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Mariposas gigantes salen volando de una canoa; guacamayas de colores vivísimos atraviesan el lienzo; palmeras o frailejones se ven, inmensos, en la lontananza; catedrales solemnes son besadas por una vegetación frondosa… Son estos algunos de los motivos de la obra de Pedro Ruiz.
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¿De dónde viene su preocupación por la naturaleza?
Mi ocupación y mi preocupación por la naturaleza son manifestaciones de pensamientos y sentimientos que, indiscutiblemente, tienen como causa inicial este impresionante lugar donde me tocó nacer y pasar la mayor parte de mi tiempo. Me cuentan que algunas personas lo llaman Colombia.
Me ocupé del tema de la naturaleza siempre desde mis primeros trabajos. Ahora, la preocupación sí es un asunto más reciente. Me imagino que con la ampliación de nuestra capacidad informativa, también nuestra conciencia se ha expandido. Y ese incremento en nuestro conocimiento de la relación del hombre con el ecosistema no me da una visión muy positiva. Es urgente un cambio, y siento que si existe alguna posibilidad de cambiar el mundo es cambiando nuestro mundo interior. El arte me parece una herramienta muy indicada para ese propósito, espero que algún día me permita aportar un grano de arena.
¿Puede decirse que, de cierta forma, su arte es un retrato de Colombia, de su gente y de sus paisajes?
Por lo menos esa es la intención inicial, pero las posibilidades del arte son muy amplias y variadas, y a veces quisiera lograr que no fuera solo un retrato de su gente y de sus paisajes, sino también de su alma.
No obstante, esas escenas podrían ser muestra y retrato de paisajes de otros lugares.
¿Qué aspectos de su obra son locales y cuáles son universales?
Tal vez la Biblioteca Natural sea el proyecto que marca el momento en el cual mis temas comienzan a referirse casi de manera exclusiva a este territorio. Pero el propósito es que desde lo local pueda entender lo universal. El proyecto se realizó en 1999. Se invitó a compartir durante un mes, en un diálogo de saberes, a diferentes representantes del mundo cultural de nuestro territorio: chamanes, escritores, científicos, artesanos y artistas.
La obra anterior discute con otros territorios y otros mundos, aunque siempre buscando comprender y alcanzar otras dimensiones, buscando un cambio o por lo menos vislumbrar formas diferentes de habitar este planeta.
¿Qué hace universal una obra de arte?
Habría que definir la noción de universalidad. En la actualidad existen estrategias que tienen como objetivo lograr una difusión muy amplia y unos precios exorbitantes. Si nuestro universo se limita al mundo del lujo y los negocios, le puedo asegurar que esa es una buena manera de volver “universal” su obra.
Prefiero reflexionar sobre las palabras de León Tolstói que predicen un arte que tendrá como objetivo unir a los hombres para la vida y para la dicha. Los artistas serán breves, claros y sencillos para que sus obras sean asequibles a todos.
¿Cómo nació la idea para la realización de una obra? Es decir, ¿cómo se enfrenta al lienzo en blanco?
Mis ideas son hijas naturales, así como mis obras. Es decir, mi enfrentamiento con el lienzo en blanco es muy amoroso. Primero lo toco, lo acaricio. Si la tela es barata le digo que no se preocupe por esas bobadas, y si es un lino italiano le digo que no me asusta tanto abolengo. Y arrancamos, nos divertimos mucho; también peleamos, pero siempre, al final, nos reconciliamos. Todo por el bien de nuestros hijos.
No sobra decir que soy algo promiscuo, hago lo mismo con tablas, cartones y papeles de toda índole.
Llama la atención en sus lienzos, además de la pulcritud del conjunto, el manejo sutil y estilizado del color. ¿Cómo trabaja el color de cada obra?
Pregunta difícil, porque no soy muy racional o, al menos, poco razonable. La intuición es mi maestra, y gracias a Dios no me abandona. Algunas veces sigo los sabios consejos de algún buen profesor en las escuelas y trabajo con las técnicas tradicionales, las que recuerdo. Otros días me levanto con ganas de un rojo intenso y agarro el tubo de color como si fuera un revólver y lo disparo contra la tela o lo que sea que se me atraviese por el camino. A veces la pulcritud y la sutileza las logro con pulcritud y sutileza, pero muchas otras veces manchando, raspando y madreando. El corazón, al final, es el que decide.
¿Qué determina el color predominante de una pieza?
La selva, el cielo, muchas veces el azar y algunas la actitud que quiero comunicar o que le quiero dar al tema. Pero es difícil definir mis intenciones. A pesar de las apariencias, me gusta experimentar y romper esquemas preestablecidos.
Alguna vez rechazaron uno de mis proyectos en un concurso de arte muy serio e importante, el tema era el narcotráfico, pero -según me relató uno de los jurados- nunca se detuvieron a analizar la obra: el color predominante era el rosado. Además, viéndolos de lejos, los cuadros solo representaban flores primorosas y paisajes bucólicos… fumigados con glifosato.
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Algunos colores, de cierta forma, identifican su universo pictórico: la preponderancia del dorado en muchos lienzos, ciertas tonalidades del verde y un azul sutil y muy bien trabajado, entre otros. ¿Por qué su preferencia por esos colores?
El dorado lo utilizo con frecuencia desde que inicié la serie del proyecto “Oro: espíritu y naturaleza de un territorio”. Siempre con la preocupación por lo que está pasando con el mundo, me propuse reflexionar sobre tantos asuntos que rodean el tema del oro, la problemática de la minería y los significados que tiene este metal para nosotros. Primero, me propuse intentar aportar algo a la dignidad de este lugar de la Tierra y los pueblos que lo habitan. El oro como energía y símbolo sagrado, no como aval de riqueza económica. Me refiero al oro para reverenciar nuestras culturas ancestrales y concientizar sobre lo valioso de tantos aspectos de nuestra vida cotidiana que son ignorados.
En cuanto al verde, no empleo ciertas tonalidades de verde, las uso todas. Y tanto y por tanto tiempo que un día me sentí ahogado por el verde, que fue cuando decidí pintar las bananeras rojas, símbolo de la violencia, pero -como me aclaró un niño alguna vez- también es símbolo de un país con mucho amor.
El azul es mi color preferido, creo que los franceses tienen algo que ver en el asunto, pero más que todo el cielo y el mar, por supuesto.
Hay elementos recurrentes en sus lienzos: el río, el paisaje, las guacamayas, los peces y las balsas. ¿Por qué?
Hay algo que me gustaría compartir: el arte no puede cambiar el mundo, pero sí puede cambiarme a mí y de algo debe servir ese hecho. Explico: he pasado por varios períodos en mi vida. Recuerdo que alguna vez, siendo todavía niño, se nos dañó un paseo al mar, me sentí muy frustrado porque no lo conocía. Pasé muchos días dibujando el fondo del mar y terminé recordando ese maravilloso primer viaje al fondo del mar.
Hubo un período en que fui dueño de las palmas de cera, toda otra época viví de la venta de amapola y ahora soy dueño de las barcas de Colombia, me han enviado fotos de pescadores de un lugar en la costa avisándome que me estaban plagiando. Mis temas son recurrentes porque siempre quiero estar acompañado de ríos, paisajes, guacamayas, peces, balsas y tantas otras maravillas.
Además de los dibujos –que rezuman la exquisita sensibilidad del maestro Pedro Ruiz, su universo sutil lleno de quietud, de silencio y de poesía–, completan su universo artístico y le otorgan también la unidad de un estilo, las esculturas. Piezas de distintos formatos, finamente trabajadas en bronce, en donde se aprecian las preocupaciones y los motivos que le son caros al autor.
En ocasiones da la impresión de que su escultura es una recreación en tres dimensiones de sus obras pictóricas, como ocurre a veces con ciertos artistas: Fernando Botero, o Aristide Maillol.
Mis propuestas escultóricas son, como dice, una recreación de mi obra en tres dimensiones…Por ahora. Vamos a ver cómo se desarrolla el asunto, pues al ser un trabajo colectivo las posibilidades creativas se amplían.
En efecto, la posibilidad de trabajar a cuatro, seis, ocho, diez y más manos son maravillosas. Acertar, pelear y equivocarse en equipo; es más interesante cuando se hace en equipo. Sólo tengo agradecimiento con el equipo que me ha rodeado estos años durante esta aventura.
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¿Cuál diría que es la principal diferencia entre la pintura y la escultura?
¿El sentido del tacto? Aunque yo toco mis pinturas –tengo también (entre el tintero) un proyecto pictórico que tendrá en cuenta a personas invidentes– y mis huellas digitales reposan sobre un Tiziano en la Galería Borghese, nunca es lo mismo que modelar toda una obra.
¿Cuáles son las diferencias y las afinidades entre sus pinturas y sus esculturas?
Mis obras en tercera dimensión son muy recientes, salvo algunos trabajos en cerámica y uno que otro proyecto escenográfico, pues casi siempre me mantuve en la segunda dimensión. La escultura, en mi caso, es un trabajo más colectivo y sólo ahí ya hay una gran diferencia con la pintura; por lo menos como yo la practico. Entrar a la tercera fue todo un reto, ya las cosas no sólo dependen del cristal con que se miran, también dependen de en qué ángulo está dispuesto ese cristal. Me explico: mi figura puede estar perfectamente proporcionada si estoy sentado, pero si me pongo de pie la señora se me vuelve cabezona; el David de Miguel Ángel, por ejemplo, está hecho para ser mirado desde un ángulo contrapicado. Pasar de la segunda a la tercera dimensión, como ya dije, fue todo un reto, ¿se imagina cómo será pasar a la cuarta? En las afinidades por las que me pregunta, tal vez lo importante es lo que llamamos ‘creación’, y todo lo que pueda incentivarla y entusiasmarla es bienvenido.
Las diferencias serían, entonces, la técnica, los procedimientos y los materiales. La escultura, en mi caso, es un trabajo más colectivo. Y la afinidad es que se trata siempre de Pedro Ruiz, la misma persona detrás del telón.
¿Qué le debe a su formación académica en la Escuela de Bellas Artes de París?
Muchísimo. Nunca terminé mis estudios, sobre todo porque no lo consideré necesario, pero pasar por ese recinto fue muy importante para mí. Lo básico fue darle todo su valor a la anatomía, la perspectiva, el dibujo y las técnicas tradicionales de la pintura (eran los años ochentas). Pero para lo esencial, es decir, el humor, el amor, soñar, discutir, imaginar… las calles y los cafés de París fueron más efectivos.
¿Cuáles son sus principales referentes de la historia del arte?
Mis referencias son todas las que mi estado de ánimo y las circunstancias que esté viviendo me indiquen. Si estoy muy pagado de mí mismo, saco una imagen de Las meninas de Velázquez para ponerme en mi sitio. Si me siento muy poca cosa me acuerdo de que en la ciudad de Montería hay una señora que me mandó decir que le cambié la vida, ahora es feliz copiando (y corrigiendo) mis cuadros. Si quiero soñar hay tantos artistas, famosos y no famosos, reconocidos y frustrados, a los que uno puede citar y copiar y robarle o, como se dice correctamente, apropiarse de sus ideas. Si me las quiero dar de contemporáneo, busco en internet lo último de lo último y lo intento, ahí lo difícil es tener la actitud correcta. Pero ojalá pudiera alcanzar lo que tanto admiro en Walt Whitman, Pina Bausch, Moebius, Picasso, Sting, Miguel Ángel, Velázquez, Bernardo Salcedo, Crescencio Salcedo, Paul Klee y tantos y tantos otros…
¿Están presentes en su obra estos maestros? Es decir, ¿se pueden percibir de alguna forma en sus lienzos, en sus esculturas?
Claro que están presentes… Siento que su influencia está presente cuando en mi estudio pasa la empleada y me dice “¡Don Pedro, eso que usted hace no es trabajo, pero qué maravilla!” y en la portería el celador, al ver la obra, decide por fin saludarme; y ya en la exposición recibo elogios y los curadores miran con el rabito del ojo para que no se den cuenta y el comprador no pide descuento y lo más importante: otro artista decide copiarme…
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Su padre fue un gran lector y, por lo tanto, usted creció en una casa con una biblioteca muy grande. ¿Está presente la literatura en su obra plástica?
Por supuesto, aunque no de manera literal. Podría decirse que en esa batalla por la erudición y la memoria literaria soy un herido de guerra. Me explico: soy un lector desordenado, aunque lo que sentía y sigo sintiendo por los libros es adoración, pues son mis compañeros, son parte de mí. Todos y cada uno, pero tanto el rigor inalcanzable de mi padre como su interminable biblioteca me enseñaron que el conocimiento que yo anhelaba estaba más allá de almacenar letras, más allá de las bibliotecas, los colegios y las universidades. Sin embargo, puedo asegurarle que muchos temas y actitudes, además de mi imaginación y el humor, fueron y son influenciados por tanto libro con el que me fue dado vivir.
Pero aclaro: no va a encontrar referencias directas a, por ejemplo, La montaña mágica en mi obra. A pesar de las montañas de magia que me gusta representar.
Además de los símbolos y las imágenes que hemos mencionado, hay otra metáfora recurrente en su universo artístico: el corazón. ¿Por qué?
Ese es un tema arriesgado, pero es una convicción muy fuerte que debo compartir. Lago de Montaña, un curandero de un pueblo de Nuevo México, le informó muy asertivamente a Carl Gustav Jung que los americanos estaban locos porque decían que pensaban con la cabeza. Lo correcto es pensar con el corazón. Ese dato me acompaña desde siempre y considero que es verdad, por esta razón titulé uno de mis últimos proyectos Lugar común. Una decisión arriesgada porque el tema es tratado de manera recurrente en toda clase de manifestaciones humanas, pero la consideré pertinente pues, finalmente, todos tenemos un corazón situado más o menos en el mismo lugar. Y quisiera recordar, en mi defensa, que hace algún tiempo el concepto de “lugar común” no tenía una connotación tan negativa, se refería al lugar donde todos podemos ir a tomar lo necesario… sin pagar.
Personas enhiestas por la solidez del bronce llevan sobre la cabeza palafitos macizos, unos más llevan sobre sí el peso de selvas enteras, otros cargan sobre ellos ciudades descomunales, como Atlas modernos. Un hombre solitario duerme sobre la superficie de una balandra que besan peces decididos, una mujer boga, en medio del océano mar, sobre una canoa. Otro hombre impulsa una balsa de la que salen, en desbandada, entrañables mariposas amarillas, a uno más lo nimba, en medio de la inmensidad del paisaje, apenas erguido en frágil equilibrio, un atardecer ocre e infinito…
Se percibe, maestro, en ocasiones, una gran soledad en su obra.
Sí, a menudo siento que estamos solos y por eso es importante aprender a disfrutar de la soledad. Me parece importante, pues es una oportunidad para poder reflexionar sobre el hecho de que finalmente todos somos hermanos.
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