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Si la obra de Liliana Porter se tradujera en palabras, sería un poema breve pero contundente, como un haiku. Unos figurines se posan en espacios blancos, monocromáticos en un tiempo que es antes, ahora o después. Todo pasa en algún lugar y en ninguno. La fuerza de su creación reside en traducir algunas preocupaciones existenciales resueltas en la plástica de una manera entrañable y única.
La Galería Casas Riegner presenta la exposición Situaciones de esta artista argentina radicada en Nueva York desde 1964. Es uno de los nombres más destacados en el arte contemporáneo latinoamericano. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, como el Metropolitan Museum y el MOMA de Nueva York, el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires y la Colección Daros en Zurich.
Esta muestra se conforma de siete pequeñas instalaciones de objetos en madera y figurines. Cada una de ellas se convierte en un mundo acaso real, acaso iluso, que con extrañeza y dulzura, con simplicidad y profundidad esboza una sonrisa en los espectadores y apela a su sorpresa. Tiempo y escalas se interponen en un juego de bricolaje enigmático que son una constante inquietud en la obra de Porter.
Un artista tiene varias búsquedas o simplemente una. ¿Cuál es su caso y qué busca?
Un artista, como cualquier otro ser humano, busca llegar a un acuerdo con la realidad. Tratar de entender qué cosa está haciendo acá, parado sobre esta tierra, y en consecuencia diseñar algún tipo de estrategia para ocupar ese tiempo indefinido. En mi caso, esa tarea se resuelve básicamente a través del arte. Y el tema principal que sustenta la obra parece ser una reflexión sobre el límite entre lo que llamamos real y lo que llamamos virtual o ilusorio.
Su expresión artística juega mucho con los conceptos de causa y efecto, de acto y respuesta. ¿Qué ha significado esto a lo largo de su obra?
La obra es un diálogo conmigo misma y con mi compañero(a), es decir, el supuesto espectador. Es un diálogo lleno de sorpresas y básicamente muy positivo.
Hay muchos detractores del arte contemporáneo, de sus experimentos y de la búsqueda de “nuevos medios de expresión”. ¿Qué opina al respecto y cómo definiría sus líneas artísticas?
Ser detractor del arte contemporáneo es lo mismo que no aceptar la contemporaneidad en general. Es, en mi opinión, una rara e incómoda posición, algo así como caminar mirando hacia atrás, requiere una especie de malabarismo extraño. Más bien yo creo que la gente que no acepta las expresiones de arte contemporáneo es porque no las entiende y se desespera un poco. Es que todo idioma requiere de estudio, hay que estudiar para entender.
¿En qué temas le gusta insistir?, ¿cuáles son sus obsesiones recurrentes?
En el tema de la representación, en el tema del tiempo, en el tema del diálogo entre personajes disímiles.
¿Hay una especie de paradoja de soledad y autosubsistencia en estas obras expuestas?
Hay una conciencia de nuestra básica imposibilidad de entender las cosas más importantes, pero al mismo tiempo una dosis de humor, que es una herramienta útil de supervivencia.
Después de 50 años de carrera artística, ¿con qué tipo de decisiones se encuentra hoy en día?
Básicamente uno sigue preguntándose las mismas cosas, y en mi caso muy feliz de poder hacerlo y de saber que aunque no llegaré nunca a ninguna respuesta o explicación definitiva, esa ignorancia es el motor para seguir haciendo arte, que es lo que más me hace feliz.
¿Cómo escoge los figurines que conforman su obra?
Los encuentro en mercados de pulgas, casas de antigüedades, jugueterías. Cuando los veo, los reconozco enseguida. Es como si me hubieran estado esperando.
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