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Las películas de Iñárritu se centran en el detalle, en las gesticulaciones como espejos de las emociones más intensas y de los instantes más definitivos y traumáticos de sus personajes. El roce de la intimidad y cotidianidad de los protagonistas causa el efecto preciso de la intensidad de cada vivencia y lleva al espectador a sentir escozor y ansiedad a la vez sobre el destino final de ese plano-secuencia.
Se podría deambular en las múltiples razones que llevan al director mexicano a constituir una identidad alrededor de un cine que es contado desde lo más inmediato del comportamiento humano, desde lo espontáneo y lo natural, y aún así, caer en aseveraciones que estarían fuera de contexto. Sin embargo, podría decirse que dos experiencias llevaron a González Iñárritu a ser descriptivo, meticuloso y minucioso con sus relatos y sus apuestas cinematográficas: sus años navegando el Océano Atlántico y sus estudios de cinematografía en Maine, ciudad situada al noreste de Estados Unidos, con el director de origen polaco, Ludwik Margules, quien huyó de Europa a causa de la Segunda Guerra Mundial para instalarse en México y Estados Unidos, países desde los cuales continuó enseñando técnicas teatrales y de dramaturgia.
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Sobre la primera experiencia se sabe que fue entre los 17 y los 19 años. Su morada fue un carguero que resultó transportando mercancías por el agua y musas por el tiempo. Esa embarcación le permitió al entonces joven mexicano conocer Europa y parte de África. No obstante, más que una expedición por el mundo y el desorden de las olas, el viaje del mexicano se convirtió en una exploración trascendental de su destino, de su interior y de sus ideas más intrínsecas y determinantes. De allí surgió su libertad, esa misma que anhela y concibe en el cine y le permite reinventarse entre los aires por los que han transcurrido sus sueños de la infancia y que ha plasmado en varios de sus personajes icónicos.
De esa libertad, alejada del significado utópico e incierto de la palabra, se subordina su creación, su actitud errante, pues así como lo afirmó en una de las primeras entrevistas que concedió a sus 32 años cuando era el artífice de los comerciales y campañas publicitarias más reconocidas del canal 5 de Televisa, la libertad era un compromiso con la calidad, con la capacidad de enfrentarse a nuevos retos e imponerse a los miedos que implican los cambios, lo desconocido y lo incierto.
Luego de 12 años en los que González Iñárritu trabajó en radio y televisión en México, se fue a Estados Unidos a complementar los estudios en cinematografía que ya había iniciado anteriormente en su tierra natal. Allí, en Maine, aprendió de Ludwik Margules, un director que fue dibujándose como un símbolo del teatro en Norteamérica por su metodología y su virtud de aflorar en sus estudiantes y actores una especie de catarsis que se desenvolvía en los comportamientos y ademanes que asumían sus discípulos en los escenarios, en ese lugar sagrado que jamás debía ser subestimado y que debía establecer una conexión íntima entre el protagonista y el público, de manera que el rigor y la disciplina debían traducirse en una híbrido entre la ficción basada en experiencias compartidas y la realidad que teje las pasiones de quienes están en el teatro.
Aquellas remembranzas transformadas en un estilo sumamente descriptivo y riguroso en detalles también suelen ser asociados con una influencia del neorrealismo italiano, ese movimiento que se desarrolló en la posguerra y que realzó el valor de los detalles a la hora de describir a grandes rasgos a una sociedad plagada de individuos iracundos y rencorosos. Así, en cabeza de Michelangelo Antonioni, director del documental Gente del Po, se halla una referencia o, si se quiere, un horizonte que González Iñárritu observó con admiración y desvelo, pues entendía que con la identidad de ese relato sensible y específico se podían mezclar algunos de los visos literarios que adquirió con las lecturas de Octavio Paz y los libretos que escribió en los primeros años de su carrera con Guillermo Arriaga.
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“Nada soy yo, cuerpo que flota, luz, oleaje; todo es del viento y el viento es aire, siempre de viaje…”, dice el poema Libertad bajo palabra de Octavio Paz, aquel escritor y poeta mexicano que extendió sus raíces y sus frutos en los bosques de las artes latinoamericanas, pues como el contexto aquí lo demuestra, los versos del poeta no solo flotaron en la literatura, sino también en la estética de un director de cine que entendió que el ritmo de sus producciones debía ser tan intenso como esa exaltación de las pasiones que provocaba Paz con su imaginación y perspectiva.
Libertad, vuelo, exploración e imaginación son pilares de la obra de González Iñárritu. Él mismo se entiende que como artista, su compromiso está en emprender una odisea entre mares jamás navegados. Que cada nueva expedición es un nuevo compromiso al rigor, a la transparencia y a la fidelidad de su relato con el comportamiento humano. Su libertad se basa en eso, en permitirse deambular y volver a empezar. En creer que el vuelo no solamente existe en la experiencia onírica del director y en los versos a los que aún retorna en búsqueda de ese esquivo concepto de belleza e infinitud. Esa libertad que pregona y que convierte en su credo es la que reflejó en Amores perros, 21 gramos, Birdman y The revenant, obras que lo llevaron a obtener varios premios que van más allá de las estatuillas y que se configuran en un legado y en una recuperación del cine mexicano, ese que a mediados del siglo xx se bañó en oro y se había extraviado en el tiempo.
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