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Desde que empezó a tocar la percusión, el bogotano Samuel Torres se fascinaba por los arreglos. Oía las letras, sí, pero lo que lo enloquecía era lo que pasaba detrás. Cuando entró a estudiar música en la Universidad Javeriana, estudiaba de día y por la noche tocaba en la banda Privilegio, de su tío Edy Martínez.
Al principio, se dedicó a la percusión sinfónica, luego se salió a tocar congas: todos en su familia pusieron el grito en el cielo, aunque al final le permitieron seguir su camino.
En su tiempo libre, Torres consiguió un secuenciador y empezó a juntar ideas.
Se imaginaba melodías e iba uniendo cosas… No sabía componer, pero inventaba. “En cuarto semestre, tuve una reunión con Guillermo Gaviria, el decano, porque no estaba haciendo ningún énfasis y por ende no me iba a graduar. Me dijo: ‘¿Qué vamos a hacer? Tiene que oficializar la carrera’. Yo tenía un casete con esos temitas de jazz latino que estaba componiendo y le mostré. Él oyó y me dijo: ‘Samuel, no estudie percusión. ¡Estudie composición!’”, recordó el músico.
Así fue que empezó la trayectoria de Torres en la música, en la que la percusión sigue siendo protagonista, pero la composición se convirtió en una acompañante fundamental. De hecho, Torres ganó en 2019 el Premio Grammy Latino al Mejor Álbum Clásico con su álbum “Regreso”, un concierto para congas y orquesta sinfónica.
El músico bogotano será uno de los invitados principales al Ibagué Festival, en el que se reencontrará con la orquesta con la que grabó “Regreso: la nueva filarmonía”, dirigida por Ricardo Jaramillo.
Usted es sobrino del legendario pianista de jazz Edy Martínez. ¿Recuerda en qué momento hizo conciencia de ese acervo musical?
Yo tenía 3 o 4 años, vivíamos en el barrio La Soledad con mi mamá y mis abuelos, y mi tío vino dos veces y se hospedó con nosotros unos meses. Me acuerdo de la emoción: “Llegó Edy” y traía videos donde salía tocando en Nueva York. Trajo también un piano Fender Rhodes que a mí me fascinaba tocar porque el tío Edy me enseñó la escala de Do mayor. Fue una infancia alrededor de la música porque mi abuela dirigía el coro de Navidad en la iglesia de La Soledad y yo cantaba. Ensayábamos desde el primero de diciembre, hacíamos las novenas y, en una ocasión, el tío Edy tocó el órgano. En fin, para mí oír hablar de Gato Barbieri o de Mongo Santamaría era como oír sobre miembros de la familia.
¿Qué percusionistas de jazz latino o de salsa fueron su inspiración para comenzar?
El primer conguero que me cautivó fue Ray Barretto. Mi tío tocaba con él y siempre me fascinó el concepto de su banda. Sobre todo, hubo un disco que me cambió la vida: “The Other Road”. Un disco muy de vanguardia que, de hecho, fue una catástrofe comercial porque era Barretto tratando de hacer jazz latino, pero él era una estrella de la salsa. Mi abuela ponía ese disco muy seguido, pero más adelante, cuando ella ya no estaba, lo redescubrí solo. Me transmitió la energía y la felicidad de esa primera infancia. El siguiente conguero que me marcó, y me sigue marcando, fue Patato Valdés. Los cubanos tienen algo y es que afinan las tumbadoras en notas específicas, pero Patato era muy preciso en la afinación. Hay un disco que se llama “Just Like Magic” y esa parte melódica de la percusión me fascinó. Ese hombre ponía los tambores a cantar.
En el ámbito del jazz latino, al que usted ha aportado tanto, quizá su sello principal tiene que ver con la inclusión de elementos afrocolombianos…
Curiosamente, la percusión afrocolombiana no la estudié tanto mientras estuve en Colombia. Mis primeras clases de percusión fueron con Luis Pacheco y él me enseñó acerca del merecumbé y del mapalé. Pacheco conocía el folclor y lo aplicaba al jazz; en esa época él estaba en el grupo de Óscar Acevedo. Pero en general, en esa época, cuando se tocaba música colombiana, era repertorio de orquesta tropical: no se usaban tambores afrocolombianos, sino congas y timbales. Resulta que después empecé a asistir a varios conciertos de Totó la Momposina y allí conocí a Batata, su tamborero. Nunca pude estudiarlo profundamente. Fue viviendo en los Estados Unidos que empecé a pensar cada vez más en el folclor y a aplicar toda esa memoria dentro del lenguaje del jazz latino.
Hablemos de “Cíclica”, la obra que usted presentará en el Ibagué Festival, al lado de la Orquesta Nueva Filarmonía. ¿Cuál fue la inspiración para componerla?
Yo me imagino muchas cosas. No es que mi música sea programática, pero sí hay una historia que se narra en “Cíclica”. Es como el ciclo de la humanidad que ha hecho tantas cosas horribles. En este caso es el viaje de las tradiciones afro, que llegaron a las Américas por las personas esclavizadas. Entonces el primer movimiento se llama “Nostalgia” y es el recuerdo, la memoria del dolor de todas esas comunidades. Yo estoy hablando desde mi imaginario porque yo no viví eso, pero trato de recrear ese dolor de ser sacado de la propia tierra. El segundo movimiento se llama “Viaje adentro” y son esas comunidades entrando a lo profundo del continente. Por eso están los ritmos del Pacífico, el bambuco, la chacarera, esa esencia de tierra. El tercer movimiento es “Encuentro” y representa el encuentro de lo afro con lo indígena: ahí es donde sale la cumbia. Y en el cuarto movimiento, “Tierra luz”, en donde me imagino lo que empezamos a vivir después de los noventa, el orgullo y la riqueza de nuestras tradiciones afro y cómo eso nos han representado en el mundo.
Aún estando lejos de Colombia, usted se muestra preocupado por la realidad nacional: tituló su álbum de jazz “Forced Displacement” (desplazamiento forzado). ¿Por qué hizo un disco sobre un tema tan dramático?
Era la época en que empezábamos a hablar de esos temas, la época del proceso de paz. Y yo quería incluir eso en mi música. Empecé a investigar junto con amigos folcloristas, y varios me dijeron: “La persona con quien tienes que hablar es Emilsen Pacheco”, un tamborero de San Juan de Urabá que ha desarrollado el bullerengue y que tiene esa conciencia social. Pude ir hasta allá, me senté a hablar con él un par de días y uno de los temas fue el desplazamiento forzado. Precisamente, el álbum está basado en esas conversaciones. Fue muy profundo. Y luego en la noche venían los toques de música; ahí pude conocer la riqueza del tambor. Me acuerdo de que yo pensaba: aquí los roles cambian, porque en las músicas occidentales la percusión mantiene el groove y los cantantes van haciendo un montón de melodías; en cambio, aquí yo sentía un mantra repetitivo, mientras que el tambor alegre era el que hacía todo, subía, bajaba, creaba texturas, era el gran solista.
Por último, ¿qué expectativas tiene de estar en Ibagué, la ciudad musical de Colombia?
Sé que va a ser fenomenal, primero, porque es en el Conservatorio del Tolima. ¡Y además la entrada es libre! Las músicas que se catalogan como académicas o clásicas, por lo menos aquí en Estados Unidos, están ligadas a una clase social: si quieres ver a la New York Philharmonic, cada boleta vale cien dólares. Yo en cambio pienso que estas músicas tienen que ir a donde está la mayor cantidad de gente. Me han dicho que habrá estudiantes, que habrá gente con ganas de apreciar la música, eso es un público maravilloso. Y sé que la orquesta va a estar increíble porque ya he trabajado con el director, Ricardo Jaramillo, y es todo un goce.
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