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A los 79 años, la maestra María Nelly Rojas se encuentra en la plenitud de su trabajo artístico. Con la exhibición “Mutaciones”, curada por Carlos Ovalle en la galería de arte Espacio Alterno, en la sede de Uniandinos, en Bogotá, muestra obras emblemáticas de un recorrido de más de 50 años. Obras en papel y esculturas que dan testimonio del tránsito de Rojas por el arte que no solo pasa por la producción de obras, sino por años de docencia en algunas universidades.
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La primera escultura es una mujer campesina realizada en papel maché. “Le tomó casi un año hacerla. Era diciembre de 1971 cuando la vio terminada. En ese momento, Nelly, con su conocimiento como artista, confirmó que su obra había adquirido una presencia propia. Apreció el gesto circunspecto, la mirada reposada y los rasgos sutiles y marcados con los que había buscado representar a una mujer campesina… Al año siguiente “Rosa María” -como llamó a su escultura-descaradamente fue tildada como un plagio de George Seagal, (1924 – 2000, artista pop estadounidense conocido por sus esculturas hechas a mano, que representan escenas cotidianas de la vida estadounidense). Se trató de un comentario injusto y descalificador que desconocía las cualidades de la obra. Esto provocó que la obra fuera rechazada del XXIII Salón Nacional de Artistas en 1972, aquel infame certamen que marcó un hito y en el que no hubo evento de premiación. El crítico Eduardo Serrano no estuvo de acuerdo con ese juicio ligero y sin fundamento, y motivado por sus propias convicciones, decidió con determinación promover la apertura de un evento paralelo: el Primer Salón Nacional de Artes Plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano”, reza el texto de la muestra.
Al respecto, Eduardo Serrano, uno de los protagonistas de esta historia de veto, comenta “lo que dice el curador es correcto. Tal cual fue así. Nelly Rojas es una artista cuya sobriedad ha sido notoria en todas sus épocas, calificada dibujante, logra transmitir en sus composiciones sus preocupaciones tanto humanistas como plásticas”.
Luego vinieron otras esculturas a acompañar a “Rosa María”, como “Rosaura”. Sin embargo, la producción de estas piezas de campesinos se vio truncada por el veto del que fue objeto, lo que la llevó a dedicarse al hogar y a la docencia. En los años 80, mientras dictaba una clase en la Universidad de los Andes, se le ocurrió continuar con sus esculturas y se dedica a “elaborar versiones y representaciones de personas campesinas en papel Kraft para darles forma a siete figuras masculinas a las que llamó ‘Juan’”, comenta Carlos Ovalle.
En las paredes de esta muestra hay cajas de luz, dibujos y pinturas de temas que ha explorado como los troncos de los árboles o el agua. Además, la última serie que hizo desde la pandemia “Estados meditativos”. A diario, antes de sentarse en su taller ubicado en las Torres del Parque, en el centro de Bogotá, la maestra hace yoga, en el que encuentra inspiración para realizar esta serie de obras en tinta china.
El Espectador visitó su exhibición “Mutaciones”, que estará en la galería Espacio Alterno, en Uniandinos, hasta el 25 de noviembre, y conversaron sobre algunos aspectos de su largo recorrido de más de 50 años en las artes plásticas.
¿De qué manera se afectó su obra con el rechazo del que fue objeto para participar en el XXIII Salón Nacional de Artistas de 1972?
Antes de hablar de la afectación en la obra, quiero contarles que en el momento de recibir la noticia de la no aceptación de Rosa María al mencionado salón nacional, pensé: ¿cómo se puede dar un concepto tan radical, sin conocer el proceso de creación de una obra, en dónde está la responsabilidad y la objetividad del jurado de dicho salón?
Después de este hecho desagradable, me dediqué a dibujar y a investigar sobre el camino de mis futuras esculturas, averigüé cómo hacían los maniquíes de esa época, hace 50 años; con la cinta de papel Kraft encolada y usando la misma factura de las anteriores esculturas en papier maché, hice calcos sobre el modelo, dándole un acabado lineal, elaborado con tiras delgadas de papel, en un ejercicio que fusiona la escultura y el dibujo.
Su obra, especialmente las esculturas “Rosa María”, “Rosaura” y “Juan”, ha mutado con el tiempo. ¿Cómo relaciona esa transformación con su intención al crearlas?
En esa relación del que decir y cómo decirlo escogí a los campesinos colombianos como tema. Con “Rosa María”, “Rosaura” y los “Juanes” manifesté mi herencia ancestral y mi intención de la mutación de ellas, se produjo por la selección apropiada de los materiales blandos con que fueron creadas. La conjunción del papel maché y papel Kraft, y la acción del tiempo sobre ellas, ha significado su transformación.
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¿Qué significa para usted ver en esta exhibición piezas de su obra de más de 50 años de carrera plástica?
Para mí es muy gratificante ver en esta exposición, curada por Carlos Ovalle, mis esculturas llenas de vida. Sentir la permanencia de su presencia, ellas mismas contienen el tiempo pasado, al ver cómo fueron creadas, los materiales que usé para su estructura y los materiales utilizados en su proceso creativo, su metamorfosis y su tiempo actual.
¿Cómo ve su ejercicio de docente en las facultades de artes plásticas donde trabajó de manera simultánea con su obra?
Asumir la atención que demanda cada actividad: la docencia y la creación artística fueron dispendiosas, pero enriquecedoras, porque en la docencia desplegué mi creatividad al desarrollar ejercicios de dibujo para el programa; algunos de esos ejercicios como los de contorno interno de la figura humana, los incluí en las esculturas en su última capa con líneas de papel delgadas y cortadas. Se producen varios enlaces: la actividad docente y la creación artística, la escultura con el dibujo y la pintura.
En su obra reciente se percibe una obra de carácter más íntimo, casi que introspectiva. ¿Qué la llevó a este punto?
Hace 30 años tuve la necesidad de calmar mis ruidos internos. Conocí a Danielle Tripod, mi maestra espiritual, e intensifiqué mis meditaciones diarias. Así comencé un camino de conocimiento espiritual.
Llegar a articular este camino con mi expresión artística me tomó años. En las pinturas escogí las cortezas de los árboles como metáfora del conocimiento de quién soy. De la misma manera, como se ve el tronco del árbol, cuando sus cortezas se caen. Igualmente, cuando me despojo de mis capas emocionales, tengo más conciencia de mi realidad.
Los dibujos son más recientes, están elaborados en tinta china negra con texturas blancas y azules, predomina la línea vertical, como manifestación de la conexión y comunicación arriba y abajo, expresando también las sensaciones percibidas en mis meditaciones.
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