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Una gran idea es producto de los interludios. De los instantes de silencio. De las pausas activas que dejan que los pensamientos respiren y hacen que los ruidos que sobran se desvanezcan. Sucedía mucho en las salas de redacción antes de pandemia. De los cafés y cigarrillos que los periodistas compartían surgía una cascada de inspiración que ahora es más difícil encontrar. Albert Hammond Jr., guitarrista de The Strokes, sabe muy bien cómo funciona eso.
A veces le llegaban a la mente acordes, pero estaban incompletos. Salía a correr y llegaba un verso o la batería. Lo que hacía era un ejercicio constante de poner cada pieza en su lugar correcto. Y esperó. Mucho. Desde 2018 no publicaba un álbum en solitario. Se tomó el tiempo de reposar sus ideas y ensamblarlas. No tenía urgencia. Este viernes lanzó Melodies on Hiatus, que se traduce como Melodías en pausa, un disco que, además de relajante, invita a reflexionar sobre la importancia de las pausas para crear. En entrevista habla de sus canciones y su proceso.
¿Por qué los humanos estamos tan obsesionados con el pasado? Lo digo porque los fanáticos de un artista o una banda siempre ansían que publique nuevo material, pero a la vez desean que no se alejen de lo que ya han hecho… Le tememos a lo nuevo, pero lo deseamos. Es una contradicción…
Sí, eso es muy divertido. No sé cómo responder. Cuando eres joven y escuchas algo que te conmueve de cierta manera, eso es como una droga, ¿verdad? Así entiendo esa demanda o contradicción: ellos quieren algo nuevo con la esperanza de poder sentir lo que ya sintieron de nuevo, pero con algo diferente esta vez. Quieren sentir esas sensaciones y tienen miedo de que las lleves a un lugar donde no es lo que buscan. Pero ese es el punto con esto. Existe la posibilidad de recrear esa sensación especial al descubrir algo aún más grandioso en algo fuera de lo familiar. Es comprensible que tengan miedo de que sus expectativas no se cumplan. La música puede ser contradictoria, como lo es la vida. El matiz es básicamente tener ambos lados presentes (lo pasado y lo nuevo). Y tal vez eso sea una buena lección.
Hablemos del nuevo álbum. ¿Hubo algo que te acompañara en la composición? Tal vez una película, un libro, una banda sonora… El disco me transmite mucha nostalgia, todo me ubica en los años 80.
Desafortunadamente nunca creo de esa manera. Es difícil de explicar. Tengo un conocimiento enciclopédico de cosas que me gustaban, ¿sabes? Incluso de bandas que no disfruto, pero hicieron algo que me gustó. Aprovecho esos pequeños elementos y los almaceno en mi cabeza. Ahora, cuando escribo, experimento momentos en los que me pierdo y no estoy presente. Esos son los momentos de verdadera creatividad donde encuentro algo especial. Uso esas ideas y referencias que tenía en mi mente para expandir y enriquecer mi trabajo. Recuerdo algo, como un verso, un estribillo o una batería, que te lleva en una dirección. Luego intentas expandir esa idea. Así que el proceso de creación implica reunir todas estas piezas pequeñas como si fuera un bloque de mármol al que vas picando lentamente. Hay tantos errores y muchas veces accidentes felices de cosas que suceden simplemente porque estás en el momento.
Entiendo eso. Y lo proguntaba porque la intro de Old Men me da vibras de Take on Me de A-Ha.
Tenía más una vibra de “I Got My Mind Set on You” de George Harrison. Estaba como en mi cabeza, luego no me gustó, luego volvió a sonar. Es el ejercicio de recordar y poner las piezas en su lugar.
Como un cubo de Rubik. ¿Cuál fue la canción que más aprendizajes te dejó en este álbum?
Las canciones tienen momentos diferentes. Nunca experimentas la música de la misma manera. ¿Qué me ha conmovido? Siento que los solos de guitarra son como tener una gran conversación que hace que se me ponga la piel de gallina. Hubo partes así en Libertude y en Dead Air. Para ser honesto, diría que todas ellas. El final de 100-99 también me hizo sentir muchas cosas.
Hablando de solos, he leído a tantas personas en comentarios de tus videos diciendo que quieren aprender guitarra solo por lo que has hecho. ¿Cómo te sientes al inspirar a la gente de esta manera?
Eso es algo muy surrealista. Admiro a muchas personas en mi vida, así que es difícil creer que pueda hacer sentir a alguien eso mismo. Es una sensación loca. Por eso, cuando estaba creando la guitarra para Fender, esa fue la idea. Estaba tratando de hacer algo que sonara realmente bien y que fuera lo más barato posible, porque quería que fuera la primera guitarra de alguien y que pudieran hacer lo que quisieran y se convirtieran en su propia versión si los he inspirado. Cuando se convierten en su propia versión es emocionante porque tú te conviertes en una pieza de su historia. Así que todo continúa de la forma en la que vi a otras personas que admiraba: crecí, tomé cosas de ellos, me convertí en lo que soy, y luego me convierto a través de lo que toman las personas de mí. Así que incluso ser una pequeña pieza en la vida de alguien es muy poderoso. No tengo palabras para eso y no soy suficientemente bueno con ellas para poder expresarlo.
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La compositora Simon Wilcox colaboró con las letras del álbum. ¿Cómo fue el trabajo con ella?
Fue una gran experiencia. Nos pusimos al teléfono y tuvimos grandes conversaciones. Siempre canto mis demos con palabras mientras encuentro las melodías. No me gusta tararear, así que simplemente invento palabras. Ella tomó algunas de mis frases, que ni siquiera yo podría haber terminado por mí mismo, y les puso orden a las palabras. En general, muchas de nuestras conversaciones personales se reflejan en las letras, y al escucharlas, a veces siento como si estuviera teniendo una conversación directa con ella.
Es interesante cómo las letras pueden tener diferentes significados para diferentes personas. Personalmente, cuando escucho canciones que me gustan, no me enfoco tanto en las letras literales, sino que creo mi propio mundo emocional y personal con ellas. Es como tener una conversación íntima y privada con la música, donde las palabras adquieren un significado único para cada uno.
Me gustaría saber qué reflexiones te deja la gira que hizo The Strokes con los Red Hot Chilli Peppers este año…
Tuvimos la oportunidad de tocar en estadios llenos en todo Estados Unidos. Es increíble cuando puedes ser parte de algo así, ir detrás del escenario y ver cómo se pone en marcha para lograr tener a tanta gente reunida en un lugar. Abrí para Coldplay en Europa en mi gira en solitario. Fueron 23 ciudades con ellos y recuerdo que iba al público todas las noches y era impresionante. Es divertido poder verlo desde ambos lados. Me dio esperanzas de lo que podríamos lograr en el futuro, pero también estaba tratando de disfrutar el momento.
Sobre las colaboraciones, hay una canción de este álbum que tiene en la batería a Matt Helders de Arctic Monkeys. ¿Eres consciente de cuan loca estaba la gente por un trabajo entre alguien de The Strokes y los Monkeys?
Soy amigo de Matt, así que eso hizo que no se sintiera como algo fuera de lo común. Lo habíamos hablado durante un tiempo, pero nunca se había dado el momento adecuado. Es difícil que la gente no se emocione sobre cosas como esa. Todos tenían esa sensación porque son dos grandes bandas de rock. A mí simplemente me gusta como toca la batería desde siempre y pensé que sería divertido hacer una canción rápida en el estudio y funcionó. Por mucho que haces esto porque vives de ello, a veces solo quieres relajarte cuando no estás trabajando.
¿Cuál es el mejor consejo que te han dado?
Usar tus emociones como una prenda suelta. En la vida sentirás cosas que parecerán permanentes, especialmente si eres una persona sensible. Así que aprende a llevarlas y experimentarlas de manera suelta y a no dejar que te afecten de manera exagerada, porque también se irán. No lo he logrado, pero es una buena lección (risas). También aprender las transiciones, como dejar las cosas del trabajo para el trabajo y de la casa en casa. Dejarlo todo atrás antes de entrar a un nuevo espacio.
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