de la creciente como un espíritu femenino y fecundo”, dice Duqe. El “look” interpreta eso a través de un top elaborado en piel de tilapia, tinturado con pepa de nogal y un pantalón en telar de seda y lurex con patrones verticales aguamarina.

Look 5:

“La guacharaca resuena en cada rincón del valle con un grito ensordecedor, dejando ecos ancestrales que retumban con la caja y el acordeón, es la mujer que seduce con su ritmo oculto en lo más profundo de la sierra”, explica el diseñador.

Este “look” es un vestido de nylon y laminado metálico dorado.

Look 6:

Duque cerró su colección con una pieza de archivo. Un vestido de 2010 de la colección Herencias, con la que ganó la primera temporada de Project Runway Latin America.

Se trata de una manta elaborada en telar de pedal simple con hilos de seda, poliamida, polimetal y cobre. El “look” se complementa con una mochila de cabuya kankuama.

“Cuando me imagino a la mujer musa de La creciente, tiene una feminidad fértil, bella, divina, diosa que baja por el río o que aparece y es el objeto no solamente del deseo, sino del amor. La creciente, para mí, habla de todo menos del amor imposible. Es lo tumultuoso de la emocionalidad y lo importante que es para ellos en su imaginario que la creciente exista, que caiga el aguacero, que haga crecer el río y que lo fertilice y lo cambie”, agrega.

La colorimetría analiza, de acuerdo con los tonos de piel, ojos y cabello, cuáles colores resaltan la belleza natural de cada persona e iluminan su rostro.

“La colorimetría es un arte que combina ciencia y sensibilidad. Es el estudio que nos permite identificar los colores que mejor armonizan con la esencia de cada persona, a partir del análisis de su piel, ojos y cabello”, explica Camilo Correa, líder de experiencia personal shopper.

Por ejemplo, si la persona tiene un subtono frío, puede inclinarse por tonos plateados, rojos cereza, fucsias, vinos y azules marinos. Es decir, tonos con pigmentos azules.

“Si hablamos de tonos neutros, puede elegir colores como el blanco, el gris o el negro”, explica el experto.

Para saber cuál es su subtono, lo ideal es que se haga un test de colorimetría con un experto. También puede observar el color aparente de las venas de su muñeca. Las personas con subtonos cálidos suelen tenerlas más verdosas; las de subtonos fríos presentan tonalidades azules o púrpuras; y las de subtonos neutros combinan características cálidas y frías.

“Cuando una persona entiende qué colores realzan su esencia, cada elección se convierte en una extensión natural de su estilo”, agrega Correa.

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¿Cómo identificar qué esmalte favorece sus manos, según la colorimetría?

¿Le ha pasado que un tono de esmalte se le ve espectacular a alguien, pero no tiene el mismo efecto en sus manos? La razón puede estar justamente en la colorimetría. Conocer el subtono de la piel puede ayudarle a identificar cuáles colores de esmalte le favorecen más.

Una vez identifique su subtono, elegir el “esmalte ideal” será mucho más sencillo, dice Lina Valderrama, experta en uñas.

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Subtono cálido

Los tonos con base amarilla o dorada son los ganadores. “El coral, la terracota, el chocolate y el nuevo amarillo mantequilla realzan el brillo natural de la piel, igual que el verde musgo y los acabados con destellos dorados” dice Valderrama, también experta en tendencias de la marca Masglo.

Subtono frío

El contraste con base azulada es lo que ilumina este tipo de piel. “En 2026 destacan los tonos joya profundos (esmeralda, zafiro), el rosa cromado, el lavanda y el burdeos, además del blanco nácar, que sigue siendo tendencia en redes sociales”, dice la experta.

Subtono neutro

Es el más versátil: casi cualquier gama de color le favorece, “aunque en 2026 se llevan especialmente el nude lechoso, el rosa cromado, el verde salvia, el rosa empolvado y el rojo cereza”, agrega.

De acuerdo con Valderrama, aunque el subtono determina la gama de color perfecta para cada persona, “la profundidad de la piel (clara, media u oscura) le da el toque final ajustando la intensidad. Si tiene la piel más clara, los tonos suaves y delicados le van a favorecer más. Si su piel es más profunda, no le tenga miedo a los colores intensos y saturados: los va a lucir espectaculares”, afirma.

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Los Angeles (United States), 10/12/2024.- Blue Ivy Carter attends the premiere of Disney'Äôs 'ÄòMufasa: The Lion King'Äô at the Dolby Theater in Los Angeles, California, USA, 09 December 2024. EFE/EPA/ALLISON DINNER

Foto: EFE - ALLISON DINNER

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Teyana Taylor liderada la clasificación general de las personalidades del mundo de la cultura mejor vestidas por aportar “un toque de estilo y vitalidad a la alta costura”. /EFE/EPA/Chris Torres

Foto: EFE - CHRIS TORRES

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Otra de las listas de la revista es la dedicada al ‘futuro’, con los famosos jóvenes que destacan por su estilo. El cantante español Guitarricadelafuente, que recientemente debutó como actor, es el número uno de 'futuro', la categoría que destaca a los famosos jóvenes por su estilo. El artista resalta por usar las creaciones de Jonathan Anderson para Dior. /EFE/EPA/Teresa Suárez

Foto: EFE - TERESA SUAREZ

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La modelo Kendall Jenner también hace parte de la categoría 'profesionales", en la que se destaca a los mejor vestidos convertidos en clásicos. / EFE/EPA/Sarah Yenesel

Foto: EFE - SARAH YENESEL

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El diseñador de moda, Marc Jacobs, está incluido en la categoróa ‘profesionales’. /EFE/EPA/Riccardo Antimiani

Foto: EFE - RICCARDO ANTIMIANI

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Rosalía hace parte de la categoría "Originals", que está encabezada por el director de cine Spike Lee y la cantante se destaca por “lograr que prendas de aspecto peculiar resulten naturales y sexis”. / Kevin Mazur/Getty Images

Foto: Kevin Mazur/Getty Images for Liv - Kevin Mazur

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Jacob Elordi ocupa la segunda posición de la clasificación general de las personalidades del mundo de la cultura mejor vestidas“, gracias a su capacidad para hacer que una bolsa de la compra parezca un bolso” de categoría. /EFE/ Ómar Alonso

Foto: EFE - Ómar Alonso

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Las grandes plataformas de moda ultrarrápida como Shein y Temu deberán pagar una penalización de 9 euros (10,5 dólares o unos COP33.090 pesos) por pantalón vendido en Francia a partir del 1º de septiembre, anunció este viernes el gobierno en el Diario Oficial.

El Parlamento francés aprobó a finales de junio una ley para frenar el auge de la moda ultrarrápida por su costo ambiental, especialmente la de empresas asiáticas, pero preserva a las compañías europeas y francesas, como Zara o Kiabi.

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El ministerio francés de Transición Ecológica publicó este viernes una orden que establece las condiciones de aplicación de las penalizaciones financieras, basado en una puntuación ambiental de cada producto.

Las penalizaciones se aplicarán de forma progresiva y alcanzarán hasta los 19,50 euros (22,7 dólares) por pieza en 2030, con un límite del 50 % del precio sin impuestos.

Por ejemplo, en 2026 y 2027, las empresas afectadas pagarán 0,5 euros por cada bóxer o par de calcetines cuyo resultado sea inferior al umbral establecido, 2 euros por una camiseta, 9 euros por unos jeans vaqueros y 12 euros por un abrigo.

Para 2030 cada bóxer o par de calcetines llegaría a 2 euros, una camiseta 3,50 euros, unos jeans vaqueros 17.25 y 19.50 un abrigo.

Mathieu Lefèvre, ministro delegado de Transición Ecológica, mencionó en su cuenta en X que los efectos “perjudiciales de la ultra fastfashion en nuestro medio ambiente son conocidos y están documentados. El Gobierno está decidido a remediralo”.

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Además, aseguró que Francia se convierte en “pionera en Europa” con este instrumento para “combatir un modelo que se basa en que una prenda pase en un tiempo récord de los estantes de una tienda al cubo de basura de su hogar”.

Su gabinete indicó en julio que las penalizaciones abonadas generarán una dotación financiera “ampliamente suficiente” para compensar las bonificaciones previstas para las compañías más virtuosas, sin precisar los importes previstos.

Por el momento se desconoce cómo afectará la aplicación de esta ley a los precios de los productos pagados por los consumidores en Francia.

A finales de julio, China amenazó con posibles represalias por esta ley, que consideró “discriminatoria” y contraria a los principios comerciales.

Los botones son un insumo de la confección de larga data, pero hay un detalle que se ha mantenido casi intacto con el paso del tiempo: su ubicación. En las camisas de hombre, los botones están a la derecha, mientras que en las de mujer se encuentran a la izquierda.

Esta distinción sigue siendo un enigma y, en la actualidad, no cumple una función práctica evidente. Tampoco existe una explicación clara o documentada sobre su origen.

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Sin embargo, se cree que es una tradición que nació en las clases altas de siglos pasados cuando las mujeres utilizaban prendas más complejas, como corsés, vestidos con muchas capas y prendas que no eran tan fáciles ponerse por sí solas.

“Entonces, era muy común que tuvieran una persona que las ayudara a vestirse. Por eso, se cree que los botones quedaron ubicados de esa manera, porque facilitaba que la persona que estaba ayudándolas pudiera abrochar la prenda”, dijo el diseñador Fabián Rodríguez sobre la posible explicación de dicha distinción.

En cambio, los hombres estaban acostumbrados a vestirse solos. Otra teoría tiene que ver con la manera en que llevaban las espadas y otras armas, para que estas no se enredaran con los botones.

“Lo más curioso es que hoy ya no necesitamos esto para nada, pero lo seguimos haciendo. Se convirtió en una de esas cosas que la moda mantiene por tradición y que nosotros seguimos repitiendo sin preguntarnos realmente por qué”, explica el diseñador.

Además, el modisto menciona que esa particularidad de su oficio y de la moda le parece muy interesante: “Muchas veces una prenda tiene detalles que vienen de una necesidad de hace cientos de años, pero que hoy simplemente seguimos utilizando porque se convirtieron en parte de la construcción y de la historia de la indumentaria”.

La historia de los botones

De acuerdo con William Cruz Bermeo, investigador de la moda y el vestir, “se conservan vestigios de prendas de mediados del siglo XIV que ya presentan extensas hileras de botones”.

Por lo general, eran pequeñas piezas de madera recubiertas con la misma tela del vestido, no muy diferentes de los botones forrados que conocemos hoy.

“Existen también en Europa registros muy tempranos de artesanos botoneros, dedicados a tallarlos en materiales más sofisticados, como el marfil o el coral”, dice Cruz Bermeo.

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Sin embargo, uno de los aspectos más sugerentes de su historia es que su incorporación al vestido occidental no parece haber respondido exclusivamente a la necesidad de unir una pieza con otra, “sino también al propósito de ajustar las prendas al cuerpo y hacer visibles sus formas y curvas. Esta función coincide con la interpretación que algunos historiadores del vestido han propuesto sobre los orígenes de la moda en Occidente: hacia mediados del siglo XIV, la moda habría adquirido sentido como una estética de la seducción. Las prendas femeninas y masculinas comenzaron entonces a ceñirse sobre el torso, revelando la arquitectura del cuerpo, y los botones hicieron posible ese ajuste”.

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El uso de los botones marcaba un contraste con las túnicas talares que habían predominado hasta entonces y cuya tradición se remontaba a los primeros siglos de la era cristiana. “De allí que encontremos prendas antiguas con largas hileras de botones dispuestas no solo en la parte frontal, sino también a lo largo de los costados del vestido y de las mangas”, agrega el investigador.

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La rutina de cuidado de la piel dejó de ser un ritual frente al espejo: ahora se viraliza en millones de pantallas. En redes sociales, creadores de contenido muestran sus pasos, recomiendan productos y convierten el cuidado de la piel en un fenómeno aspiracional.

A una rutina básica del skincare, que puede incluir tónico, contorno de ojos, hidratante, crema y protector solar, se han sumado cada vez más productos, hasta llegar, en algunos casos, a rutinas de diez pasos o más.

Ese boom del skincare también tiene riesgos, pues imitar rutinas de diez pasos, utilizar productos caseros o ‘milagrosos’ y dejarse llevar por marcas virales puede convertirse en un problema dermatológico.

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El uso inadecuado de estos productos o la combinación de determinados activos puede causar irritaciones, manchas o empeorar algunas condiciones de la piel. Hablamos con Isa Werner, redactora científica y experta en belleza de la marca de belleza austriaca Ringana, sobre las rutinas largas, las tendencias virales y las recomendaciones para identificar los productos adecuados para las necesidades de la piel.

Las redes sociales están llenas de rutinas de diez pasos o más. ¿Una rutina larga garantiza mejores resultados?

Una rutina de cuidado de la piel más larga no ofrece automáticamente mejores resultados. Lo que importa es elegir productos que funcionen bien juntos y estén adaptados a las necesidades individuales de la piel.

Se recomienda un enfoque consciente y eficaz, y no en una complejidad innecesaria. Una rutina bien diseñada con los productos adecuados puede ser igual de eficaz —o incluso más— que un régimen de diez pasos. De hecho, aplicar demasiadas capas de productos o activos puede, en ocasiones, sobrecargar la piel.

Dicho esto, la constancia es esencial, así como usar productos que funcionen en sinergia y adaptar la rutina a las necesidades cambiantes de la piel.

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¿Qué tendencias virales considera más perjudiciales?

No todas las tendencias de cuidado de la piel que se vuelven virales son buenas. Animamos a las personas a mirar más allá de la moda y centrarse en aquello que está respaldado por la ciencia de la piel y se adapta a sus necesidades individuales.

Algunas de las tendencias más preocupantes son las que promueven una exfoliación excesiva, la combinación de demasiados ingredientes activos a la vez o el uso de productos que no están diseñados para la piel del rostro. Estos enfoques pueden comprometer la barrera cutánea y provocar irritación, sequedad y mayor sensibilidad.

Otro desafío de las tendencias en redes sociales es que suelen prometer resultados instantáneos. La piel saludable se construye con constancia, no con soluciones rápidas. Lo ideal es implementar rutinas que apoyen la piel con el tiempo mediante productos cuidadosamente formulados y no en perseguir el siguiente truco viral.

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¿Cómo identificar cuando un producto responde a una necesidad real y cuando es solo una moda?

Un ingrediente solo puede apoyar la piel si está disponible en una forma que esta lo pueda utilizar eficazmente. Es decir, la presencia de un ingrediente popular por sí sola no garantiza eficacia; por ejemplo, algunas moléculas son muy grandes para penetrar de manera eficiente la barrera cutánea, como ocurre con el colágeno aplicado de forma tópica. Del mismo modo, la capacidad de ciertos activos, como los derivados de las vitaminas A y B, para alcanzar las capas relevantes de la piel depende de su formulación específica, estabilidad y propiedades de penetración.

Al evaluar un producto, es importante mirar más allá de las afirmaciones de marketing y preguntarse: ¿qué preocupación de la piel aborda? ¿Cuál es la base científica de los ingredientes? ¿Los activos están presentes en concentraciones significativas? ¿Están formulados de manera que favorezcan la biodisponibilidad y una entrega eficaz a la piel? ¿El producto encaja en una rutina constante de cuidado y funciona en sinergia con otros productos?

Las tendencias suelen centrarse en resultados rápidos o crear nuevos “problemas” que supuestamente deben resolverse. El verdadero cuidado de la piel consiste en apoyar sus funciones naturales con el tiempo. Un producto significativo tiene un propósito claro, se basa en conocimiento científico y ofrece beneficios mediante el uso regular, no simplemente porque sea popular en redes sociales.

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El papa León XIV ocupa el sexto lugar en la categoría “Originals” de la lista de los mejor vestidos de 2026 de la revista Vanity Fair.

El medio destacó personalidades en cinco categorías originales, clásicos, profesionales, dúos y el futuro. En la categoría en la que se incluyó al papa se destacan los ‘looks’ de personalidades con un marcado y único estilo personal.

“Los vestidores más extravagantes e innovadores mantienen las cosas interesantes y están llenos de sorpresas”, asegura el medio especializado.

El look más memorable del papa León XIV, según el medio, fue la sotana color crema que combinó con tenis Nike.

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“Incluso antes del papado, León, antes conocido como padre Bob, llevó su modesta sotana a alturas celestiales al combinarla con zapatillas Nike”, dijo Vanity Fair.

Según Vanity Fair, una de sus características de estilo ha sido mantener su sentido de la informalidad irónica, “luciendo a veces gorras de béisbol”, detalló el medio.

El “look” de León XIV

El papa León XIV se hizo viral en las redes sociales en mayo de este año, tras una escena del tráiler del documental “Leone a Roma”, producido por Vatican News, con el que se conmemoró el primer aniversario de su pontificado.

En el clip el pontífice aparece caminando con una sotana en color crema y unos tenis Nike blancos de suela baja, alejados de los tradicionales zapatos y con el característico trazo curvo o Swoosh (inspirado en el ala de la diosa griega Niké) de la marca.

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El listado de Vanity Fair 2026

Vale la pena mencionar que se trata de la primera vez en esta década que la edición estadounidense de Vanity Fair presenta su lista anual de los mejor vestidos.

“Los elegidos para la lista de los mejor vestidos de Vanity Fair 2026 fueron seleccionados por el equipo”, dijeron.

León XIV aparece en el listado junto al director de cine Spike Lee, la patinadora olímpica Alysa Liu, la directora del Studio Museum de Harlem, Thelma Golden, la fundadora Colby Mugrabi y el escritor Hilton Als. En esta categoría también aparecen la diseñadora Sandy Powell y la cantante islandesa Björk.

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En el universo de los escotes se destacan el V, el redondo, el cuadrado, palabra de honor y corazón. Cada uno tiene unas características particulares y funciona para determinadas ocasiones de uso.

De acuerdo con el diseñador de moda Fabián Rodríguez, los escotes cambian la manera en que percibimos nuestro cuerpo.

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“Quiero quitarle a la gente una idea de la cabeza: no existe un escote que esté ‘prohibido’ para determinado cuerpo”, dice.

El estilismo de moda, según Rodríguez, “no se trata de decir ‘tú puedes usar esto y tú no puedes usarlo’. Se trata de entender qué efecto genera cada prenda y decidir qué queremos comunicar”.

Según explica, si se quiere alargar visualmente el cuello y generar una línea más vertical, probablemente un escote en V va a ser una excelente herramienta.

Junto al diseñador y a Carolina Cadavid, directora de diseño de la marca de ropa femenina Naf Naf, construimos esta guía con los tipos de escote, sus efectos visuales y las ocasiones ideales de uso.

Tipos de escote

Escote en V: uno de los más versátiles. Puede ser sutil o profundo y está presente tanto en prendas casuales como en propuestas más sofisticadas.

¿Cuál es su efecto visual? El escote en V crea una línea vertical que visualmente alarga el cuello y el torso. Entre más profunda sea la V, más marcado será ese efecto.

Escote redondo: clásico, femenino y fácil de llevar. Según su profundidad, puede sentirse más casual o delicado.

¿Cuál es su efecto visual? El redondo genera líneas suaves. Los escotes redondos más abiertos aportan mayor amplitud visual a la parte superior, mientras que los cerrados llevan la atención hacia el rostro y pueden acortar visualmente el cuello.

Escote cuadrado: romántico y muy favorecedor. Enmarca especialmente bien el cuello, las clavículas y los hombros.

¿Cuál es su efecto visual? El escote cuadrado estructura la parte superior y pone el foco en las clavículas y el escote. Es una excelente opción cuando buscamos una silueta femenina, pero definida.

Así las cosas, si quiere darle más estructura a la parte superior del cuerpo, puede jugar con un escote cuadrado.

Escote corazón: se caracteriza por dos curvas que enmarcan el busto y descienden en el centro, similares a las formas que ilustran un corazón. Es muy femenino y suele funcionar especialmente bien en vestidos.

¿Cuál es su efecto visual? El escote corazón enmarca el busto y aporta suavidad visual gracias a sus curvas.

Escote barco: se extiende horizontalmente hacia los hombros. Aporta elegancia y pone como protagonista a la línea de las clavículas.

¿Cuál es su efecto visual? El escote barco crea una línea horizontal, por lo que amplía visualmente la parte superior y da mayor presencia a la línea de los hombros. Es una buena opción para equilibrar una silueta con más volumen en las caderas.

Halter: deja los hombros más expuestos y lleva la atención hacia la parte superior del cuerpo. Tiene un aire moderno y sofisticado.

¿Cuál es su efecto visual? El halter dirige la mirada hacia los hombros y el rostro y suele crear una sensación de verticalidad en el centro del cuerpo.

Palabra de honor o strapless: deja hombros y clavículas completamente descubiertos. Es ideal cuando queremos un efecto especial, femenino y sofisticado. Se usa con frecuencia en ocasiones de noche.

¿Cuál es su efecto visual? El escote strapless resalta la línea horizontal de los hombros, las clavículas y el cuello.

Asimétrico: tiene un hombro más protagonista que el otro. Da movimiento y le da un modernidad al look. En muchas ocasiones está acompañado de drapeados, que generan mayor movimiento y resaltan su asimetría.

¿Cuál es su efecto visual? El escote asimétrico rompe la simetría de la silueta, creando dinamismo y convirtiendo el escote en protagonista del estilismo.

Si quiere algo más creativo y diferente, un escote asimétrico puede transformar completamente un look.

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¿Hay escotes que favorecen determinadas proporciones corporales?

“Sí, pero desde la marca evitamos hablar de reglas rígidas sobre qué cuerpo puede o no puede llevar determinado escote. La idea es utilizar el escote para crear el efecto visual que buscamos”, dice Cadavid.

Si se quiere dar mayor presencia visual a los hombros y equilibrarlos con la cadera, lo ideal es recurrir al barco o a escotes más horizontales.

De acuerdo con los expertos, si busca enmarcar y definir la parte superior, el cuadrado funciona bien. Para poner el foco en hombros y brazos, use un halter, palabra de honor o asimétricos.

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Con un busto más generoso, una V media o un escote abierto pueden generar una línea visual armónica; “la clave está también en que la prenda tenga buena sujeción y caída. Con un busto más pequeño, escotes cuadrados, corazón o diseños con detalles, drapeados y volumen en la parte superior pueden ayudar a potenciar visualmente esa zona. En lugar de establecer reglas sobre el cuerpo, buscamos equilibrar proporciones y destacar aquello que queremos convertir en protagonista”, dice Cadavid.

¿Qué escote elegir según el evento?

Además del efecto visual, el escote se debe elegir preferiblemente según el evento.

“No es lo mismo escoger un escote para ir a trabajar que para una cena, un matrimonio, una gala o un evento de moda”, dice Rodríguez.

Por eso, cuando estén construyendo un look, el experto recomienda que se hagan estas cuatro preguntas:

¿Qué quiero destacar?

¿Qué quiero equilibrar?

¿Qué quiero comunicar?

¿Para qué ocasión me estoy vistiendo?

“Cuando empezamos a hacernos esas preguntas, dejamos de vestirnos simplemente porque ‘algo se ve bonito’ y empezamos a utilizar la ropa como una herramienta para construir nuestra imagen y comunicar quiénes somos”, asegura Rodríguez.

¿Qué escote usar según la ocasión?

Por ejemplo, para elegir un vestido, el escote tiene mucho peso porque define toda la intención del look. En los looks del día a día, Cadavid recomienda elegir escotes redondos, cuadrados o V moderados; para elevar el look en una ocasión especial podemos jugar con corazón, halter, asimétricos o palabra de honor.

Para un look casual: se aconsejan escotes redondo, V suave, camisero o cuadrado. Son fáciles de combinar con denim, pantalones fluidos y prendas de punto.

Para la oficina o un look más formal: funcionan muy bien una V moderada, un escote redondo elegante, un camisero o un cuello más cerrado. El blazer también nos permite jugar con un escote algo más abierto manteniendo el conjunto sofisticado, siempre teniendo en cuenta el contexto.

Para una cita: el cuadrado, corazón, V o asimétrico aportan ese punto especial sin necesidad de añadir demasiados elementos.

Para una fiesta o evento: los más utilizados son los escostes palabra de honor, halter, espalda protagonista, escotes profundos o asimétricos. Aquí el escote puede convertirse directamente en el detalle principal de la prenda.

En un traje, por ejemplo, el escote se complementa con la chaqueta. “Una V limpia debajo de un blazer prolonga sus líneas y estiliza muchísimo. Un top de escote cuadrado aporta contraste y feminidad, mientras que un cuello más cerrado puede dar una imagen más minimalista y contemporánea”, comenta la experta.

Además, los expertos consultados recomiendan no elegir el escote de manera aislada. Es decir, se debe seleccionar junto a los accesorios, materiales y texturas.

“Un mismo escote puede resultar casual, romántico, sensual o sofisticado dependiendo de todo lo que lo acompaña. La mejor elección será aquella que consiga crear la proporción que queremos y hacernos sentir cómodas y seguras con el look”, puntualizó Cadavid.

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Las prendas de color negro son versátiles, elegantes y funcionales, pues combinan con todos los colores y estilos.

Sin embargo, generan una sensación de calor. Eso, según Laura Manrique, consultora en innovación, diseño consciente y economía circular para el sistema moda, tiene una explicación.

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“La ropa negra o la ropa oscura absorbe más la radiación del sol y, por ende, se calienta más”, dice Manrique.

Por ejemplo, el blanco, y el amarillo y el azul en sus tonalidades claras, “son tonos que hacen que el espectro de luz rebote la onda de calor. Mientras que el negro lo que hace es que la absorbe y no rebota”.

Así las cosas, eso hace que las prendas se sientan más calientes.

En invierno, por ejemplo, “se lanzan colecciones con colores oscuros, como el negro, el azul marino, el verde oscuro y el vino tinto, porque son tonos que van a capturar el calor de afuera, la radiación del sol”, explica la experta.

Entonces, en climas cálidos o en verano, ¿el negro también sería una opción? Depende. El cuerpo también emite energía. Así que, si usamos ropa blanca, el calor que emitimos rebota contra la tela clara, mientras que la ropa negra, la absorbe.

Así las cosas, según lo explica Manrique, es válido usar ropa negra en esas condiciones, siempre y cuando sea holgada y esté hecha en fibras como algodón o lino para mitigar la sensación térmica.

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¿Cómo lavar y cuidar la ropa negra para que no pierda color?

El color negro tiende a desvanecerse más rápido debido a la forma en la que se tiñe la tela, lo que produce que la ropa de ese tono se vea opaca o grisácea.

Para mantener el tono, siga estas recomendaciones:

Antes de lavar su ropa negra, debe revisar la etiqueta. Ahí encontrará las indicaciones sobre productos, ciclos de lavado recomendado, temperatura y demás.

También se recomienda voltearla al revés y separar la ropa de color de la oscura para evitar manchas. Además, hacerlo evita que particulas de la ropa de color, se pegue a la ropa oscura.

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Otra sugerencia es separar la ropa por tipo de textura. Si lava la ropa pesada junto a la delicada, el roce puede dañar las fibras y darle un aspecto desgastado a la ropa negra.

Es clave utilizar detergente para ropa oscura, pues muchos productos de lavado contienen componentes para blanquear o aclarar las prendas.

También lavarla con agua fría y evitar el exceso de detergente para evitar que se queden particulas en la prenda.

Las prendas oscuras tampoco se deben secar bajo el sol, pues los rayos UV opacan el color. Se deben secar bajo la sombra.

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Las herramientas de calor son grandes aliadas para conseguir un alisado o unas ondas bien definidas. Sin embargo, lograrlo no requiere de aplicar el máximo calor, sino de utilizar la temperatura adecuada.

Aunque la recomendación más común es aplicar protector térmico antes del peinado, cada estructura capilar es única y requiere un nivel de calor específico para evitar la resequedad, el quiebre y el daño.

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Cada tipo de cabello requiere una temperatura diferente

El estudio del pelo realizado por Dyson, una empresa global y familiar fundada en 1993 y dedicada a la investigación y tecnología capilar, profundiza en las características y necesidades de los distintos tipos de cabello.

Según dicho estudio, el grosor y la textura del cabello determinan cuánto calor necesita para cambiar de forma.

Utilizar más grados de los necesarios no mejorará el resultado, sino que aumentará el riesgo de quiebre y pérdida de brillo.

Vale la pena mencionar que la forma del cabello se clasifica en cuatro grupos principales (1, 2, 3 y 4). Cada uno de ellos se divide en tres subtipos (A, B y C) que describen la intensidad del patrón del rizo, donde la A corresponde a la forma más suelta.

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Estas son algunas generalidades del estudio de pelo de Dyson:

Tipo 1 (liso a ondulado): el pelo más liso tiene un corte transversal redondo.

Tipo 2 (ondulado a rizado): suele describirse como con ondas en S y con un corte transversal redondo, pero más plano que el del tipo 1.

Tipo 3 (rizado con bucles más apretados): puede sufrir sequedad por la falta de sebo a lo largo del tallo del cabello. Es importante no aplicar calor excesivo al peinarlo, y es crucial retener el máximo de aceites naturales posible.

Tipo 4 (de cabello rizado a muy rizado): este tipo tiene una forma más plana y elipsoidal que crea rizos muy definidos. Es más fácil que estos se enreden y pueden ser frágiles si se les aplica calor excesivo.

Así las cosas, el cabello fino o delgado, al ser más sensible, puede trabajarse a una temperatura de 165 °C.

El cabello ondulado o de grosor medio requiere de maximo 185 °C.

Las texturas más resistentes, como el cabello grueso, abundante o con rizos muy cerrados, pueden requerir alrededor de 210 °C.

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El cabello dañado o con procesos químicos requiere de más cuidados

Si su cabello está dañado o ha pasado por procesos químicos fuertes, como alisados permanentes o decoloraciones, lo ideal es mantener la temperatura de la plancha lo más baja posible y evitar los peinados con herramientas de calor tanto como sea posible.

El cabello dañado puede sufrir un mayor deterioro al exponerlo a altas temperaturas.

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La preparación

Un buen acabado depende tanto de la herramienta como de la preparación previa. Los expertos recomiendan utilizar protectores térmicos y trabajar siempre con el cabello completamente seco (a menos que se use tecnología diseñada para moldear desde lo húmedo).

Dividir el cabello en secciones pequeñas también permite distribuir el calor de manera uniforme y evita la necesidad de repasar el mismo mechón varias veces, minimizando el desgaste de la cutícula capilar.

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La pandemia convirtió las zapatillas deportivas en el uniforme cotidiano y los zapatos de tacón sensato desplazaron a los tacones de aguja, que durante décadas simbolizaron la elegancia femenina. Sin embargo, la moda, siempre imprevisible, vuelve a mirar hacia las alturas.

Tras varias temporadas marcadas por el denominado ‘lujo silencioso’, basado en líneas depuradas y prendas discretas, las firmas de moda vuelven a reivindicar una imagen más expresiva, más teatral y, sobre todo, más divertida. El regreso de la estética de finales de los años noventa del siglo XX y de principios XXI ha abierto de nuevo la puerta al tacón de aguja.

Lea: Tipos de tacones: ¿cuáles son los más elegantes y cuándo usarlos según la ocasión?

Las pasarelas internacionales, las alfombras rojas y las colecciones para la próxima temporada recuperan el tacón alto como uno de los grandes protagonistas de un nuevo ciclo estético en el que no se trata solo de sumar centímetros; el regreso de los tacones altos coincide con un cambio de actitud.

“Noto muchísimo la vuelta de este tipo de tacón: hemos pasado unos años en los que todo tenía que ser cómodo y práctico y ahora siento que la gente vuelve a querer fantasear y a jugar con la moda”, explica la diseñadora y estilista Marta Herase sobre el regreso de este calzado.

Las propuestas de Saint Laurent, Prada o Gucci, junto con las apariciones de artistas como Zendaya, Dua Lipa o Anya Taylor-Joy sobre la alfombra roja, han contribuido a devolver protagonismo a un calzado que muchos daban por amortizado.

“Al final, en una alfombra roja todo el mundo pretende hacer un estilismo que se recuerde, y un buen tacón muchas veces marca la diferencia, además de completar el conjunto”, explica sobre cómo este tipo de calzado es un recurso que ayuda a elevar los estilismos en estas presentaciones.

El fenómeno ha despertado incluso un debate que va más allá de la moda. Algunos sociólogos e historiadores del vestido interpretan el regreso del tacón como un reflejo de una feminidad más tradicional o como una respuesta a un contexto social cambiante. Otros consideran que simplemente responde al carácter cíclico de las tendencias.

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Herase se inclina por esta segunda interpretación. “Yo lo relaciono muchísimo más con los años 2000 que con otra cosa: creo que después de tanto minimalismo y tanto ‘lujo silencioso’, ahora apetece divertirse otra vez con la moda, y el tacón forma parte de ese juego”, agrega.

Para la estilista, el regreso del tacón tiene mucho más que ver con la nostalgia que con cualquier lectura sociológica, y descarta además que quienes vuelven a subirse a unos zapatos de doce centímetros lo hagan por una cuestión práctica. “Nadie se pone un tacón de 12 centímetros porque sea práctico; se lo pone porque el conjunto lo pide”.

Ese cambio de paradigma coincide con una transformación del propio consumo de moda. Si durante la pandemia el armario respondió a una necesidad de funcionalidad, ahora vuelve a cobrar importancia el componente emocional.

La ropa y los complementos recuperan su capacidad para construir personajes, expresar estados de ánimo o convertir una ocasión cotidiana en algo extraordinario.

“Para mí cambian el estado de ánimo y el imaginario de un estilismo completamente: no es solo que estilicen, es que cambian hasta la actitud”, añade.

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No es casualidad, reconoce, que muchas veces el estilismo comience precisamente por el calzado. “Muchas veces el tacón es la primera pieza que elijo. Si el zapato tiene personalidad, el resto del conjunto prácticamente sale solo”.

El regreso del tacón tampoco supone la desaparición del calzado cómodo. Deportivas, bailarinas o zapatos de tacón medio seguirán ocupando un lugar destacado en los armarios.

La diferencia es que la comodidad deja de ser la única protagonista. Y, como tantas otras veces, los tacones parecen haber encontrado el momento perfecto para volver a pisar fuerte.

El algodón y el poliéster son dos de las fibras más utilizadas en la creación de prendas de vestir, pero tienen características diferentes en desempeño, calidad y durabilidad.

“El algodón es una fibra natural excelente en temas de respirabilidad: te permite mantenerte fresco, es amable con la piel. En su fase de descarte también es amable con el medio ambiente, porque se puede degradar mucho mejor y más rápido que otras fibras”, dice Laura Manrique, consultora en innovación, diseño consciente y economía circular para el sistema moda.

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El algodón también es una fibra que funciona muy bien para el uso diario, por eso, es usual encontrar camisetas, pantalones de drill y denim hechas con ese material.

Por otro lado, el poliéster es una fibra sintética, derivada del petróleo y altamente técnica.

El poliéster tiene un desarrollo que puede imitar la lana, el algodón y la seda. “Tiene esa característica porque es como si fuera una plastilina. Por eso, hoy en día el poliéster es una fibra que se encuentra en un porcentaje elevado en el mercado mundial de la ropa”.

A nivel funcional, el poliéster es una fibra muy resistente, eso nos permite, por ejemplo, “tener prendas o características con mezclas que hacen que no se arruguen, que no se tengan que planchar, que sea mucho más sólida al color, es decir, que nos aguante mucho más la exposición al color del agua o del sol”, explicó Manrique.

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Dicha fibra también se encuentra en vestidos de baño, ropa de playa y prendas deportivas, “que nos exigen más de ese tema técnico”. Además, el poliéster se adapta muy bien a desarrollos tecnológicos como el secado rápido y la protección solar, entre otros.

“Sin embargo, a nivel ambiental el poliéster no es idóneo porque es una fibra que no es biodegradable. Al venir del petróleo y ser una fibra plástica, tarda cientos de años en degradarse”, explica la experta.

Hoy en día, explica la experta, hay mucha más evolución en el procesamiento de la fibra, entonces hay tecnologías de biodegradabilidad y se siguen explorando alternativas para que no afecte tanto al medioambiente.

Algodón o poliéster: ¿cuál escoger?

Depende del uso. De acuerdo con Manrique, si una persona tiene un perfil de consumo más consciente con el medio ambiente, debería optar por prendas de algodón 100 % y revisar su trazabilidad: dónde fue cultivado, qué químicos se utilizaron en su fabricación.

“Hay muchas variables importantes para tener en cuenta. El algodón, por ser una fibra natural, suele ser más favorable en términos de salud. Sin embargo, es clave saber si el algodón es orgánico o tradicional, cuál es la huella de carbono que está generando, cuánta agua se usó”, dice Valentina Suárez, creadora de Universo Mola.

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“El algodón también tiene otra característica y es que al ser una fibra natural, pues durante los ciclos de lavado no libera microplásticos, que es otro de los temas que tienen las fibras sintéticas como el poliéster”, dice Manrique.

l poliéster, además, sigue liberando microfibras durante los lavados que “termina contaminando nuestras fuentes de agua”, dice Suárez.

Entonces, si el poliéster se utilizará en proyectos como el upcycling, o en algún tipo de reciclaje, puede funcionar bien porque termina siendo una solución", agrega.

¿En qué momento escoger el poliéster?

Según la experta, cuando necesites una fibra que tenga una exigencia técnica más alta. Es ideal para vestidos de baño, leggings y ropa deportiva.

“Unos leggings o una prenda hecha 100 % de poliéster que sea de baja calidad, es una prenda que básicamente está diseñada para volverse basura. Y el problema es que, cuando se vuelve basura no se puede reciclar, tampoco se biodegrada. Así que esa prenda se mantiene en nuestro ecosistema por cientos de años, que es lo que pasa hoy en día, que están en un botadero, en un desierto o en la mitad del mar”, asegura Manrique.

Por eso, se recomienda comprar prendas de poliéster de buena calidad, eso garantizará que sus prendas duren mucho tiempo en tu armario.

La industria de la moda sigue buscando alternativas y promoviendo un consumo más responsable, en el que las prendas se elijan pensando en prolongar su vida útil y en conocer de dónde vienen y en dónde terminan.

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Para la celebración de su cumpleaños, Kylie Jenner, la menor del clan de las Kardashian, eligió una torta blanca decorada con brillos de colores. En cuestión de días, las redes sociales se llenaron de cristales de colores.

Por estos días, el feed de Instagram y TikTok está inundado de imágenes y publicaciones que muestran brillos en celulares, productos de maquillaje y accesorios.

Es probable que los usuarios de plataformas digitales se hayan saturado del minimalismo y la uniformidad que marcaron la cultura pop durante los últimos años.

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Bedazzling: ¿De dónde viene la tendencia y cómo se llama?

El bedazzling, como se le conoce a la tendencia, está inspirado en el maximalismo de los 2000.

Es una tendencia que consiste en decorar y personalizar objetos, piel, ropa o accesorios pegángoles cristales, pedrería y brillos.

Su nombre viene del verbo en inglés bedazzle (deslumbrar) y pretende darle un toque glamuroso y llamativo a las cosas cotidianas.

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También hace referencia al Bedazzler, un aparato para manualidades para poner pedrería, tachuelas y cristales en ropa y accesorios.

María Fernanda Villamizar, creadora de contenido, explica que, pese a que Kylie Jenner se inspiró en la tendencia, no la creó. “No es algo nuevo, es una prueba de que se está volviendo mainstream”.

Las tendencias de moda, por lo general, son creadas por un grupo selecto de la sociedad (diseñadores de moda, directores de compañías, cantantes y artistas, por mencionar algunos) que comienzan a usar ciertos colores, materiales y estilos. Sus estéticas e intereses comienzan a llamar la atención de otras personas y se viralizan. Así las cosas, el mainstream hace referencia a una corriente o tendencia mayoritaria, es decir, cuando se vuelve masiva o popular y se convierte en un furor.

De acuerdo con Villamizar, desde finales del año pasado ha detectado que en TikTok hay cientos de creadoras de contenido que personalizan sus pertenencias y les ponen cristales y brillos.

La tendencia ha estado presente en la plataforma, según Villamizar, “porque es divertido y es una respuesta al clean look, al exceso de beige y al minimalismo que también abunda en esa red social”.

Así las cosas, muchas personas están comprando kits de cristales y personalizando sus productos, en especial, los que puedan volver a usar, como las tapas de la base de maquillaje, cremas, parlantes, fundas de celulares, “cosas que puedan conservar y que no se vayan después a la basura”.

También se evidencia la tendencia en sesiones de fotos, ropa y fiestas como una búsqueda por retomar las estéticas de los 2000. Así como en el maquillaje y los looks que recrea la maquilladora Sophia Sinot a la cantante pop sueca Zara Larsson.

“Sinot ha dicho que se inspira en la naturaleza y que en sus creaciones incluye cristales en el maquillaje y en los looks que usa Larsson, porque incluso se aplica escarcha corporal, una referencia directa a los 2000″.

Vale la pena mencionar que en la moda y las estéticas de los años 2000 —conocidas globalmente como el estilo Y2K— la visión del futuro, con la llegada del nuevo milenio, y la tecnología se interpretaron con brillo, efectos tornasolados, pantalones de tiro bajo y diademas de mariposa en el cabello.

Britney Spears, Christina Aguilera y Paris Hilton fueron las referentes del glamour y el estilo que inspiraban a las generaciones que crecieron con ellas.

En los últimos días, más personas se están uniendo a la tendencia. En cuanto a las marcas, algunas ya se habían dado cuenta del creciente interés por el brillo y los estilos de los 2000 y lo vienen aplicando en sus productos, como la marca Belah Beauty, que tuvo en su popup maquillaje decorado con brillos y accesorios creados por Paola Alonso.

“Para Paola no es un trend, ella se dedica a embellecer cosas con cristales y durante el pop-up había un espacio en específico donde estaban algunas obras de ella y que hacían parte de ese universo creativo que se inventó Belah Beauty”.

Para Villamizar, se trata de una tendencia interesante, “me parece una gran actividad porque al final son cosas que nos exigen estar más presentes en la era digital, y hacer actividades manuales. Es algo que también puedes compartir con amigos, que permite la personalización”.

El bedazzling también refleja un interés colectivo por alejarse de la sobriedad y la uniformidad del clean look y el minimalismo, y recuperar una moda más divertida y personal, que “vuelva a tener color”, como dice Villamizar.

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