Mundos de Carlos Rojas

Era frecuente verlo recorriendo   anticuarios y mercados de pulgas. Con el tiempo, cuando se consolidó como artista y ‘coleccionista’, la gente seguía los caprichos de sus escogencias sin pensar ni  cuestionarse, pues la fama que se creó en torno a Carlos Rojas era que tenía un excelente gusto y sabía lo que hacía. Rojas fue uno de los artistas que, junto con Édgar Negret, Feliza Bursztyn, Eduardo Ramírez Villamizar y Manuel Hernández,  lideró el movimiento del arte abstracto en Colombia durante los años 70 y 80, y uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX.  

A mediados de la década del  50,  cuando aún era muy joven, hizo las primeras exposiciones colectivas con artistas algunos años mayores que él; entonces  la voz de los críticos del momento se levantó para resaltar su trabajo.  Al tiempo que Marta Traba reconocía su talento, cuestionaba su exceso de exploración en distintos estilos. Mientras Traba estuvo en Colombia, sus críticas acerca de Rojas variaban como en una ambigua relación de reconocimiento y exigencia. Sin embargo, en el tiempo esa variabilidad se convertiría en una de las fortalezas de su trabajo.  

Hoy, 11 años después de su muerte y varias retrospectivas más tarde, el Museo Nacional hace un homenaje que muestra no sólo la obra de este importante artista, sino varias facetas de su vida que sirven de clave para descifrar cómo llegaba a su trabajo.

Nicolás Gómez, Julián Serna y Felipe González, investigadores y curadores de la muestra, decidieron irse a sus objetos para, a través de ellos, hablarle al público del arte abstracto, pues en estos encontraron que había una profunda conexión con su estética.

Consideraron que más que un coleccionista, Rojas era un recolector: “la diferencia entre una cosa y la otra está en que Rojas no tenía necesariamente una mirada técnica y fría para escoger los objetos que coleccionaba. Guardaba  piezas precolombinas, arte chino, semillas, artesanías, objetos muy valiosos y otros menos. Tenía incluso basura que en ocasiones guardaba y usaba para su obra”.  explica Nicolás. Era en los años 80 cuando esos pedazos de madera, bolsas o cualquier cosa que encontraba en sus recorridos, aparecían convertidos en arte bajo las expresiones:  Sin Título técnica mixta, que podía abarcarlo todo y que a la geometría propia de su arte le agregaba texturas que provocaban mayores sensaciones en el espectador.

Esta perspectiva la complementa el director del Museo Art Deco, Carlos Alberto González, quien en más de una ocasión lo encontró en anticuarios,  “el ojo de Rojas para escoger sus objetos tenía no sólo la perspectiva estética del coleccionista, sino también un aspecto emocional. Por esto, la colección es tan variada, hay de todo”.

“De ahí, de esos objetos salía la obra de Rojas. La serie de líneas hacen referencia a los paisajes de principios de siglo XX, por ejemplo. De la cercanía con la artesanía y con el barniz de Pasto, también hay referencias en su trabajo pictórico”, comenta Serna.   

Más de un mundo

Después de esos primeros años de experimentación, el estilo Rojas —que según él consistía en que “no había tal cosa como estilo Rojas”— se consolidó. En 1958, cuando contaba con sólo 25 años, representó a Colombia en la Bienal Internacional de Venecia y en la Bienal Internacional de México. 

En 1969 ganó el Salón Nacional de Artistas. Sin embargo, la ausencia de Marta Traba de este Salón jugó en contra tanto de la organización misma del Salón como del reconocimiento a la obra ganadora.

Durante los años siguientes, Rojas no sólo trabajó en su taller. También llevó a cabo una importante labor en Artesanías de Colombia que marcó el destino de esta institución, y cuyos resultados se ven cuatro décadas más tarde. Junto a Pablo Solano recorrió el país de arriba a abajo para hacer un diagnóstico del estado de la artesanía en el país. De este trabajo nació la Escuela Taller, en donde los artesanos recibieron orientación por parte de diseñadores y donde experimentaban con técnicas artesanales distintas. Esto permitió crear procesos de calidad que incluso hoy marcan la diferencia de la artesanía colombiana con la de otras partes del continente.     

Rojas también fue director de la División de Museos en Colcultura, coordinador de exposiciones en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y de algunas versiones del Salón Nacional. Una de sus preocupaciones era darle a la obra el espacio necesario. Así como la geometría, la pulcritud estética y el gran concepto de color estaba presente en su obra, también lo estaba a la hora de organizar el espacio del museo.

Sin embargo, las propuestas espaciales que Rojas creaba para el arte eran diametralmente opuestas a las que había creado en su esfera personal. Mientras más limpio era su espacio artístico, más atiborrado y exuberante era el vital. Pero de éste salían los códigos para el primero.

En los años 80, cuando el arte abstracto dejó de ser en nuestro país una vanguardia con cinco representantes (Rojas, Negret, Bursztyn, Ramírez y Hernández) que tenían que defender su trabajo como si fuera una convicción, Rojas apadrinó a un grupo de jóvenes artistas que enriquecieron el panorama del abstraccionismo en el país:  Danilo Dueñas, Luis Roldán, Cristo Hoyos y Consuelo Gómez, entre otros, hacían parte de los discípulos de Rojas. Hasta el día de su muerte, en 1997, Carlos Rojas hizo de su vida parte de su obra. Ya sea con sus objetos, con sus inquietudes por el medio artístico o por sus enseñanzas como profesor de diseño y de arte. El reconocimiento y el homenaje que esta exposición le rinde busca recoger todas sus facetas y todos los mundos que habitó.

Actividades paralelas

Miércoles de visita. Miércoles 18 de junio. ‘Los Lugares comunes’, charla que propone establecer conexiones entre las estrategias creativas de Rojas y las referencias visuales que tomaba para su obra. Por Nicolás Gómez (investigador y curador de la muestra).